알렉세이 보리소비치 류비모프 (알렉세이 루비모프) |

알렉세이 루비모프

Aleksey Lyubimov는 모스크바 뮤지컬 및 공연 환경에서 평범한 인물이 아닙니다. 그는 피아니스트로 그의 경력을 시작했지만, 오늘날 그를 하프시코드 연주자(또는 오르간 연주자)라고 부를 이유가 적지 않습니다. 솔리스트로서 명성을 얻었습니다. 이제 그는 거의 프로 앙상블 연주자입니다. 원칙적으로 그는 다른 사람들이 연주하는 것을 연주하지 않습니다. 예를 들어 XNUMX년대 중반까지 그는 Liszt의 작품을 거의 연주하지 않았고 쇼팽을 두세 번만 연주했습니다. .

Alexei Borisovich Lyubimov는 모스크바에서 태어났습니다. 집에있는 Lyubimov 가족의 이웃 중에는 잘 알려진 교사 인 피아니스트 Anna Danilovna Artobolevskaya가있었습니다. 그녀는 소년에게 관심을 끌고 그의 능력을 확인했습니다. 그런 다음 그는 AD Artobolevskaya의 학생들 사이에서 중앙 음악 학교에 들어갔고 감독하에 XNUMX 학년부터 XNUMX 학년까지 XNUMX 년 이상 공부했습니다.

"나는 여전히 즐거운 느낌으로 Alyosha Lyubimov와의 수업을 기억합니다. "라고 AD Artobolevskaya는 말했습니다. – 나는 그가 우리 수업에 처음 왔을 때 감동적으로 순진하고 독창적이며 직접적이었던 것을 기억합니다. 대부분의 영재 아이들과 마찬가지로 그는 음악적 인상에 대한 생생하고 빠른 반응으로 구별되었습니다. 기쁨으로 그는 그에게 요청받은 다양한 작품을 배우고 스스로 작곡을 시도했습니다.

약 13-14 세에 Alyosha에서 내부 골절이 발견되기 시작했습니다. 새로운 것에 대한 갈망이 높아져 나중에 그를 떠나지 않았습니다. 그는 Prokofiev와 열정적으로 사랑에 빠졌고 음악적 현대성을 더 면밀히 살펴보기 시작했습니다. 나는 Maria Veniaminovna Yudina가 이것에 대해 그에게 큰 영향을 미쳤다고 확신합니다.

MV Yudina Lyubimov는 교육학적인 "손자"와 같습니다. 그의 교사 인 AD Artobolevskaya는 젊었을 때 뛰어난 소련 피아니스트로부터 수업을 받았습니다. 그러나 아마도 Yudina는 Alyosha Lyubimov를 알아 차리고 이러한 이유뿐만 아니라 그를 다른 사람들과 구별했습니다. 그는 자신의 창의적인 성격의 창고로 그녀에게 깊은 인상을 남겼습니다. 차례로 그는 그녀에게서, 그녀의 활동에서 자신과 가깝고 비슷한 것을 보았습니다. Lyubimov는 "Maria Veniaminovna의 콘서트 공연과 그녀와의 개인적인 의사 소통은 어린 시절 저에게 큰 음악적 충동이되었습니다. "라고 말합니다. Yudina의 예에서 그는 창의적인 문제에서 타협하지 않는 높은 예술적 무결성을 배웠습니다. 아마도 부분적으로는 그녀와 음악적 혁신에 대한 그의 취향, 현대 작곡가 생각의 가장 대담한 창작물을 다루는 데 대한 두려움 때문일 것입니다 (나중에 이에 대해 이야기 할 것입니다). 마지막으로 Yudina와 Lyubimov를 플레이하는 방식에서. 그는 무대에서 예술가를 보았을뿐만 아니라 AD Artobolevskaya의 집에서 그녀를 만났습니다. 그는 Maria Veniaminovna의 피아니즘을 아주 잘 알고있었습니다.

Lyubimov는 Moscow Conservatory에서 한동안 GG Neuhaus와 함께 공부했으며 사망 후 LN Naumov와 함께 공부했습니다. 사실, 그는 예술적 개성으로서 – 그리고 Lyubimov는 이미 확립된 개성으로 대학에 왔습니다 – 노이가우스의 낭만적인 학교와 공통점이 많지 않았습니다. 그럼에도 불구하고 그는 보수적인 선생님들로부터 많은 것을 배웠다고 믿는다. 이것은 예술에서 발생하며 종종 다음과 같습니다. 창의적으로 반대되는 대상과의 접촉을 통한 풍요로움…

1961년 Lyubimov는 전 러시아 공연 음악가 대회에 참가하여 1965위를 차지했습니다. 그의 다음 우승 – 리우데자네이루 국제 악기 연주자 대회(1968) – XNUMX등상. 그때 – 몬트리올, 피아노 콩쿠르(XNUMX), XNUMX위. 흥미롭게도 그는 리우데자네이루와 몬트리올에서 최고의 현대 음악 공연으로 특별상을 받았습니다. 이때 그의 예술적 프로필은 모든 특이성으로 나타납니다.

음악원 (1968)을 졸업 한 후 Lyubimov는 실내악 앙상블의 교사 직책을 수락하면서 한동안 벽 안에 머물 렀습니다. 그러나 1975년에 그는 이 일을 그만둔다. "한 가지에 집중해야 한다는 걸 깨달았어..."

그러나 이제 그의 삶은 그가 의도적으로 "분산"되는 방식으로 발전하고 있습니다. 그의 정기적인 창작 접촉은 O. Kagan, N. Gutman, T. Grindenko, P. Davydova, V. Ivanova, L. Mikhailov, M. Tolpygo, M. Pechersky 등 대규모 아티스트 그룹과 함께 이루어집니다. 공동 콘서트 공연이 조직됩니다. 모스크바 홀과 그 나라의 다른 도시에서 일련의 흥미롭고 항상 어떤 식 으로든 독창적 인 테마 저녁이 발표됩니다. 다양한 구성의 앙상블이 만들어집니다. Lyubimov는 종종 리더로 활동하거나 포스터에서 때때로 "음악 코디네이터"라고 말합니다. 그의 레퍼토리 정복은 점점 더 집중적으로 수행되고 있습니다. 한편으로는 JS Bach보다 오래 전에 만들어진 예술적 가치를 마스터하면서 초기 음악의 장을 지속적으로 탐구하고 있습니다. 다른 한편으로 그는 록 음악과 전자 실험에 이르기까지 가장 다양한 측면에 정통한 음악적 현대성 분야의 감정가이자 전문가로서의 권위를 주장합니다. 수년에 걸쳐 성장해 온 고대 악기에 대한 Lyubimov의 열정에 대해서도 말해야합니다. 노동의 유형과 형태의 이 모든 명백한 다양성에는 자체 내부 논리가 있습니까? 의심할 여지 없이. 전체성과 유기성이 모두 있습니다. 이것을 이해하기 위해서는 적어도 일반적으로 해석 기술에 대한 Lyubimov의 견해에 익숙해져야 합니다. 어떤 점에서는 일반적으로 허용되는 것과 다릅니다.

그는 창조 활동의 독립적인 영역으로 수행하는 것에 너무 매료되지 않습니다(그는 그것을 숨기지 않습니다). 여기에서 그는 의심할 여지 없이 동료들 사이에서 특별한 위치에 있습니다. GN Rozhdestvensky의 말에 따르면 "청중은 지휘자의 말을 듣기 위해 심포니 콘서트에, 가수의 말을 듣거나 발레리나를 보기 위해 극장에 옵니다." (Rozhdestvensky GN 음악에 대한 생각. – M., 1975. P. 34.). Lyubimov는 다양한 무대 해석의 가능성과 관련된 특정 범위의 문제가 아니라 예술적 실체, 현상, 현상으로서 음악 자체에 관심이 있음을 강조합니다. 그에게 솔리스트로 무대에 오르느냐 마느냐는 중요하지 않다. 그가 한때 대화에서 말했듯이 "음악 속에" 있는 것이 중요합니다. 따라서 합동 음악 제작, 실내악 앙상블 장르에 대한 그의 매력.

하지만 그게 다가 아닙니다. 또 있습니다. 오늘 콘서트 무대에는 스텐실이 너무 많다고 Lyubimov는 말합니다. “저에게는 우표보다 더 나쁜 것은 없습니다… Lyubimov의 동시대 인 Shostakovich 또는 Boulez, Cage 또는 Stockhausen, Schnittke 또는 Denisov에게 매력적인 점은 무엇입니까? 그들의 작업과 관련하여 아직 해석적인 고정 관념이 없다는 사실. Lyubimov는 "여기에서 뮤지컬 공연 상황은 청취자에게 예기치 않게 발전하고 사전에 예측할 수 없는 법칙에 따라 전개됩니다."라고 말합니다. 일반적으로 바흐 이전 시대의 음악에서도 마찬가지입니다. 그의 프로그램에서 XNUMX-XNUMX 세기의 예술적 예를 자주 찾는 이유는 무엇입니까? 그들의 공연 전통이 오랫동안 사라졌기 때문입니다. 새로운 해석적 접근이 필요하기 때문입니다. 신제품 – Lyubimov에게 이것은 근본적으로 중요합니다.

마지막으로 활동 방향을 결정하는 또 다른 요소가 있습니다. 그는 음악이 만들어진 악기로 연주되어야 한다고 확신합니다. 어떤 작품은 피아노로, 다른 작품은 하프시코드나 버지널로 연주합니다. 오늘날에는 현대적인 디자인의 피아노로 옛 거장들의 작품을 연주하는 것이 당연하게 받아들여지고 있습니다. Lyubimov는 이에 반대합니다. 이것은 음악 자체와 그것을 쓴 사람들의 예술적 모습을 왜곡한다고 그는 주장합니다. 그들은 공개되지 않은 채 남아 있으며 과거의 시적 유물에 내재 된 많은 미묘함 (문체, 음색-색채)이 아무것도 감소하지 않습니다. 그의 생각에 연주는 진짜 오래된 악기나 능숙하게 복제한 악기로 해야 합니다. 그는 하프시코드로 Rameau와 Couperin을, Virginal로 Bull, Byrd, Gibbons, Farneby, 해머 피아노(hammerklavier)로 Haydn과 Mozart, 오르간으로 Bach, Kunau, Frescobaldi 및 동시대 음악가들의 오르간 음악을 연주합니다. 필요한 경우 연습에서 발생하는 것처럼 한 번 이상 다른 많은 도구를 사용할 수 있습니다. 장기적으로 이것은 그를 지역 공연 직업으로서의 피아니스트로부터 멀어지게 한다는 것이 분명합니다.

말한 내용에서 Lyubimov가 자신의 아이디어, 견해 및 원칙을 가진 예술가라는 결론을 내리는 것은 어렵지 않습니다. 다소 독특하고 때로는 역설적이며 공연 예술의 일반적이고 잘 다져진 길에서 그를 멀어지게합니다. (우연이 아닙니다. 어린 시절에 그가 Maria Veniaminovna Yudina와 가까웠다는 것을 다시 한 번 반복합니다. 그녀가 그를 관심으로 표시한 것은 우연이 아닙니다.) 이 모든 것 자체가 존경을 요구합니다.

솔리스트로서의 역할에 특별한 성향을 보이지는 않지만 여전히 솔로곡을 소화해야 한다. 자신을 숨기고 '음악 속'에 완전히 몰입하고 싶어도 무대에 오르는 그의 예술적인 면모는 공연 내내 선명하게 빛난다.

그는 악기 뒤에 구속되어 내부적으로 수집되고 감정이 훈련됩니다. 아마도 조금 닫혀있을 것입니다. (때로는 그에 대해 들어야 합니다 – “폐쇄된 본성”.) 그의 감정 영역은 합리적으로 엄격하게 구성됩니다. 그가 하는 모든 것 뒤에는 잘 생각한 음악적 개념이 있습니다. 분명히이 예술 단지의 많은 부분은 Lyubimov의 자연스럽고 개인적인 특성에서 비롯됩니다. 그러나 그들 뿐만이 아닙니다. 그의 게임에서 – 명확하고, 세심하게 조정되고, 가장 높은 의미에서 합리적 – 우리는 또한 매우 명확한 미학적 원리를 볼 수 있습니다.

아시다시피 음악은 때때로 건축과, 음악가와 건축가와 비교됩니다. 그의 창의적인 방법에서 Lyubimov는 실제로 후자와 유사합니다. 연주하는 동안 그는 작곡을 하는 것 같다. 마치 시공간에 사운드 구조물을 세우는 것처럼. 그의 해석에서 "구성적 요소"가 지배적이라는 비판이 당시에 지적되었습니다. 그래서 그것은 그대로 남아 있습니다. 모든 것에서 피아니스트는 비례성, 건축학적 계산, 엄격한 비례성을 가지고 있습니다. "모든 예술의 기초는 질서"라는 B. Walter의 의견에 동의한다면 Lyubimov 예술의 기초가 희망적이고 강하다는 것을 인정할 수밖에 없습니다 …

보통 그의 창고의 예술가들은 강조했다. 목표 해석 된 음악에 대한 그의 접근 방식에서. Lyubimov는 오랫동안 근본적으로 개인주의와 무정부 상태를 거부했습니다. (일반적으로 그는 콘서트 연주자가 연주한 명곡을 순전히 개별적으로 해석하는 방식이 과거의 일이 될 것이라고 믿고 있으며, 이 판단의 논쟁 가능성은 그를 조금도 괴롭히지 않습니다.) 그에게 저자는 전체 해석 과정, 이와 관련하여 발생하는 모든 문제의 시작이자 끝입니다. . 흥미로운 터치. A. Schnittke는 한 피아니스트의 연주에 대한 리뷰를 작성한 적이 있습니다(모차르트의 작곡이 프로그램에 포함됨). 씨 씨.) Lyubimov의 협주곡이 아니라 Mozart의 음악에 관한 것입니다.” (Schnittke A. 객관적 성능에 대한 주관적 메모 // Sov. Music. 1974. No. 2. P. 65.). A. Schnittke는 다음과 같은 합리적인 결론에 도달했습니다.

그런 연주라면 듣는 사람들은 이 음악에 대해 그리 많은 생각을 하지 않을 것이다. 아마도 연주자의 가장 큰 덕목은 자신이 아니라 그가 연주하는 음악을 긍정하는 것일 것입니다. (같은 책.). 위의 모든 내용은 역할과 중요성을 명확하게 설명합니다. 지적 요소 Lyubimov의 활동에서. 그는 정확하고, 관대하며, 인습에 얽매이지 않는 예술적 사고로 주목할만한 음악가의 범주에 속합니다. 이것이 그의 개성입니다 (그 자신이 지나치게 범주적인 표현에 반대하더라도). 또한 아마도 가장 강력한 측면 일 것입니다. 스위스의 저명한 작곡가이자 지휘자인 E. Ansermet은 "음악과 수학 사이에는 무조건적인 평행성이 있다"고 말했을 때 아마도 진실과 크게 다르지 않았을 것입니다. (Anserme E. 음악에 대한 대화. – L., 1976. S. 21.). 일부 아티스트의 창작 활동에서 음악을 쓰든 연주하든 이것은 매우 분명합니다. 특히, Lyubimov.

물론 모든 곳에서 그의 방식이 똑같이 설득력 있는 것은 아닙니다. 예를 들어, 모든 비평가들이 슈베르트의 즉흥 연주, 왈츠, 독일 춤에 만족하는 것은 아닙니다. Lyubimov의이 작곡가는 때때로 다소 감정적이며 여기에는 단순함, 성실한 애정, 따뜻함이 부족하다는 말을 들어야합니다. 아마도 그럴 것입니다. 그러나 일반적으로 Lyubimov는 일반적으로 프로그램 선택 및 편집에서 그의 레퍼토리 열망에서 정확합니다. 그는 어디를 잘 알고 있다 그의 레퍼토리 소유, 그리고 실패의 가능성을 배제할 수 없는 곳. 그가 언급하는 작가들은 동시대인이든 옛 거장이든 일반적으로 그의 공연 스타일과 충돌하지 않습니다.

그리고 개별적인 윤곽과 특징을 더 잘 그리기 위해 피아니스트의 초상화를 몇 번 더 터치했습니다. Lyubimov는 역동적입니다. 일반적으로 그는 움직이고 활기찬 템포로 음악 연설을하는 것이 편리합니다. 그는 명료한 어법과 알아들을 수 있는 무대 발음과 같은 연주자에게 중요한 자질을 나타내기 위해 일반적으로 사용되는 표현을 사용하기 위해 강하고 명확한 손가락 스트라이크를 가지고 있습니다. 그는 아마도 뮤지컬 일정에서 가장 강합니다. 다소 덜 - 수채화 사운드 녹음에서. “그의 연주에서 가장 인상적인 것은 전기가 통하는 토카토입니다.” (Ordzhonikidze G. 음악과 함께하는 봄 모임 // Sov. Music. 1966. No. 9. P. 109.), 음악 평론가 중 한 사람은 XNUMX년대 중반에 썼습니다. 이것은 오늘날에도 상당 부분 사실입니다.

XNUMX 년대 후반 Lyubimov는 그의 프로그램에서 온갖 종류의 놀라움에 익숙한 청취자들에게 또 다른 놀라움을 선사했습니다.

이전에 그는 일반적으로 대부분의 콘서트 뮤지션이 끌리는 것을 받아들이지 않고 완전히 미개척 레퍼토리 영역이 아니라면 거의 연구되지 않은 것을 선호한다고 말했습니다. 오랫동안 그는 Chopin과 Liszt의 작품을 거의 건드리지 않았다고합니다. 그래서 갑자기 모든 것이 바뀌었습니다. Lyubimov는이 작곡가의 음악에 거의 모든 clavirabends를 바치기 시작했습니다. 예를 들어, 1987년에 그는 모스크바와 그 나라의 다른 도시에서 Petrarch의 세 소네트, 잊혀진 왈츠 1번, Liszt의 F-단조(콘서트) 에튜드, 쇼팽의 Barcarolle, 발라드, 야상곡 및 마주르카를 연주했습니다. ; 다음 시즌에도 같은 과정이 계속되었습니다. 어떤 사람들은 이것을 피아니스트 측의 또 다른 괴짜로 여겼습니다. 당신은 그들 중 얼마나 많은 사람들이 그의 계정에 있는지 결코 알 수 없다고 합니다... 그러나 Lyubimov의 경우 이 경우(실제로 항상 그렇듯이) 내부 정당성이 있었습니다. 그가 한 일에서: “오랫동안 나는 이 음악에 대해 냉담했고, 갑자기 그것에 대한 나의 매력이 깨어나는 데 전혀 놀라운 것을 보지 못했습니다. 확실하게 말하고 싶습니다. Chopin과 Liszt로 전환하는 것은 일종의 투기적인 "머리"결정이 아닙니다. , 아니, 나는 그들에게 끌렸다. 순전히 감정적인 측면에서 모든 것이 내부 어딘가에서 나왔습니다.

예를 들어, 쇼팽은 나에게 거의 잊혀진 작곡가가 되었습니다. 때로는 과분하게 잊혀진 과거의 걸작이 발견되는 것처럼 스스로 발견했다고 말할 수 있습니다. 그래서인지 그에게 그렇게 생생하고 강한 감정을 불러 일으켰습니다. 그리고 가장 중요한 것은 쇼팽의 음악과 관련하여 딱딱한 해석적 진부함이 없다고 느꼈기 때문에 연주할 수 있다는 것입니다.

Liszt에서도 같은 일이 일어났습니다. 오늘날 나에게 특히 가까운 것은 철학적 본성, 복잡하고 숭고한 영적 세계, 신비주의를 지닌 후기 리스트입니다. 물론 독창적이고 세련된 사운드 컬러링도 있습니다. 나는 이제 Gray Clouds, Bagatelles without Key 및 Liszt의 마지막 작품을 연주하게되어 매우 기쁩니다.

쇼팽과 리스트에 대한 나의 호소에는 그런 배경이 있었을 것이다. 나는 오랫동안 XNUMX 세기 작가들의 작품을 수행하면서 그들 중 많은 사람들이 명확하게 구별되는 낭만주의를 반영하고 있음을 알아 차 렸습니다. 어쨌든 나는 실베스트로프(Silvestrov), 슈니트케(Schnittke), 리게티(Ligeti), 베리오(Berio)의 음악에서 이러한 반영을 분명히 봅니다. 언뜻 보기에는 아무리 역설적이더라도 말입니다. 믿었다. 이 생각에 물들었을 때 나는 말하자면 주요 출처에 끌 렸습니다. 그 시대에 너무 많이 갔고 그 이후의 발전을 받았습니다.

그건 그렇고, 오늘 나는 낭만주의의 유명인 인 Chopin, Liszt, Brahms에게 매력을 느낍니다 ... 나는 또한 그들의 젊은 동시대 작곡가, XNUMX 세기 초 XNUMX의 작곡가들에게도 큰 관심을 가지고 있습니다. 시대 – 고전주의와 낭만주의, 서로 연결. 저는 지금 Muzio Clementi, Johann Hummel, Jan Dussek과 같은 작가들을 염두에 두고 있습니다. 세계 음악 문화의 발전 방식을 이해하는 데 도움이되는 작곡도 많이 있습니다. 무엇보다 오늘날에도 예술적 가치를 잃지 않은 밝고 재능 있는 분들이 많다”고 말했다.

1987년 Lyubimov는 Dussek의 오케스트라와 함께 두 대의 피아노를 위한 교향곡 협주곡을 연주했습니다. 관객들 사이에서.

그리고 Lyubimov의 또 다른 취미에 주목하고 설명해야합니다. 서유럽 낭만주의에 대한 그의 매력보다 더 예상치 못한 것은 아닙니다. 이것은 가수 Viktoria Ivanovna가 최근에 그를 위해 "발견"한 오래된 로맨스입니다. “사실 연애의 본질은 그런 게 아니에요. 나는 일반적으로 지난 세기 중반 귀족 살롱에서 들리는 음악에 매료되었습니다. 결국 그것은 사람들 사이의 훌륭한 영적 의사 소통 수단으로 사용되어 가장 깊고 친밀한 경험을 전달할 수있었습니다. 여러모로 그것은 대규모 콘서트 무대에서 공연되었던 음악과 정반대입니다. 화려하고 시끄럽고 반짝이며 눈부시게 밝고 고급스러운 사운드 의상입니다. 그러나 살롱 아트에서 – 그것이 정말로 진짜이고 고급 예술이라면 – 당신은 그것의 특징인 매우 미묘한 감정적 뉘앙스를 느낄 수 있습니다. 그래서 나에게는 소중한 것이다.”

동시에 Lyubimov는 이전에 그와 가까운 음악 재생을 중단하지 않습니다. 먼 고대에 대한 애착, 그는 변하지 않으며 변하지 않을 것입니다. 예를 들어, 1986년에 그는 앞으로 몇 년 동안 계획된 Golden Age of the Harpsichord 시리즈 콘서트를 시작했습니다. 이 주기의 일부로 그는 L. Marchand의 모음곡 D단조, F. Couperin의 "위대하고 고대 Menestrand 축하" 모음곡 및 이 작가의 여러 희곡을 연주했습니다. 대중에게 의심 할 여지가없는 관심은 Lyubimov가 F. Dandrieu, LK Daken, JB de Boismortier, J. Dufly 및 기타 프랑스 작곡가의 기악 미니어처를 포함하는 "Gallant festivities at Versailles"프로그램이었습니다. T. Grindenko(A. Corelli, FM Veracini, JJ Mondonville의 바이올린 작곡), O. Khudyakov(A. Dornell 및 M. de la Barra의 플루트 및 디지털 베이스용 모음곡)와 함께 진행 중인 Lyubimov의 공동 공연도 언급해야 합니다. 마지막으로 FE Bach를 위한 음악의 밤을 기억하지 않을 수 없습니다.

그러나 문제의 본질은 기록 보관소에서 발견되고 공개적으로 재생되는 양이 아닙니다. 가장 중요한 것은 오늘날 Lyubimov가 이전과 마찬가지로 음악적 고대의 숙련되고 지식이 풍부한 "복원자"로서 자신을 원래 형태로 능숙하게 되돌려 놓은 것입니다. 즉, 형태의 우아한 아름다움, 소리 장식의 용감함, 특별한 미묘함 음악적 진술의 섬세함.

... 최근 몇 년 동안 Lyubimov는 해외에서 여러 차례 흥미로운 여행을했습니다. 나는 그들보다 일찍, 꽤 오랫동안 (약 6 년) 그는 나라 밖으로 전혀 여행하지 않았다고 말해야합니다. 그리고 XNUMX년대 후반과 XNUMX년대 초반에 음악 문화를 이끈 일부 관계자들의 입장에서 볼 때 그가 공연했어야 할 '그것들이 아닌' 작품들을 공연했기 때문이다. 슈니트케(Schnittke), 구바이둘리나(Gubaidulina), 실베스트로프(Sylvestrov), 케이지(Cage) 등 소위 "아방가르드"라고 불리는 현대 작곡가들에 대한 그의 선호는 가볍게 말해서 "최상위"에 공감하지 않았습니다. 처음에는 Lyubimov를 화나게 한 강제 가정. 그리고 콘서트 아티스트 중 누가 그의 자리에서 화를 내지 않겠습니까? 그러나 감정은 나중에 가라 앉았습니다. “이 상황에 긍정적인 측면이 있다는 것을 깨달았습니다. 집에서 멀고 장기적인 부재가 나를 산만하게하지 않았기 때문에 새로운 것을 배우는 데 전적으로 일에 집중할 수있었습니다. 그리고 실제로 내가 "여행 제한" 예술가였던 몇 년 동안 나는 많은 새로운 프로그램을 배울 수 있었습니다. 그러므로 선 없이는 악도 없습니다.

이제 그들이 말했듯이 Lyubimov는 정상적인 여행 생활을 재개했습니다. 최근에는 L. Isakadze가 지휘하는 오케스트라와 함께 핀란드에서 모차르트 협주곡을 연주했으며 동독, 네덜란드, 벨기에, 오스트리아 등에서 여러 차례 클라비라벤드를 연주했습니다.

모든 실제 위대한 마스터와 마찬가지로 Lyubimov는 자신의 공공의. 대체로 이들은 젊은이들입니다. 청중은 안절부절 못하고 인상의 변화와 다양한 예술적 혁신에 탐욕적입니다. 공감을 얻다 이러한 대중에게 수년 동안 꾸준한 관심을 받는 것은 쉬운 일이 아닙니다. Lyubimov는 그것을 할 수있었습니다. 그의 예술이 정말로 사람들에게 중요하고 필요한 것을 담고 있다는 것을 여전히 확인할 필요가 있습니까?

G. 치핀, 1990