클라우디오 몬테베르디 (클라우디오 몬테베르디) |

클라우디오 몬테베르디

몬테베르디. 캔타테 도미노

Monteverdi는 음악의 감정과 자유의 권리를 옹호합니다. 규칙을 옹호하는 사람들의 항의에도 불구하고 그는 음악이 스스로를 얽어매는 족쇄를 부수고 이제부터는 음악이 마음의 지시만을 따르기를 원합니다. R. 롤란

이탈리아 오페라 작곡가 C. Monteverdi의 작품은 XNUMX 세기 음악 문화의 독특한 현상 중 하나입니다. 인간에 대한 관심, 그의 열정과 고통에서 Monteverdi는 진정한 르네상스 예술가입니다. 그 당시의 작곡가 중 누구도 그런 식으로 비극적 인 삶의 느낌을 음악으로 표현하고 그 진실을 이해하는 데 더 가까워지고 인간 캐릭터의 원초적 본성을 드러내지 못했습니다.

Monteverdi는 의사의 가족으로 태어났습니다. 그의 음악 연구는 경험이 풍부한 음악가이자 Cremona Cathedral의 밴드 마스터 인 M. Ingenieri가 이끌었습니다. 그는 미래 작곡가의 폴리포닉 기법을 개발하고 G. Palestrina와 O. Lasso의 최고의 합창 작품을 소개했습니다. Moiteverdi는 일찍 작곡을 시작했습니다. 이미 1580년대 초반입니다. 다성 성악 작품(마드리갈, 모테트, 칸타타)의 첫 번째 컬렉션이 출판되었고, 이 1590년 말에 그는 로마의 세실리아 아카데미 회원인 이탈리아의 유명한 작곡가가 되었습니다. 1607년부터 몬테베르디는 만토바 공작의 궁정 예배당에서 봉사했습니다(처음에는 오케스트라 단원이자 가수로, 그 다음에는 밴드 마스터로). 무성하고 부유한 궁정 빈센조 곤자가는 당대 최고의 예술적인 힘을 끌어들였습니다. 아마도 Monteverdi는 위대한 이탈리아 시인 T. Tasso, Flemish 예술가 P. Rubens, 유명한 Florentine camerata의 멤버, 첫 번째 오페라 J. Peri, O. Rinuccini의 저자를 만날 수 있습니다. 빈번한 여행과 군사 작전에 공작과 함께 작곡가는 프라하, 비엔나, 인스부르크, 앤트워프를 여행했습니다. 1608년 XNUMX월, 몬테베르디의 첫 번째 오페라인 오르페우스(A. Strigio의 대본)가 만토바에서 큰 성공을 거두며 상연되었습니다. Monteverdi는 궁전 축제를위한 목가적 연극을 그의 예술의 불멸의 아름다움에 대한 오르페우스의 고통과 비극적 운명에 대한 실제 드라마로 바 꾸었습니다. (Monteverdi와 Striggio는 신화의 비극적 버전을 유지했습니다. Orpheus는 죽은 자의 왕국을 떠나 금지령을 위반하고 Eurydice를 되돌아보고 그녀를 영원히 잃습니다.) "Orpheus"는 초기에 놀라운 수단이 풍부하다는 점에서 구별됩니다. 일하다. 표현적인 선언과 넓은 칸틸레나, 합창단과 앙상블, 발레, 발달된 오케스트라 파트는 깊은 서정적 아이디어를 구현하는 역할을 한다. Monteverdi의 두 번째 오페라인 Ariadne(XNUMX)의 한 장면만이 오늘날까지 살아 남았습니다. 이것은 유명한 "아리아드네의 애가"("나를 죽게 하소서...")로, 이탈리아 오페라에서 많은 라멘토 아리아(불평의 아리아)의 원형이 되었습니다. (아리아드네의 애도는 두 가지 버전으로 알려져 있습니다. 독주용과 XNUMX성부 마드리갈 형식입니다.

1613년에 몬테베르디는 베니스로 이주했고 생애가 끝날 때까지 성 마르코 대성당에서 카펠마이스터에게 봉사했습니다. 베니스의 풍부한 음악 생활은 작곡가에게 새로운 기회를 열어주었습니다. 몬테베르디는 오페라, 발레, 막간곡, 마드리갈, 교회 음악과 궁중 축제를 작곡했습니다. 이 시대의 가장 독창적인 작품 중 하나는 T. Tasso의 시 "Jerusalem Liberated"의 텍스트를 기반으로 한 극적인 장면 "The Duel of Tancred and Clorinda"입니다. Tancred와 Clorinda의 암송 부분)과 결투의 과정을 묘사하는 오케스트라는 장면의 감정적 특성을 드러냅니다. "Duel"과 관련하여 Monteverdi는 새로운 스타일의 concitato (흥분, 동요)에 대해 썼으며 당시 널리 퍼진 "부드럽고 온건 한"스타일과 대조했습니다.

Monteverdi의 많은 madrigals는 또한 표현력이 풍부하고 극적인 특성으로 구별됩니다 (마드리갈의 마지막, 여덟 번째 컬렉션, 1638은 베니스에서 제작되었습니다). 이 장르의 다성 성악에서는 작곡가의 스타일이 형성되고 표현 수단의 선택이 이루어졌습니다. 마드리갈의 조화로운 언어는 특히 독창적입니다(대담한 음조 비교, 반음계, 불협화음 등). 1630년대 말~40년대 초. Monteverdi의 오페라 작품은 절정에 이릅니다 ( "Ulysses의 고향으로의 귀환"-1640, "Adonis"-1639, "Aeneas와 Lavinia의 결혼식"-1641; 마지막 2 개의 오페라는 보존되지 않았습니다).

1642년 Monteverdi의 The Coronation of Poppea가 베니스에서 상연되었습니다(Tacitus' Annals에 기초한 F. Businello의 대본). 75세 작곡가의 마지막 오페라는 그의 창작 경로의 결과인 진정한 절정이 되었습니다. 교활함과 잔인함으로 유명한 로마 황제 네로, 그의 스승인 철학자 세네카 등 구체적이고 실제적인 역사적 인물들이 그 안에서 행동합니다. The Coronation의 많은 부분은 작곡가의 뛰어난 동시대 W. 셰익스피어의 비극과 유추를 제안합니다. 열정의 개방성과 강렬함, 예리하고 진정으로 "셰익스피어"의 숭고한 장면과 장르 장면, 코미디의 대조. 그래서 학생들에게 세네카의 작별인사(오에라의 비극적 절정)는 페이지와 하녀의 쾌활한 막간으로 대체되고 진정한 난교가 시작됩니다. 네로와 그의 친구들은 교사를 조롱하고 그의 죽음을 축하합니다.

R. Rolland는 Monteverdi에 대해 "그의 유일한 법칙은 삶 그 자체입니다"라고 썼습니다. 발견의 용기로 Monteverdi의 작업은 시대를 훨씬 앞서갔습니다. 작곡가는 뮤지컬 극장의 아주 먼 미래를 예견했습니다. WA Mozart, G. Verdi, M. Mussorgsky의 오페라 극작의 사실주의. 그래서인지 그의 작품의 운명은 그토록 의외였다. 수년 동안 그들은 망각 속에 남아 있었고 우리 시대에만 다시 살아났습니다.

I. 오할로바

의사의 아들이자 1587형제 중 장남. 그는 MA Ingenieri와 함께 음악을 공부했습니다. 1590세 때 그는 마드리갈의 첫 번째 책인 Spiritual Melodies를 1595년에 출판했습니다. 1607년, 만토바 공작의 궁정에서 빈센초 곤자가는 비올리스트이자 가수가 되었고, 당시 예배당의 지도자가 되었습니다. 공작과 함께 헝가리 (터키 캠페인 중)와 플랑드르로 이동합니다. 1613년에 그는 가수 클라우디아 카타네오와 결혼하여 세 아들을 낳게 됩니다. 그녀는 오르페우스의 승리 직후인 1632년에 죽을 것입니다. XNUMX년 이후 – 베네치아 공화국의 예배당 수장으로 평생 직위; 신성한 음악의 구성, 마드리갈의 마지막 책, 극적인 작품, 대부분 사라졌습니다. XNUMX년경에 그는 신권을 얻었다.

Monteverdi의 오페라 작품은 Cremonese 마스터가 비교할 수없는 결과를 얻은 장르 인 마드리갈과 신성한 음악을 작곡 한 이전 경험의 결실 인 매우 견고한 기반을 가지고 있습니다. 그의 연극 활동의 주요 단계는 적어도 우리에게 내려온 것을 기반으로 두 개의 명확하게 구별되는 기간 인 것 같습니다. 세기 초의 Mantua와 그 중간에 해당하는 Venetian입니다.

의심할 여지 없이 "오르페우스"는 이탈리아에서 XNUMX세기 초의 성악적이고 극적인 양식을 가장 두드러지게 표현한 작품입니다. 그 중요성은 오케스트라, 민감한 호소 및 주문을 포함하여 효과의 큰 포화 인 연극 성에 의해 결정되며, 피렌체 성가 암송 (감정적 기복이 매우 풍부함)은 수많은 마드리갈 삽입으로 어려움을 겪고있는 것처럼 보입니다. of Orpheus는 경쟁의 거의 전형적인 예입니다.

XNUMX년 이상 후에 쓰여진 베네치아 시대의 마지막 오페라에서 이탈리아 멜로드라마(특히 로마 학파의 개화 이후)에서 일어난 다양한 문체적 변화와 이에 상응하는 표현 수단의 변화를 느낄 수 있습니다. 매우 넓고 방탕하기까지 한 극적인 캔버스에서 큰 자유와 결합되었습니다. 합창 에피소드는 제거되거나 크게 줄어들고, 아리오즈와 레치타티브는 드라마의 필요에 따라 유연하고 기능적으로 결합되는 반면, 더 발전되고 대칭적인 다른 형식은 더 명확한 리드미컬한 움직임과 함께 연극 건축학에 도입되어 후속 기술인 자율화를 예상합니다. 시적 대화의 끊임없이 변화하는 요구와 더 독립적인 오페라 언어, 서론, 말하자면 형식적 모델 및 도식.

그러나 물론 Monteverdi는시의 하인으로서 음악의 본질과 목적에 관한 그의 생각에 항상 충실했기 때문에 시적 텍스트에서 벗어날 위험이 없었습니다. 인간의 감정.

우리는 베니스에서 작곡가가 "진실"을 찾는 경로를 따라 진행된 역사적 플롯이 있는 대본에 유리한 분위기를 찾았거나 어쨌든 심리적 연구에 도움이 되는 플롯을 찾았다는 사실을 잊지 말아야 합니다.

기억에 남는 것은 Torquato Tasso의 텍스트에 대한 Monteverdi의 작은 실내 오페라 "The Duel of Tancred and Clorinda"입니다. 1624년 카니발 기간 동안 Girolamo Mocenigo 백작의 집에 배치된 그는 "거의 눈물을 흘리며" 청중을 흥분시켰습니다. 이것은 오라토리오와 발레(행사는 판토마임으로 묘사됨)의 혼합으로, 위대한 작곡가는 가장 순수한 멜로디 낭송 스타일로 시와 음악 사이에 긴밀하고 지속적이며 정확한 연결을 설정합니다. 음악에 맞춰진 시의 가장 위대한 예, 거의 대화형 음악인 "Duel"은 소리가 거의 비유적인 몸짓이 되는 굉장하고 숭고하며 신비롭고 관능적인 순간을 포함합니다. 피날레에서 짧은 일련의 화음이 빛나는 "장조"로 바뀌며, 이때 필요한 선행음 없이 변조가 끝나고 목소리는 화음에 포함되지 않은 음표에서 카덴차를 연주합니다. 다른, 새로운 세계의 그림이 열립니다. 죽어가는 Clorinda의 창백함은 행복을 의미합니다.

G. Marchesi (E. Greceanii 번역)