피아노 연주 시 기술적 어려움을 극복하는 방법은 무엇입니까? 음악 학교 및 대학의 학생들에게 유용합니다.
기술 교육이 충분하지 않아 피아니스트가 원하는 연주를 할 수 없는 경우가 있습니다. 그러므로 매일 적어도 30분 동안은 기술을 발전시키기 위한 운동을 해야 합니다. 그래야만 복잡한 모든 것이 해결되고 달성되며 기술적 자유가 나타나 어려움을 잊고 음악적 이미지 구현에 전적으로 전념할 수 있습니다.
이 글에서는 기술적인 어려움을 극복하기 위한 몇 가지 효과적인 방법에 대해 이야기하겠습니다. 첫째, 핵심 아이디어입니다. 즉, 복잡한 것은 무엇이든 단순한 것으로 구성된다는 것입니다. 그리고 그것은 비밀이 아닙니다! 여러분에게 제시될 모든 방법의 주요 특징은 복잡한 장소를 간단한 요소로 나누고, 이러한 요소를 개별적으로 처리한 다음, 간단한 것을 전체로 연결하는 작업을 수행하는 것입니다. 헷갈리지 않으셨으면 좋겠습니다!
그렇다면 피아노에 대한 어떤 기술적 작업 방법에 대해 이야기할까요? 에 대한. 이제 모든 것에 대해 일관되고 자세하게 설명합니다. 우리는 그것에 대해 논의하지 않을 것입니다. 여기에서는 모든 것이 명확합니다. 오른손과 왼손의 부분을 별도로 연주하는 것이 중요합니다.
정지 방법
객관식 "중지" 연습은 한 구절을 여러 부분(심지어 두 부분)으로 나누는 것으로 구성됩니다. 함부로 나누지 말고 각 부분을 따로 연주하기 쉽도록 나누기만 하면 됩니다. 일반적으로 분할 지점은 첫 번째 손가락이 놓인 음표 또는 손을 심각하게 움직여야 하는 위치(이를 위치 변경이라고 함)입니다.
주어진 수의 음표가 빠른 템포로 연주된 후 동작을 제어하고 다음 "경주"를 준비하기 위해 멈춥니다. 정지 자체는 손을 최대한 자유롭게 하고 다음 구절을 준비하는 데 집중할 수 있는 시간을 제공합니다.
때때로 정지점은 음악 작품의 리듬 패턴에 따라 선택됩니다(예: 4분의 8마다). 이 경우 개별 조각을 작업한 후 서로 접착할 수 있습니다. 즉, 두 배 더 자주 중지하기 위해 연결될 수 있습니다(더 이상 XNUMX개 음표 이후가 아니라 XNUMX개 음표 이후).
때로는 다른 이유로 정차하는 경우도 있습니다. 예를 들어, "문제" 손가락 앞에서 제어된 정지를 수행합니다. 예를 들어, 일부 네 번째 또는 두 번째 손가락이 악절에서 음을 명확하게 연주하지 않는 경우 특별히 강조 표시합니다. 그 앞에 멈춰서 준비합니다. 스윙, "auftakt" 또는 단순히 리허설을 합니다(즉, , 반복) 여러 번 반복합니다 ( "벌써 놀아요, 이런 개!").
수업 중에는 극도의 평정심이 필요합니다. 정차를 놓치지 않도록 그룹을 정신적으로 상상(내부적으로 예상)해야 합니다. 이 경우 손은 자유로워야 하며 사운드 생성은 부드럽고 명확하며 가벼워야 합니다. 운동은 다양할 수 있으며 텍스트와 운지법의 빠른 동화에 기여합니다. 움직임이 자동화되고 성능의 자유와 기교가 나타납니다.
통로를 통과할 때 손을 쥐거나 키 위로 표면적으로 두드리거나 미끄러지지 않는 것이 중요합니다. 각 정지 작업은 최소 5회 이상 수행해야 합니다(시간이 많이 걸리지만 원하는 결과를 얻을 수 있음).
모든 키와 유형으로 스케일 연주
스케일은 단조와 장조의 병렬 쌍으로 학습되며 옥타브, 3도, 6도 및 소수점의 모든 템포로 연주됩니다. 스케일과 함께 짧고 긴 아르페지오, 이중 음표 및 반전이 있는 7번째 코드를 연구합니다.
비밀을 알려드리겠습니다. 피아니스트에게 스케일은 모든 것입니다! 여기에는 유창함이 있고, 여기에는 힘이 있으며, 여기에는 지구력, 명확성, 균등성 및 기타 많은 유용한 기능이 있습니다. 그래서 저울 작업을 좋아합니다. 정말 즐겁습니다. 손가락 마사지라고 상상해 보세요. 하지만 당신은 그들을 사랑해요, 그렇죠? 매일 모든 유형의 한 스케일을 연주하면 모든 것이 훌륭해질 것입니다! 현재 프로그램의 작업이 작성된 키에 중점을 둡니다.
스케일을 연주하는 동안 손을 꽉 쥐어서는 안 되며(절대로 쥐어서는 안 됨), 소리가 강하고(그러나 음악적), 동기화가 완벽합니다. 어깨가 올라가지 않고 팔꿈치가 몸에 밀착되지 않습니다(이것은 긴장감과 기술적 오류의 신호입니다).
아르페지오를 연주할 때 "추가" 신체 움직임을 허용해서는 안 됩니다. 사실 바로 이러한 신체 움직임이 손의 진실되고 필요한 움직임을 대체한다는 것입니다. 그들은 왜 몸을 움직이는 걸까요? 팔꿈치를 몸에 대고 작은 옥타브에서 4옥타브까지 건반을 가로질러 이동하려고 하기 때문입니다. 그건 좋지 않아요! 움직여야 하는 것은 몸이 아니라, 움직여야 하는 것은 팔이다. 아르페지오를 연주할 때 손의 움직임은 바이올린 연주자가 활을 부드럽게 움직이는 순간의 움직임과 유사해야 합니다(바이올리니스트의 손의 궤적만 대각선이고 여러분의 궤적은 수평이 되기 때문에 살펴보는 것이 더 나을 것입니다) 비바이올리니스트와 첼리스트 사이에서도 이러한 악장을 볼 수 있습니다.
템포 증가 및 감소
빨리 생각할 줄 아는 사람은 빨리 놀 수 있다! 이것이 바로 이 기술의 단순한 진실이자 핵심입니다. 복잡한 거장 곡을 "사고" 없이 빠른 템포로 연주하려면 프레이징, 페달링, 다이나믹스 및 기타 모든 것을 유지하면서 필요한 것보다 더 빠르게 연주하는 방법을 배워야 합니다. 이 방법을 사용하는 주요 목표는 빠른 속도로 플레이하는 과정을 제어하는 방법을 배우는 것입니다.
전체 곡을 더 높은 템포로 연주할 수도 있고, 복잡한 개별 악절만 동일한 방식으로 연주할 수도 있습니다. 그러나 한 가지 조건과 규칙이 있습니다. 공부의 “주방”에서는 조화와 질서가 지배해야 합니다. 단지 빠르게 또는 느리게만 플레이하는 것은 용납되지 않습니다. 규칙은 다음과 같습니다. 곡을 빠르게 연주하는 횟수에 관계없이 동일한 횟수만큼 천천히 연주합니다!
우리 모두는 느린 플레이에 대해 알고 있지만, 어떤 이유로 모든 것이 있는 그대로 진행되는 것처럼 보일 때 때때로 우리는 그것을 무시합니다. 기억하세요: 천천히 플레이하는 것은 현명하게 플레이하는 것입니다. 그리고 암기한 곡을 슬로우 모션으로 연주할 수 없다면 제대로 배우지 못한 것입니다! 동기화, 페달링, 억양, 운지법, 제어 및 청각 등 많은 작업이 느린 속도로 해결됩니다. 한 방향을 선택하고 슬로우 모션으로 따라가세요.
손 사이의 교환
예를 들어 왼손에 기술적으로 불편한 패턴이 있는 경우 이 프레이즈에 집중하기 위해 오른쪽보다 한 옥타브 높게 연주하는 것이 좋습니다. 또 다른 옵션은 손을 완전히 바꾸는 것입니다(그러나 이것이 모든 작품에 적합하지는 않습니다). 즉, 오른손의 일부를 왼손으로 학습하고 그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 물론 운지법도 변경됩니다. 운동은 매우 어렵고 많은 인내가 필요합니다. 결과적으로 기술적 "부적절함"이 파괴될 뿐만 아니라 청각적 차별화도 발생합니다. 귀는 반주에서 멜로디를 거의 자동으로 분리하여 서로를 억압하는 것을 방지합니다.
적립방식
우리는 정지가 있는 게임을 논의할 때 축적 방법에 대해 이미 몇 마디 말했습니다. 이 부분은 한 번에 모두 연주되는 것이 아니라 점차적으로 처음에는 2-3개의 음표를 연주한 다음 전체 부분이 별도의 손으로 함께 연주될 때까지 나머지 부분을 하나씩 추가한다는 사실로 구성됩니다. 운지법, 강약 및 스트로크는 엄격히 동일합니다(저자 또는 편집자).
그건 그렇고, 구절의 시작 부분뿐만 아니라 끝 부분에서도 축적할 수 있습니다. 일반적으로 구절의 끝부분을 따로 공부하는 것이 유용합니다. 글쎄, 당신이 왼쪽에서 오른쪽으로, 오른쪽에서 왼쪽으로 축적하는 방법을 사용하여 어려운 곳을 통과했다면 당신은 흔들리고 싶어도 흔들리지 않을 것입니다.
