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음악 이론에서 가장 복잡한 개념 중 하나는 음악적 동시성(polyphony)입니다. 그러나 이것은 관현악을 이해하거나 본격적인 반주와 함께 복잡한 선율의 아름다운 듀엣을 부르거나 단순한 트랙을 녹음하고 믹싱하는 것조차 불가능한 가장 중요한 범주 중 하나입니다. , 음성, 기타, 베이스 및 드럼 사운드 외에도.

시작하겠습니다.

실행 계획은 명확하므로 작업을 시작하겠습니다!

폴리포니의 개념

"폴리포니"라는 용어 폴리는 "많은"을 의미하고 포니아는 "소리"로 번역되는 라틴어 폴리포니아에서 파생되었습니다. Polyphony는 기능적 평등을 기반으로 소리(목소리와 멜로디)를 더하는 원리를 의미합니다.

이것은 소위 동시성(polyphony), 즉 둘 이상의 멜로디 및/또는 음성을 동시에 발음하는 것입니다. 동시성(Polyphony)은 여러 개의 독립적인 음성 및/또는 멜로디를 하나의 음악으로 조화롭게 융합하는 것을 의미합니다.

또한 작곡가의 예술 및 음악학 학부 및 학과의 음악 교육 기관에서 같은 이름의 "Polyphony"라는 분야를 가르치고 있습니다.

러시아어로 된 외래어 polyphonia는 라틴어 대신 키릴 문자로 쓰는 것을 제외하고는 큰 변화를 겪지 않았습니다. 그리고 “듣는 대로 기록된 대로”라는 규칙에 순종하는 것 같습니다. 뉘앙스는 이 용어가 모든 사람에게 다르게 들리고 강세도 다르게 배치된다는 것입니다.

그래서 1847년 Imperial Academy of Sciences에서 발행한 “Dictionary of the Church Slavonic and Russian Language”에서는 “polyphony”라는 단어에서 두 번째 “o”를 강조하고 단어에서 두 번째 “and”를 강조하도록 규정되어 있습니다. "다성"[Dictionary, V.3, 1847]. 다음은 어떻게 생겼는지입니다. 이 에디션의 페이지:

20세기 중반부터 오늘날까지 러시아어에는 마지막 "o"와 두 번째 문자 "i"의 두 가지 스트레스 변형이 평화롭게 공존하고 있습니다. 따라서 "위대한 소비에트 백과사전"에서는 마지막 "o"[V. 프라노프, 2004]. 여기 TSB 페이지의 스크린샷:

언어 학자 Sergei Kuznetsov가 편집 한 설명 사전에서 "다성 발음"이라는 단어에서 두 번째 문자 "i"가 강조 표시됩니다 [S. Kuznetsov, 2000]. "다성"이라는 단어에서 강조는 문자 "and"에 있습니다. 이전 버전에서와 같이:

구글 번역은 후자의 옵션을 지원하며, 번역란에 "polyphony"라는 단어를 입력하고 스피커 아이콘을 클릭하면 마지막 글자 "and"의 악센트가 명확하게 들립니다. 스피커 아이콘 사진에서 빨간색으로 동그라미 친 부분:

이제 우리는 일반적으로 polyphony가 무엇이며 이 단어를 올바르게 발음하는 방법을 이해했으므로 주제를 탐구할 수 있습니다.

다성음악의 기원과 발전

동시성(Polyphony)은 음악에서 다소 복잡한 현상이며 다른 문화권에서 고유한 특성을 가지고 있습니다. 따라서 동양 국가에서는 처음에 다성 음악이 주로 도구적 기반을 가졌습니다. 즉, 다현악기, 현악 앙상블, 현악 반주가 널리 퍼져 있었다. 서구 국가에서는 다성 음악이 더 자주 음성이었습니다. 그것은 아카펠라(음악 반주 없이)를 포함한 합창이었다.

초기 단계의 동시성(polyphony)의 발달은 일반적으로 "헤테로포니(heterophony)", 즉 불협화음이라는 용어로 불린다. 그래서 7세기에 합창 소리에 하나, 둘 또는 그 이상의 목소리를 추가하는 관습, 즉 전례 노래가 채택되었습니다.

중세와 르네상스 시대에는 모테가 널리 퍼졌습니다. 그것은 합창과 가장 순수한 형태의 목소리의 상부 구조가 아닙니다. 이것은 코랄의 요소가 매우 눈에 띄지 만 이미 더 복잡한 보컬 작업이었습니다. 일반적으로 모테트는 교회와 세속 노래의 전통을 흡수한 하이브리드 음악 형식이 되었습니다.

교회 노래도 기술적으로 발전했습니다. 그래서 중세에는 이른바 가톨릭 미사가 널리 퍼졌습니다. 독창과 합창 파트의 교대를 기반으로 했다. 일반적으로 15-16세기의 미사와 모테트는 다성음악의 전체 무기고를 오히려 적극적으로 사용했습니다. 분위기는 소리의 밀도, 높고 낮은 목소리의 다양한 조합, 개별 목소리 또는 목소리 그룹의 점진적 포함을 늘리거나 줄임으로써 만들어졌습니다.

독점적으로 세속적인 노래 전통도 발전했습니다. 그래서 16세기에는 맨드리갈과 같은 노래 형식이 인기를 얻고 있습니다. 이것은 일반적으로 러브 서정적 내용의 14 또는 16 보이스 작업입니다. 이 노래 문화의 시작은 17세기에 이미 나타났지만, 당시에는 그다지 발전하지 못했습니다. XNUMX-XNUMX세기의 마드리갈은 다양한 리듬, 보이스 리드의 자유, 변조 사용(작업이 끝나면 다른 키로 전환)이 특징입니다.

"richecar"라는 용어는 "검색"을 의미하는 프랑스어 rechercher에서 유래했으며(유명한 Cherchez la femme를 기억하십니까?) 음악과 관련하여 다양한 방식으로 해석될 수 있습니다. 처음에 이 용어는 억양을 찾는 것을 의미했고 나중에는 동기의 탐색과 발전을 의미했습니다. Richecar의 가장 유명한 형태는 기악 또는 성악-기악 앙상블을 위한 작품인 클라비에를 위한 작품입니다.

가장 오래된 리치카는 1540년 베니스에서 출판된 희곡 모음집에서 발견되었습니다. 클라비에를 위한 또 다른 4개의 곡은 1543년에 출판된 작곡가 지롤라모 카바조니(Girolamo Cavazzoni)의 작품 모음에서 발견되었습니다. 가장 유명한 것은 일찍이 6세기에 위대한 천재가 작곡한 바흐의 뮤지컬 헌금(Musical Offering)에 나오는 18성부 리치카(richecar)입니다.

보컬 폴리포니의 스타일과 멜로디는 이미 그 해에 텍스트와 밀접하게 연결되어 있다는 점에 유의해야 합니다. 따라서 서정적 인 텍스트의 경우 성가가 특징적이고 짧은 문구의 경우 암송입니다. 원칙적으로, 다성음악 전통의 발전은 두 가지 다성음악 경향으로 축소될 수 있습니다.

중세의 대위법 경향:

이전 단원에서 프렛에 대해 배웠으므로 이제 무엇이 문제인지 이해했습니다. 이것은 다성음악 전통의 발전에 대한 가장 일반적인 정보입니다. 다른 문화와 다성음 경향에서 다성음 형성의 역사에 대한 자세한 내용은 "다성체" 과정의 특수 교육 문헌에서 찾을 수 있습니다[T. 뮬러, 1989]. 거기에서 중세 음악에 대한 악보를 찾을 수 있으며 관심이 있는 경우 몇 가지 성악 및 기악 부분을 배울 수 있습니다. 그건 그렇고, 아직 노래하는 법을 모르지만 배우고 싶다면 "음성 및 언어 발달" 과정을 공부하여 성악 숙달을 향한 첫 단계를 밟을 수 있습니다.

다음은 다성음이 어떻게 하나의 멜로디로 형성되는지 더 명확하게 이해하기 위해 다성음악의 기술로 넘어갈 때입니다.

폴리포닉 기법

모든 동시 발음 교육 과정에서 대위법과 같은 용어를 찾을 수 있습니다. 그것은 "점 대 점"을 의미하는 라틴어 구문 punctum contra punctum에서 유래합니다. 또는 음악과 관련하여 "음표 대 음표", "멜로디 대 멜로디".

이것은 "대위법"이라는 용어가 여러 가지 다른 의미를 갖는다는 사실을 변경하지 않습니다. 이제 다음의 몇 가지 기본적인 폴리포니 기법을 살펴보겠습니다.

모방

모방은 두 번째(모방) 음성이 일정 시간 후 초기 모노포닉 사운드에 합류하는 것인데, 이는 동일하거나 다른 음에서 이전에 발음된 구절을 반복합니다. 도식적으로 보인다 다음과 같은 방법으로

도표에서 사용된 '반대'라는 용어는 다성 멜로디에서 다른 음성을 동반하는 음성임을 분명히 합시다. 화음은 리듬 추가, 선율 패턴 변경 등 다양한 기술을 사용하여 달성됩니다.

정식 모방

정규적이며 연속 모방이기도 합니다. 이전에 발음된 구절이 반복될 뿐만 아니라 반대 추가도 포함하는 보다 복잡한 기법입니다. 그렇다니까 회로도처럼 보입니다.

다이어그램에서 볼 수 있는 "링크"라는 용어는 표준 모방의 반복되는 부분을 나타냅니다. 위의 그림에서 우리는 모방 음성에 의해 반복되는 초기 음성의 3가지 요소를 봅니다. 따라서 3개의 링크가 있습니다.

최종적이고 무한한 캐논

유한 정경과 무한 정경은 정경 모방의 종류입니다. 무한대 캐논은 어느 시점에서 원래 자료의 반환을 포함합니다. 최종 캐논은 그러한 반환을 제공하지 않습니다. 위의 그림은 최종 캐논의 변형을 보여줍니다. 그리고 이제 보자 인피니트 캐논은 어떻게 생겼나요, 차이점을 이해합니다.

1류의 무한캐논은 링크가 2개인 모조품을 의미하고, 2류의 무한캐논은 3개 이상의 링크수를 가진 모조품임을 명확히 합시다.

단순 시퀀스

간단한 시퀀스는 다성 요소를 다른 피치로 이동하는 반면 요소의 구성 요소 사이의 비율(간격)입니다. 변하지 않는다:

따라서 다이어그램에서 문자 "A"는 일반적으로 초기 음성을 나타내고 문자 "B"는 모방 음성을 나타내며 숫자 1과 2는 다성 요소의 첫 번째 및 두 번째 변위를 나타냅니다.

복잡한 대위법

복합 대위법은 음성 비율을 변경하거나 원래의 폴리포니를 구성하는 멜로디를 변경하여 원래의 폴리포니에서 새로운 멜로디를 생성할 수 있는 많은 폴리포닉 기술을 결합한 폴리포닉 기법입니다.

복잡한 대위법의 종류:

멜로디 음성의 순열 방향에 따라 수직, 수평 및 이중(동시 수직 및 수평) 가동 대위법이 구별됩니다.

사실, 어려운 대위법은 단지 "복합체"라고 불립니다. 다음 귀 훈련 수업의 자료를 잘 훑어보면 이 다성음법을 귀로 쉽게 알아차릴 수 있을 것입니다.

이것들은 초보자 음악가가 이해할 수 있는 가장 단순한 다성음악 기법의 일부일 뿐입니다. 음악학자, 러시아 작곡가 연합 회원, Petrovsky Academy of Sciences and Arts Valentina Osipova “Polyphony. 폴리포닉 기법” [V. 오시포바, 2006].

다성음악의 몇 가지 기술을 공부한 후에는 다성음악 유형의 분류를 이해하는 것이 더 쉬울 것입니다.

폴리포니의 종류

폴리포니에는 4가지 주요 유형이 있습니다. 각 유형은 주로 특정 유형의 폴리포닉 기술을 기반으로 합니다. 대부분의 경우 폴리포니 유형의 이름은 그 자체로 말합니다.

폴리포니의 종류는 무엇입니까?

"Polyphony" 책에서 각 동시발음 유형에 대해 자세히 알아볼 수 있습니다. 폴리포닉 기법" [V. Osipova, 2006], 그래서 우리는 그것을 당신의 재량에 맡깁니다. 우리는 음악을 믹싱하는 것과 같이 모든 음악가와 작곡가에게 중요한 주제에 가까워졌습니다.

음악 믹싱 기본

"폴리포니"의 개념은 음악을 믹싱하고 완성된 오디오 트랙을 얻는 것과 직접적인 관련이 있습니다. 앞에서 우리는 polyphony가 기능적 평등을 기반으로 소리(목소리와 멜로디)를 추가하는 원리를 의미한다는 것을 배웠습니다. 이것은 소위 동시성(polyphony), 즉 둘 이상의 멜로디 및/또는 음성을 동시에 발음하는 것입니다. 동시성(Polyphony)은 여러 개의 독립적인 음성 및/또는 멜로디를 하나의 음악으로 조화롭게 융합하는 것을 의미합니다.

엄밀히 말하면, 음악을 믹싱하는 것은 음악 스태프가 아닌 컴퓨터에서만 동일한 폴리포니입니다. 믹싱은 또한 보컬과 "반주 트랙" 또는 악기 반주와 같은 최소 두 가지 음악 라인의 상호 작용을 포함합니다. 악기가 많으면 믹싱은 여러 멜로디 라인의 상호 작용의 조직으로 바뀌며 각 라인은 전체 작업에 걸쳐 연속적이거나 주기적으로 나타났다가 사라질 수 있습니다.

조금 돌아가서 다성음 기법의 도식적 표현을 다시 보면 소리와 함께 작동하도록 설계된 대부분의 컴퓨터 프로그램 인터페이스와 공통점이 많이 있음을 알 수 있습니다. 대부분의 폴리포닉 기법이 "하나의 보이스 - 하나의 트랙" 방식에 따라 묘사되는 것처럼 사운드 처리 프로그램에는 각 멜로디 라인에 대해 별도의 트랙이 있습니다. 이것은 두 트랙을 믹싱하는 가장 간단한 버전의 모습입니다. SoundForge에서:

따라서 예를 들어 보이스, 일렉트릭 기타, 베이스 기타, 신디사이저 및 드럼을 믹싱해야 하는 경우 5개의 트랙이 있습니다. 그리고 스튜디오 오케스트라 녹음을 해야 하는 경우 각 악기에 대해 하나씩, 이미 수십 개의 트랙이 있을 것입니다.

음악을 믹싱하는 과정은 단순히 악보와 악보의 시작과 끝의 정확한 위치를 따르는 것이 아닙니다. 쉽지는 않지만 녹음에 XNUMX분음표, XNUMX분음표, XNUMX분음표가 많으면 정수보다 치기 어려운 음이다.

물론 음향 제작자는 집에서 녹음한 녹음이나 반대로 콘서트에서 녹음한 녹음은 말할 것도 없고 좋은 스튜디오에서 녹음할 때도 나타날 수 있는 이질적인 소리의 포함을 듣고 중화해야 합니다. 그러나 라이브 녹음도 매우 고품질일 수 있습니다.

영국의 록 밴드 Muse의 라이브 앨범 HAARP가 그 예입니다. 녹음은 웸블리 스타디움에서 이루어졌습니다. 그 후 하루 차이로 1월 2일과 16일 두 차례의 콘서트가 열렸다. 흥미롭게도 CD의 오디오 버전은 17월 16일의 녹음을, DVD의 비디오 버전은 XNUMX월 XNUMX일의 녹음을 사용했습니다. 콘서트 녹음, 17년 2007월 XNUMX일 개최:

어쨌든 사운드 엔지니어나 사운드 프로듀서는 잘 녹음된 복잡한 폴리포니라도 본격적인 완성작으로 만들기 위해 열심히 노력해야 합니다. 이것은 많은 뉘앙스를 고려해야 하는 진정으로 창의적인 프로세스입니다. 그러나 우리가 반복해서 보았듯이 음악은 헤르츠, 데시벨 등 매우 구체적인 셀 수 있는 범주로 설명됩니다. 그리고 트랙의 고품질 믹싱에 대한 기준도 있으며 객관적인 기술 및 주관적인 예술적 개념이 모두 사용됩니다.

고품질 오디오 녹음의 기준

이러한 기준은 20세기 후반에 존재했던 국제 텔레비전 및 라디오 방송 기구(OIRT)에서 개발한 것으로 OIRT 의정서로 알려져 있으며 의정서의 규정은 여전히 ​​많은 구조를 기본으로 삼고 있습니다. 오디오 녹음의 품질을 평가하기 위해. 이 프로토콜에 따라 고품질 녹음이 충족해야 하는 기준을 간략하게 살펴보겠습니다.

OIRT 프로토콜 조항 개요:

프로토콜 기준의 준수 여부는 5점 척도로 평가됩니다. OIRT 프로토콜은 클래식, 포크 및 재즈 음악의 평가에서 가장 밀접하게 따릅니다. 전자, 팝 및 록 음악의 경우 음질을 평가하기 위한 단일 프로토콜이 없으며 OIRT 프로토콜의 조항은 본질적으로 더 권고적입니다. 어떤 식으로든 고품질 녹음을 하려면 특정 기술 조건이 필요합니다. 그들에 대해 더 자세히 이야기합시다.

기술 지원

위에서 우리는 고품질의 최종 결과를 위해서는 고품질의 소스 자료가 중요하다는 사실에 대해 이미 이야기하기 시작했습니다. 따라서 재즈, 클래식 및 포크 음악의 고품질 녹음을 위해 스테레오 마이크 쌍으로 녹음하는 경우가 많으며 이후에는 믹싱이 필요하지 않습니다. 실제로 아날로그, 디지털 또는 가상 믹싱 콘솔(믹서이기도 함)은 믹싱에 사용됩니다. 시퀀서는 트랙의 가상 믹싱에 사용됩니다.

컴퓨터에 대한 기술 요구 사항은 일반적으로 사운드 작업을 위한 컴퓨터 프로그램 제조업체에서 규정합니다. 따라서 소프트웨어 선택을 결정할 때 장치가 요구 사항을 준수하는지 확인할 수 있습니다. 현재까지 오디오 처리 및 사운드 믹싱을 위한 몇 가지 인기 있는 프로그램이 있습니다.

사운드 포지

먼저 위에서 이미 언급한 사운드 포지. 기본적인 음향처리 기능이 있어서 편리하고 러시아어 무료버전[MoiProgrammy.net, 2020]을 찾을 수 있습니다.

영문판의 이해가 필요하시면 자세한 설명 [B. 카이로프, 2018].

대담

둘째, 또 다른 편리하고 복잡한 러시아어 프로그램 대담 [대담, 2020]:

무료 버전 외에도 매우 합리적인 매뉴얼을 찾을 수 있습니다[Audacity 2.2.2, 2018].

비인간화 2

셋째, 컴퓨터 게임 개발자들과 익스트림 보컬의 사랑을 받고 있다. 비인간화 2. 인터페이스는 영어로 되어 있고 눈에 띄게 더 복잡하지만 다음과 같이 알아낼 수 있습니다.

그리고 그것은 믹싱뿐만 아니라 사운드 디자인의 기회도 될 것입니다[Krotos, 2020].

Cubase 요소

넷째, 프로그램에주의를 기울일 가치가 있습니다. Cubase 요소 [큐베이스 요소, 2020]. 여기에는 표준 기능 세트 외에도 실제로 이전에 배운 다성음 기법을 적용하여 이전에 녹음한 트랙을 "처음부터" 또는 "생각나게" 만들 수 있는 코드 패널도 있습니다.

시작하기 전에 프로그램 [A. 올렌치코프, 2017].

이펙트릭스

마지막으로 이것은 효과 시퀀서입니다. 이펙트릭스. 이 프로그램을 사용하려면 약간의 경험이 필요하지만 지금 이 프로그램에 주목할 가치가 있습니다. 정기적인 연습을 통해 경험이 곧 올 것이기 때문입니다[Sugar Bytes, 2020]:

전문 뮤지션과 DJ를 위한 프로그램을 포함하여 2020개의 프로그램이 고려되는 "음악과 보이스 믹싱을 위한 프로그램" 기사에서 더 많은 것을 배울 수 있습니다[V. 카이로프, XNUMX]. 이제 트랙의 믹싱을 준비하는 방법에 대해 이야기해 보겠습니다.

혼합 준비 및 혼합 과정

더 잘 준비할수록 더 빠르고 더 나은 믹스가 될 것입니다. 기술 지원, 편안한 작업장 및 고품질 조명에 관한 것만은 아닙니다. 대뇌 반구 작업의 특징뿐만 아니라 여러 조직 문제를 고려하는 것이 중요합니다. 일반적으로 주의할 점은…

혼합 과정을 준비하는 방법:

드럼은 저음(베이스 드럼)에서 고음(심벌즈)까지 주파수 범위의 상당 부분을 차지하므로 드럼으로 믹싱 프로세스를 시작하십시오. 그 후에야 다른 악기와 보컬로 넘어갑니다. 주요 악기를 믹싱한 후 계획된 경우 특수 효과(에코, 왜곡, 변조, 압축 등)를 추가합니다.

다음으로 스테레오 이미지를 형성해야 합니다. 즉, 스테레오 필드의 모든 사운드를 정렬해야 합니다. 그런 다음 필요에 따라 배열을 조정하고 사운드의 깊이에 대한 작업을 시작합니다. 이렇게 하려면 사운드에 지연과 반향을 추가하되 너무 많이 추가하지 마십시오. 그렇지 않으면 청취자의 "귀를 압박"합니다.

완료되면 볼륨, EQ, 효과 설정을 다시 확인하고 필요한 경우 조정하십시오. 완성된 트랙을 스튜디오에서 테스트한 다음 다른 장치에서 테스트합니다. 스마트폰, 태블릿에서 오디오 파일을 실행하고 차에서 들을 수 있습니다. 모든 곳에서 소리가 정상적으로 감지되면 모든 것이 올바르게 수행됩니다!

생소한 단어가 많이 나온다면 "컴퓨터 음향처리" 책을 읽어보세요[A. 자구메노프, 2011]. 컴퓨터 프로그램의 구 버전의 예에서 많이 고려된다는 사실에 당황하지 마십시오. 그 이후로 물리 법칙은 변하지 않았습니다. 이미 사운드 믹싱 프로그램 작업을 시도한 사람들은 "음악 믹싱 시 실수"에 대해 읽을 것을 권장할 수 있으며 동시에 이를 피하는 방법에 대한 권장 사항을 제공합니다[I. 에브슈코프, 2018].

생생한 설명을 이해하기 쉽다면 다음을 볼 수 있습니다. 비디오 교육 이 주제에 대해:

혼합 과정에서 45분마다 짧은 휴식을 취하는 것이 좋습니다. 이것은 건강뿐만 아니라 청각 지각의 객관성을 회복하는 데에도 유용합니다. 음악적 귀는 고품질 믹싱을 위해 매우 중요합니다. 우리의 다음 수업 전체는 음악을 위한 귀의 발달에 전념하지만 지금은 이 수업의 자료를 마스터하기 위한 테스트를 통과하도록 제안합니다.

수업이해 테스트

이 수업의 주제에 대한 지식을 테스트하려면 몇 가지 질문으로 구성된 짧은 테스트를 볼 수 있습니다. 각 질문에 대해 하나의 옵션만 맞을 수 있습니다. 옵션 중 하나를 선택하면 시스템이 자동으로 다음 질문으로 넘어갑니다. 귀하가 받는 포인트는 귀하의 답변의 정확성과 통과에 소요된 시간의 영향을 받습니다. 질문은 매번 다르며 옵션이 섞입니다.

그리고 이제 우리는 음악적 귀의 발달로 눈을 돌립니다.