음악 |

그리스어 moysikn, mousa – muse

주로 톤(특정 높이의 소리, 뮤지컬 사운드 참조)으로 구성된 높이와 시간에 따라 의미 있고 특별히 구성된 사운드 시퀀스를 통해 현실을 반영하고 사람에게 영향을 미치는 예술 유형. 사람의 생각과 감정을 들을 수 있는 형태로 표현하는 M.은 사람과 사람 사이의 의사소통 수단이자 정신에 영향을 주는 역할을 한다. 이것의 가능성은 사람(및 다른 많은 살아있는 존재)의 건전한 표현과 정신의 물리적 및 생물학적 조건된 연결에서 비롯됩니다. 삶(특히 감정적)과 자극과 행동 신호로서의 소리의 활동으로부터. 여러면에서 M.은 연설, 더 정확하게는 연설 억양과 유사합니다. 여기서 ext. 사람의 상태와 세상에 대한 감정적 태도는 발화 중 목소리의 음높이 및 기타 특성의 변화를 통해 표현됩니다. 이 유추를 통해 M.의 억양적 특성에 대해 이야기할 수 있습니다(억양 참조). 동시에 M.은 주로 예술로서 고유 한 특성에 따라 연설과 크게 다릅니다. 그 중 : 현실 반영의 매개, 선택적 실용 기능, 미학의 가장 중요한 역할. 기능, 예술. 내용과 형식 모두의 가치(이미지의 개별적 특성 및 구현, 창의성의 표현, 작가 또는 연주자의 일반적인 예술적 재능, 특히 음악적 재능 등). 인간의 소리 의사 소통의 보편적 인 수단 - 연설과 비교할 때 M.의 특이성은 특정 개념을 모호하지 않게 표현하는 것이 불가능하고 음정의 엄격한 순서와 소리의 시간적 (리듬적) 관계 (고정 음정으로 인해 및 각각의 지속 시간), 이는 감정 및 미적 표현력을 크게 증가시킵니다.

"음조된 의미의 예술"(BV Asafiev)이기 때문에 음악은 실제로 사회에서 라이브 사운드와 공연으로만 존재하고 기능합니다. 많은 예술에서 M.은 첫째, 특정 대상의 물질적 구조를 재현할 필요가 없는 비 회화적(서정시, 건축 등), 둘째, 일시적 하나(춤, 문학, 연극, 영화), 즉 토례가 시간에 따라 펼쳐지고, 세 번째로 공연(동일한 춤, 연극, 영화), 즉 창의성과 지각 사이의 중개자가 필요합니다. 동시에 예술의 내용과 형식은 다른 유형의 예술과 관련하여 구체적입니다.

M.의 콘텐츠는 의미 있는 소리(억양)로 포착된 예술적 억양적 이미지, 반영, 변형 및 미학적 결과로 구성됩니다. 음악가(작곡가, 연주자)의 마음 속에 있는 객관적인 현실에 대한 평가.

M.의 콘텐츠에서 지배적 인 역할은 "예술. 감정” – 주장의 가능성과 목표에 따라 선택되고 임의의 순간과 의미 있는 감정 상태 및 프로세스가 제거됩니다. 음악의 선두 주자. 내용은 M.의 소리(억양)와 시간적 특성에 의해 미리 결정되며, 이는 한편으로 사람들의 감정을 외부적으로 드러내고 이를 사회의 다른 구성원들에게 전달하는 데 수천 년의 경험에 의존할 수 있도록 합니다. Ch. 아. 소리를 통해, 그리고 다른 한편으로 경험을 움직임으로 적절하게 표현하기 위해, 모든 변화와 음영이 있는 과정, 다이내믹. 오르락 내리락, 감정의 상호 전환과 충돌.

XNUMX월부터 감정의 유형 M. 무엇보다도 기분을 구현하는 경향이 있습니다. 감정과 달리 특정 대상으로 지시되지 않은 사람의 감정 상태입니다. 주제(객관적인 이유로 인해 발생하지만): 재미, 슬픔, 쾌활함, 낙담, 부드러움, 자신감, 불안 등 M. 또한 사람의 지적 및 의지적 자질(및 해당 프로세스)의 정서적 측면을 광범위하게 반영합니다. 사려깊음 , 결단력, 에너지, 관성, 충동, 구속, 인내, 의지 부족, 진지함, 경박함 등. 이것은 M.이 심리적뿐만 아니라 드러낼 수있게합니다. 사람들의 상태뿐만 아니라 그들의 성격. 가장 구체적(그러나 언어로 번역되지는 않음), 매우 미묘하고 "전염력 있는" 감정 표현에서 M.은 그 어떤 것과도 비교할 수 없습니다. "영혼의 언어"(AN Serov)라는 광범위한 정의가 이러한 능력에 기반을 두고 있습니다.

음악에는 "Arts. 생각'은 감정처럼 선택되고 후자와 밀접한 관련이 있는 '펠트'. 동시에, 자신의 수단으로, 단어 등의 도움 없이 vnemuz. 요인, M. 모든 종류의 생각을 표현할 수 없습니다. 그녀는 어떤 사실에 대한 정보를 포함하고 말로 표현하기 쉽게 접근할 수 있는 극도로 구체적인 사고 메시지를 특징으로 하지 않으며 감정적, 시각적 비유적 연상을 일으키지 않는 극도로 추상적입니다. 그러나 M.은 이러한 사고-일반화, 동태와 관련된 개념으로 표현되는 토리에 상당히 접근 가능하다. 사회적, 정신적 측면. 현상, 도덕적 자질, 성격 특성 및 개인과 사회의 정서적 상태. 순수한 instr. 서로 다른 시대의 위대한 작곡가들의 작품은 세계의 조화와 부조화, 주어진 사회에서의 사회적 관계의 안정과 불안정, 사회의 완전성과 분열에 대한 그들의 생각을 깊고 생생하게 구현했습니다. 그리고 개인의 의식, 사람의 힘 또는 무능력 등. 추상적 사고 일반화의 구체화에서 큰 역할은 음악적 극작, 즉 음악 이미지의 비교, 충돌 및 전개에 의해 수행됩니다. 적절한 뮤즈의 중요한 일반화 아이디어를 표현할 수 있는 가장 큰 기회. 수단은 교향곡을 변증법적으로 제공합니다. 새로운 품질의 형성으로 이어지는 이미지 시스템의 개발.

철학적, 사회적 아이디어의 세계의 범위를 넓히기 위해 작곡가들은 종종 특정 개념적 내용(vok. 및 program instr. M., Program music 참조)의 운반자로서 단어와 음악의 합성에 의존합니다. 뿐만 아니라 무대 음악. 동작. 말과 행동, 기타 비음악적 요소와의 합성으로 음악의 가능성이 확장된다. 새로운 유형의 뮤즈가 형성됩니다. 이미지, 사회에서 꾸준히 연관되어 있는 토라이. 합성의 다른 구성 요소에 의해 표현된 개념과 아이디어를 가진 의식, 그리고 동일한 개념과 아이디어의 운반자로서 "순수한" M.으로 전달됩니다. 또한 작곡가는 사회에서 발생하는 소리 기호(전통 기호)를 사용합니다. 연습(다양한 종류의 신호 등, 여기에는 특정 사회적 환경에 존재하고 그 안에서 안정적이고 모호하지 않은 의미를 받아 어떤 개념의 "음악적 상징"이 된 곡 또는 곡도 포함됨) 또는 자신의 , 새로운 "음악. 표지판." 결과적으로 M.의 내용은 거대하고 지속적으로 풍부한 아이디어의 원을 포함합니다.

M.의 상대적으로 제한된 장소는 음악으로 구현 된 특정 현실 현상의 시각적 이미지로 가득 차 있습니다. 이미지, 즉 소리에서 토라이는 이러한 현상의 감각적 징후를 재현합니다(사운드 페인팅 참조). 예술에서 표현의 작은 역할은 객관적으로 사물의 특정 물질적 특징에 대해 사람에게 알려주는 시각에 비해 청각 능력이 훨씬 낮기 때문입니다. 그럼에도 불구하고 자연의 스케치와 "초상화"는 종종 M. dec에서 발견됩니다. 사람, XNUMX월의 삶의 사진 또는 "장면". 특정 국가와 시대의 사회 계층. 그것들은 자연의 소리(바람 소리, 물소리, 새소리 등), 사람(말의 억양 등)의 다소 직접적인(필연적으로 음악적 논리의 영향을 받기는 하지만) 이미지(재생)로 제시됩니다. 사회(실생활의 일부인 비음악적 소리 및 일상적인 음악 장르), 연상(새소리 – 숲의 그림), 유추(광범위한 멜로디의 움직임 - uXNUMXbuXNUMXbspace의 아이디어) 및 공감각 - 청각 감각과 시각, 촉각, 무게 감각 간의 연결 (높은 소리는 가볍고 날카 롭고 가볍고 가늘고 낮은 소리는 어둡고 둔하고 무겁습니다. , 두꺼운). 연관, 유추 및 공감각의 존재로 인해 공간 표현은 반드시 M.의 인식을 수반하지만 항상 이 제품에 존재함을 의미하지는 않습니다. 특정 개체의 통합 시각적 이미지로서의 이미지. 음악에서 이미지를 사용할 수 있는 경우. 따라서 제품은 원칙적으로 사람들의 생각과 기분, 성격과 열망, 이상과 현실에 대한 평가와 같은 이데올로기 및 감정적 내용을 드러내는 추가 수단으로만 사용됩니다. 따라서 특정. 음악적 성찰의 주제는 그 역동성을 받아들인 세계에 대한 사람과 사회의 태도(ch.rr. 정서적)이다.

M.의 내용(계급 사회에서)은 개인, 계급 및 보편성의 통일체입니다. M.은 항상 현실에 대한 작가의 개인적인 태도뿐만 아니라 그의 내선을 표현합니다. 세계뿐만 아니라 가장 중요하고 전형적인 것 중 일부이기도 합니다. 이데올로기의 특징, 특히 특정 사회 집단의 심리학, 다음을 포함합니다. 그녀의 감정 체계, 일반적인 "심리적 톤", 삶의 고유한 속도와 내부. 율. 동시에 감성적인 색채와 속도, 전체적인 시대적 리듬, 하나에 가깝지 않은 여러 가지에 가까운 생각과 감정을 전달하는 경우가 많다. 계급(예: 사회의 민주적 변형, 민족 해방 등) 또는 모든 사람(예: 자연, 사랑 및 기타 서정적 경험에 의해 깨어난 기분)은 높은 보편적 이상을 구현합니다. 그러나 인간의 이념적, 감성적 세계의 보편성은 그의 사회적 존재와 분리되지 않기 때문에 M.의 보편성은 필연적으로 사회적 지향성을 획득한다.

진실하고 또한 유형이 지정되었습니다. 즉 일반화와 사회-역사적 nat를 결합합니다. 개인의 심리적 구체성, 정의된 구성원으로서 사람들의 기분과 성격을 반영합니다. 사회는 음악에서 리얼리즘의 표현으로 작용합니다. 생산 이데올로기 및 감정적 내용 (인간의 정신 세계 포함), 소리의 의미없는 "놀이"또는 생리적 수단으로의 변형. 청취자에게 미치는 영향은 그러한 "음향 구성"을 예술로서 M.의 한계를 뛰어 넘습니다.

M. 사용 가능한 콘텐츠 XNUMX월. 속: 서사시, 극적, 서정적. 그러나 동시에 비화상적 성격으로 인해 가사에 가장 가깝고 외부 세계의 이미지보다 '자기 표현'이, 타인의 특성보다 심리적인 '자화상'이 우세하다. 사람들. M. 전체의 내용은 저자의 윤리적, 미학적 이상에 해당하는 긍정적인 이미지가 지배합니다. 부정적인 이미지(그리고 그와 함께 아이러니, 캐리커처, 그로테스크)도 오래 전에 음악계에 들어섰지만, 특히 낭만주의 시대 이후로 널리 퍼졌지만 여전히 음악의 주요 트렌드로 남아 있습니다. 내용, 긍정, "찬송"을 향한 경향이 남아 있으며 거부, 비난을 향한 경향은 남아 있습니다. 이러한 유기적 M.의 장점을 드러내고 강조하는 경향은 인본주의의 대변자로서 그 중요성을 높인다. 도덕적, 교육적 기능의 시작이자 전달자.

M.의 내용의 물질적 구현, 그 존재의 방식은 음악입니다. 형식 - 음악 시스템. 작곡가의 생각, 감정 및 비유적 표현이 실현되는 소리(음악 형식 참조). 뮤즈. 형식은 내용에 부차적이며 일반적으로 내용에 종속됩니다. 동시에 그것은 관계를 소유합니다. 예술은 모든 비화상 예술과 마찬가지로 실생활 현상의 형태를 사용하는 데 매우 제한적이며 따라서 필연적으로 자연 현상을 반복하지 않는 대규모의 자체 형식을 일으키기 때문에 독립성이 더 크다. 것. 이 특별한 형태는 특정한 것을 표현하기 위해 만들어졌습니다. 음악 콘텐츠는 차례로 그것에 적극적으로 영향을 미치고 "형성"합니다. 음악적(모든 예술적) 형식은 안정성, 안정성, 구조 및 개별 요소의 반복에 대한 경향이 특징이며, 이는 뮤즈의 가변성, 이동성 및 독창성과 충돌합니다. 콘텐츠. 이것은 변증법적입니다. 특정한 뮤즈를 만들어가는 과정에서 상호 연결과 통일의 틀 안에서의 모순은 매번 나름대로 해결된다. 한편, 새로운 콘텐츠의 영향으로 전통적인 형태가 개별화되고 업데이트되는 반면, 한편으로는 콘텐츠가 전형화되고 그 안에서 안정적인 특징에 부합하는 순간들이 드러나고 구체화될 때 사용된 형태.

음악에서의 비율. 안정적인 음악과 다양한 방식으로 변화하는 음악 사이의 창의성과 성능. 다양한 유형의 문화. M. 구전 전통(모든 국가의 민속, 즉흥 연주의 원칙을 주장하는 교수(특정 문체 규범에 기초하여 매번), 형식은 열린 상태로 남아 있습니다. "열린" 동시에 Nar의 전형적인 구조입니다. 음악 pl. 민족은 전문 음악의 구조보다 더 안정적입니다(민속 음악 참조). M. 문어 전통(유럽)에서 각 제품은 폐쇄적이고 다소 안정적인 형태를 갖지만 여기에서는 일부 스타일에서 즉흥 연주 요소가 있음에도 불구하고 제공됩니다(즉흥 연주 참조).

내용의 물질적 고정 외에도 M.의 형식은 사회에 "메시지"를 전달하는 기능도 수행합니다. 이 의사 소통 기능은 또한 뮤즈의 특정 필수 측면을 결정합니다. 형식, 그리고 무엇보다도 - 주어진 시대의 청취자 인식의 일반적인 패턴과 (특정 한계 내에서) 유형 및 능력에 대한 준수.

따로 찍어도 뮤즈. 소리에는 이미 기본 표현이 있습니다. 기회. 그들 각각은 생리 학적 원인이 될 수 있습니다. 쾌감이나 불쾌감, 흥분이나 고요함, 긴장이나 방전, 공감각. 감각(무거움이나 가벼움, 더위와 추위, 어둠이나 빛 등)과 가장 단순한 공간적 연상. 이러한 가능성은 모든 음악에서 어떤 방식으로든 사용됩니다. prod., 그러나 일반적으로 그러한 심리적 자원과 관련된 측면으로만. 그리고 소리가 이미 통합된 조직 구조의 요소로 작용하는 음악 형식의 더 깊은 층에 포함된 미적 영향.

실생활의 소리와 약간의 유사성을 유지하면서, 뮤즈. 동시에 사운드는 뮤즈가 개발한 역사적으로 확립된 시스템에 포함된다는 점에서 근본적으로 다릅니다. 주어진 사회의 관행(사운드 시스템 참조). 각 음악. 사운드 시스템(트리코드, 테트라코드, 펜타토닉, 다이어토닉, XNUMX음 등온 시스템 등)은 수평 및 수직으로 반복적으로 재생될 수 있는 다양한 안정적인 톤 조합의 출현을 위한 전제 조건을 제공합니다. 각 문화에서 비슷한 방식으로 선택되어 소리의 지속 시간 시스템에 추가되어 안정적인 유형의 시간적 순서를 형성할 수 있습니다.

M.에서는 음색 외에도 부정확한 소리도 사용됩니다. 높이 (소음) 등, 높이는 고려되지 않습니다. 그러나 경험에서 알 수 있듯이 고정된 음높이의 존재만이 인간의 마음이 소리를 조직하고, 소리 사이의 관계를 설정하고, 소리를 시스템으로 가져와 논리적으로 조직되고, 의미 있고, , 또한, 충분히 발달된 사운드 구조. 따라서 소음만으로 구성된 구성(예: "비음악적" 스피치 또는 특정 음높이가 없는 타악기의 소리)은 "예비 음악"(원시 문화에서)에 속하거나 음악의 범위를 뛰어 넘습니다. 그런 의미에서 소송은 사회사적 역사에 뿌리를 두고 있었다. 수년 동안 대부분의 사람들의 관행. 수세기.

각각의 주어진 음악에서. 작품에서 음조는 수평 시퀀스와 (다성 발음의 경우) 수직 연결(자음)의 자체 시스템을 형성하여 그 형태를 구성합니다(멜로디, 하모니, 동시성 참조). 이 형식에서 외부(물리적) 측면과 내부(“언어적”) 측면을 구별해야 합니다. 외부에는 음색의 변화, 멜로디의 방향이 포함됩니다. 움직임과 그 패턴(부드러움, 경련), 다이내믹. 곡선(크기의 변화, 다이내믹스 참조), 템포, 리듬의 일반적인 특성(리듬 참조). 음악 형식의 이러한 측면은 내용을 이해하지 못한 채 일반적인 소리로 듣는 사람(생리학적 및 낮은 정신 수준에서)에게 정서적 영향을 줄 수 있는 익숙하지 않은 언어로 된 말과 유사하게 인식됩니다. 음악의 내부("언어적") 측면. 형식은 억양입니다. 구성, 즉 이미 사회에서 이미 숙달된 의미 있는 사운드 페어링(선율, 화성 및 리드미컬한 회전)입니다. 의식(또는 숙달된 것과 유사한 것), 그 잠재적 의미는 일반적으로 청취자에게 알려져 있습니다. 음악 형식의 이러한 측면은 소리뿐만 아니라 의미에도 영향을 미치는 친숙한 언어의 말과 유사하게 인식됩니다.

각 시대의 각 국가의 M.은 특정 특징이 있습니다. 안정적인 유형의 사운드 조합(억양)과 사용 규칙(규범)의 복합체. 그러한 콤플렉스를 (은유적으로) 뮤즈라고 할 수 있습니다. 이 나라와 시대의 "언어". 언어(언어) 언어와 달리 특정 생물이 없습니다. 첫째, 그 요소는 특정 안정적인 형성 (기호)이 아니라 소리 조합의 유형이며 두 번째로 이러한 각 요소는 하나 이상의 정의를 갖기 때문입니다. 값, 그러나 필드에 정확하게 설정된 경계가 없는 잠재적인 값 세트, 셋째, 각 요소의 형태는 값과 분리될 수 없으며, 값을 변경하지 않고는 다른 요소로 대체되거나 크게 변경될 수 없습니다. 따라서 M.에서는 한 뮤즈에서 이전하는 것이 불가능합니다. 다른 사람에게 언어.

모든 음악 언어 요소의 잠재적 가치 분야는 한편으로는 물리적 요소에 달려 있습니다. (어쿠스틱) 속성, 그리고 다른 한편으로는 음악 사회에서의 사용 경험에서. 이 경험의 결과로 실천과 다른 현상과의 연결. 그런 사람들이 vnemuz입니다. 연관(말, 자연 등의 소리와 이를 통해 사람 및 자연 현상의 해당 이미지) 및 뮤지컬 내, 차례로 텍스트 외 연관(다른 음악 작품과의)으로 나뉩니다. 인트라 텍스트(다양한 종류의 억양적 연결, 주제적 유사성 등을 기반으로 주어진 작업 내에서 발생함). 의미론의 형성에서. 가능성 차이. 음악 요소. 언어는 일상적인 M.에서, 그리고 M.에서 단어와 무대와 함께 반복적으로 사용되는 경험에서 큰 역할을 합니다. 삶의 상황과 뮤즈의 외부에 구현된 콘텐츠 요소와 강한 유대가 형성되는 액션. 수단.

음악의 반복적인 요소에. 형태, 의미론. 기회 to-rykh는 음악 사회에서 사용하는 전통에 달려 있습니다. 연습은 억양 유형 (음악 "단어")뿐만 아니라 음악 표현의 그러한 통일성에 속합니다. 장르가 무엇인지 의미합니다(행진, 춤, 노래 등, 장르 뮤지컬 참조). 냄비. 각 장르의 의미는 주로 일상적인 기능, 즉 일상 생활에서 차지하는 위치에 따라 결정됩니다.

작곡가는 그의 작품에 사용할 수 있습니다. 음악의 일반적인 패턴으로. 국가와 시대의 "언어"뿐만 아니라 특정 요소. 동시에 특정 요소는 주어진 스타일 내에서 작품에서 작품으로, 한 작가에서 다른 작가로 존재하지 않고 전달됩니다. 변화(멜로딕 및 하모닉 턴, 케이던스, 일상 장르의 리드미컬한 공식 개발 등). 다른 것들은 각각의 경우에 뮤즈의 독창적인 요소를 만들기 위한 프로토타입으로만 사용됩니다. 형식(테마의 주요 전환 - "곡선" 및 절정 억양). 음악의 모든 요소를 ​​켤 때. 언어가 작품으로 바뀌면 그 의미의 영역이 변한다. 한편으로는 구체화하는 뮤즈의 역할로 인해 그 의미의 영역이 좁아진다. 문맥뿐만 아니라 단어나 장면. 반면, 액션(합성 장르)은 텍스트 내 연결의 출현으로 인해 확장되고 있습니다. 기존 뮤즈의 요소와 규칙을 사용합니다. 언어를 수정하고 새로운 언어를 창조함으로써 작곡가는 어떤 면에서 독특한 음악을 형성합니다. 고유한 콘텐츠를 구현하는 데 필요한 언어입니다.

뮤즈. 다른 언어들. 시대, 국가, 작곡가는 비정상적으로 다양하지만 모두 음조를 구성하는 몇 가지 일반적인 원칙(음높이와 시간)이 있습니다. 대다수의 음악 문화와 스타일에서 음색의 피치 관계는 모드를 기반으로 구성되고 시간적 관계는 박자를 기반으로 구성됩니다. 프렛과 미터는 이전의 전체 인토네이션 리듬을 일반화하는 역할을 동시에 합니다. 특정 채널을 따라 작곡가의 의식에 의해 생성된 사운드 페어링의 흐름을 지시하는 추가 창의성의 실행 및 조절기. 뮤즈의 고지대 및 시간적 관계의 일관되고 의미 있는 전개(단성). 프렛과 박자를 기반으로 한 소리가 멜로디를 형성하는데 이는 표현에서 가장 중요한 부분이다. 그녀의 영혼, M.의 수단.

주요 배경 음악을 결합합니다. 표현력(억양, 음높이, 리듬 및 구문 구성), 멜로디는 집중되고 개별화된 형태로 구현됩니다. 구호와 독창성 멜로디. 자료는 뮤즈의 가치를 결정짓는 필수적인 기준이 됩니다. 작업, 인식 및 암기에 크게 기여합니다.

각각의 주어진 음악에서. 그 형태의 개별 요소의 작업은 일련의 개인 구조로 구성된 일반 구조를 결합하고 종속시키는 과정에서 형성됩니다. 후자는 멜로디, 리듬, 프렛 하모닉, 텍스처, 음색, 다이내믹, 템포 등의 구조를 포함합니다. 특히 중요한 것은 주제입니다. 뮤즈가 그 요소인 구조. diff와 함께 테마. 그들의 변화와 발전의 유형과 단계. 대부분의 음악 스타일에서 뮤즈의 주요 재료 전달자는 테마입니다. 이미지, 결과적으로 주제. 음악 구조. 수단으로 형성합니다. 정도는 내용의 비 유적 구조의 외부 표현으로 사용됩니다. 둘 다 합쳐서 비유적 주제를 구성합니다. 작품의 구조.

뮤즈의 모든 사적 구조. 형식은 함께 연결되고 구문적으로 조정됩니다. 구조(동기, 구, 문장, 마침표 결합) 및 구성(부분, 섹션, 부분 결합 등). 마지막 두 구조가 뮤즈를 형성합니다. 좁은 의미의 형식(즉, 음악 작품의 구성). 비 회화적 형태의 예술로서 예술 형식의 상대적으로 큰 상대적 독립성으로 인해 안정적이고 상대적으로 내구성이 강한 유형의 구성 구조, 즉 전형적인 뮤즈가 그 안에서 발전했습니다. 매우 넓은 범위의 이미지를 구현할 수 있는 형태(단어의 좁은 의미에서). 이것들은 유럽에 존재하는 것들입니다. M. 이미 몇 년 동안. 세기의 XNUMX부 및 XNUMX부 형식, 변주곡, 론도, 알레그로 소나타, 푸가 등; 음악에는 전형적인 형식이 있습니다. 동양의 문화. 각각은 일반적으로 자연, 사회 및 인간 의식 (현상의 형성, 반복, 변화, 발전, 비교, 충돌 등)에서 가장 일반적인 유형의 운동 특성을 반영합니다. 이것은 다양한 작품에서 다양한 방식으로 명시되는 잠재적 의미를 결정합니다. 전형적인 방식은 매번 새로운 방식으로 구현되어 이 작품의 독특한 구성으로 변모한다.

콘텐츠처럼, 음악. 형태는 시간 속에서 펼쳐지고, 과정이다. 각 구조의 각 요소는 이 과정에서 역할을 수행하고 특정 기능을 수행합니다. 기능. 음악에서 요소의 기능. 형태는 다중(다기능) 및 변경(기능의 가변성)일 수 있습니다. 요소에 따라 구조(및 톤 - 요소)는 뮤즈를 기반으로 연결되고 기능합니다. 구체적인 논리. 인간의 일반적인 패턴의 굴절. 활동. 모든 음악 스타일(음악 스타일 참조)은 고유한 다양한 뮤즈를 형성합니다. 이 시대의 창조적 실천을 반영하고 요약하는 논리, nat. 학교, 현재 또는 개별 저자.

M.의 내용과 형태는 점차 발전하고 있습니다. 그들의 내부 기회는 외부 요인, 무엇보다도 사회 생활의 변화의 영향으로 점점 더 완전히 드러나고 점차 풍부해집니다. M.은 새로운 형태를 낳는 새로운 주제, 이미지, 아이디어, 감정을 지속적으로 포함합니다. 동시에 콘텐츠와 형식의 구식 요소가 사라지고 있습니다. 그러나 모스크바에서 만들어진 가치 있는 모든 것은 고전을 이루는 작품의 형태로 남아 있다. 유산, 그리고 이후 시대에 채택된 창조적 전통으로서.

인간의 음악 활동은 창의성(작곡 참조), 연주(음악 연주 참조) 및 지각(음악 심리학 참조)의 세 가지 주요 유형으로 나뉩니다. 그들은 뮤즈 존재의 세 단계에 해당합니다. 작품: 창조, 재생산, 듣기. 각 단계마다 작품의 내용과 형식이 특별한 형태로 나타난다. 창작의 단계에서, 동시에 작곡가의 마음속에 있을 때. 저자의 내용(이상적)과 저자의 형태(물질)가 전개되고, 내용은 실제적인 형태로 존재하고, 형태는 잠재적인 형태로만 존재한다. 작품이 공연으로 실현되면(작성된 음악 문화에서는 일반적으로 음악 표기법의 형태로 음악 형식의 조건부 코딩이 선행됨, 음악 쓰기 참조) 형식이 업데이트되고 소리가 나는 상태로 전환됩니다. 동시에 내용과 형식 모두 다소 변화하며, 연주자에 의해 그의 세계관, 미학에 따라 변형됩니다. 이상, 개인적인 경험, 기질 등. 이것은 작품에 대한 그의 개인적인 인식과 해석을 보여줍니다. 콘텐츠와 형식의 변형이 있습니다. 마지막으로 청취자는 인지된 제품을 건너뜁니다. 그들의 관점, 취향, 삶과 뮤즈의 프리즘을 통해. 경험하고 이것을 통해 다시 다소 변형시킵니다. 콘텐츠와 형식의 청취자 변형은 공연에서 파생되고 이를 통해 저자의 콘텐츠와 작가의 형식에서 탄생합니다. 따라서 음악의 모든 단계에서. 활동은 창의적이다. 성격은 다양하지만 저자는 M을 만들고 연기자는 M을 적극적으로 재창조하고 재창조하는 반면 청취자는 다소 적극적으로 인식합니다.

M.의 지각은 물리적인 것을 포함한 복잡한 다단계 과정입니다. 청력 M., 이해, 경험 및 평가. 물리적 청력은 뮤즈의 외부(소리) 측면에 대한 직접 감각 지각입니다. 생리 학적 동반 형태. 타격. 이해하고 경험하는 것은 뮤즈의 의미에 대한 인식입니다. 구조의 이해를 통해 M.의 내용을 형성합니다. 이 수준에서 인식의 조건은 해당 항목과의 예비 지인(적어도 일반적으로)입니다. 음악 언어와 음악 논리의 동화. 청취자가 뮤즈 배치의 모든 순간을 비교할 수있게 해주는이 스타일 고유의 사고. 이전 것들과 형태를 형성할 뿐만 아니라 추가 움직임의 방향을 예측(“예상”)합니다. 이 수준에서 M.이 청취자에게 미치는 이념적, 정서적 영향이 수행됩니다.

음악 인식의 추가 단계. 시간의 실제 소리의 한계를 넘어서는 작품은 한편으로 청력에 대한 청취자의 태도 형성 (다음 청문회 상황, 작품 장르에 대한 사전 지식, 작품 이름 저자 등), 그리고 다른 한편으로, 들은 것에 대한 후속 이해, 기억에서의 재생("청취 후") 또는 자신의 재생. 연주(예를 들어, 최소한 개별 단편과 목소리를 노래함으로써) 및 최종 평가(예비 평가는 M.를 울리는 동안 이미 형성됨).

이 또는 저 음악을 의미 있게 지각(이해 및 경험)하는 청취자의 능력. 작업, 인식 및 평가의 내용은 대상(작업)과 주제(청취자), 보다 정확하게는 영적 필요와 관심, 미학적 관계 사이의 관계에 따라 달라집니다. 이상, 예술의 정도. 개발, 음악 청취자 경험 및 작업의 내부 품질. 차례로, 청취자의 요구 및 기타 매개변수는 사회적 환경과 개인 음악에 의해 형성됩니다. 경험은 대중의 일부입니다. 따라서 음악에 대한 인식은 창의성이나 연주만큼 사회적으로 조건화되어 있습니다(모든 유형의 음악 활동에 대한 타고난 능력과 개인의 심리적 속성의 특정 중요성을 배제하지 않음). 특히 사회적 요인은 뮤즈에 대한 개인적 해석과 대중적 해석(해석)의 형성과 평가에 주도적인 역할을 한다. 공장. 이러한 해석과 평가는 역사적으로 변할 수 있으며 다른 시대와 사회 집단에 대한 동일한 작업의 객관적 의미와 가치의 차이를 반영합니다(시대의 객관적 요구 사항과 사회의 요구에 대한 준수 여부에 따라 다름).

세 가지 기본 유형의 음악 활동이 밀접하게 상호 연결되어 단일 체인을 형성합니다. 각 후속 링크는 이전 링크에서 자료를 수신하고 그 영향을 경험합니다. 그들 사이에는 피드백도 있습니다. 성과는 창의성을 필요와 능력으로 자극(하지만 어느 정도 제한)합니다. 사회. 지각은 연주에 직접적으로 영향을 미치고(연주자와의 직접적이고 생생한 접촉 및 기타 방식을 통해) 창의성에 간접적으로 영향을 미칩니다(작곡가가 자발적 또는 비자발적으로 하나 또는 다른 유형의 음악적 지각에 초점을 맞추고 음악적 언어에 의존하기 때문에). 특정 사회에서 발전한 것).

decomp의 도움으로 M.의 배포 및 선전과 같은 활동과 함께. 미디어, 과학 음악 연구(음악학, 음악 민족지, 음악 미학 참조), 비평(음악 비평 참조), 인사 교육, 조직 리더십 등, 이에 상응하는 기관, 이 활동의 ​​주제 및 생성된 가치 이를 통해 창의성, 성능 및 인식이 시스템을 형성합니다. 즉, 뮤즈입니다. 사회의 문화. 발달된 음악 문화에서 창의성은 교차하는 많은 변종으로 대표되며 토라이는 XNUMX월에 따라 구별될 수 있습니다. 표지판.

1) 콘텐츠 유형별: M. 서정적, 서사적, 극적, 영웅적, 비극적, 유머러스한 등 다른 측면에서 - 진지한 음악과 가벼운 음악.

2) 공연 목적에 따라: 성악 및 기악; 다른 측면에서 – 독주, 앙상블, 오케스트라, 합창, 혼합(구성에 대한 추가 설명 가능: 예를 들어 심포니 오케스트라, 챔버 오케스트라, 재즈 등).

3) 다른 유형의 예술 및 단어와의 합성: M. theatrical(연극 음악 참조), 안무(댄스 음악 참조), 프로그램 기악, 멜로드라마(음악에 맞춰 읽기), 단어와 보컬. M. 외부 합성 – 발성(단어 없이 노래) 및 "순수한" 기악(프로그램 없음).

4) 필수 기능에 따라: 응용 음악(이후 프로덕션 음악, 군사 음악, 신호 음악, 엔터테인먼트 음악 등으로 구분됨) 및 비 응용 음악.

5) 음향 조건에 따라 : M. 특별 청취용. 청취자가 연주자와 분리되는 환경(G. Besseler에 따르면 "제시된" M.), 대중 공연 및 일상 생활 상황에서의 청취를 위한 M("매일" M.). 차례로 첫 번째는 장관과 콘서트로, 두 번째는 대규모 국내 및 의식으로 나뉩니다. 이 네 가지 변종(장르 그룹) 각각은 다음과 같이 더 차별화될 수 있습니다. 스펙터클 – M. for muses. 극장, 드라마 극장 및 영화(영화 음악 참조), 콘서트 – 교향악, 실내악 및 대중 음악. 음악, 미사 – 매일 – 노래와 움직임을 위한 M., 의식 – M. 숭배 의식(교회 음악 참조) 및 세속. 마지막으로, 대중적인 일상 음악의 두 영역 내에서 동일한 기반에서 중요한 기능과 함께 노래 장르(국가, 자장가, 세레나데, 바카롤 등), 댄스 장르(호팍, 왈츠, 폴로네즈 등) . ) 및 행진(전투 행진, 장례 행진 등).

6) 작곡 및 음악 유형별. 언어(수행 수단과 함께): 다양한 한 부분 또는 순환. 건전한 조건에 따라 식별된 변종(장르 그룹) 내의 장르. 예를 들어, 오페라, 발레, 오페레타 등 화려한 M. 콘서트 중에서 오라토리오, 칸타타, 로맨스, 교향곡, 모음곡, 서곡, 시, 인스트루먼트. 협주곡, 독주 소나타, 트리오, 20중주 등의 예식(찬송가, 합창, 미사, 레퀴엠 등). 차례로 이러한 장르 내에서 동일한 기준에 따라 더 분수적인 장르 단위를 구별할 수 있지만 다른 기준에서 수준: 예를 들어, 아리아, 앙상블, 오페라의 합창, 오페레타, 오라토리오와 칸타타, 발레의 아다지오와 독주 변주, 교향곡, 소나타, 실내악의 안단테와 스케르초. 앙상블 등. 중요한 기능, 연주 환경 및 구조 유형과 같은 안정적인 비음악적 및 음악적 요소와의 연결로 인해 장르(및 장르 그룹)도 큰 안정성, 내구성을 가지며 때로는 몇 년 동안 지속됩니다. 시대. 동시에 뮤즈의 특정 영역과 특정 기능이 각각에 할당됩니다. 형태. 그러나 사회에서 M.의 기능을위한 일반적인 역사적 환경과 조건의 변화와 함께 장르도 진화합니다. 그들 중 일부는 변형되고 다른 일부는 사라지고 새로운 것으로 바뀝니다. (특히 XNUMX세기에는 라디오, 영화, 텔레비전 및 기타 기술적 매체 보급 수단의 발달로 새로운 장르가 형성되었습니다.) 결과적으로 각 시대와 nat. 음악 문화의 특징은 "장르 펀드"입니다.

7) 스타일별(역사적, 국가적, 그룹, 개인). 장르와 마찬가지로 스타일은 수많은 뮤즈를 포괄하는 일반적인 개념입니다. 특정 측면에서 유사한 현상(그 안에 구현된 음악적 사고의 유형에 따른 ch. arr.). 동시에 스타일은 일반적으로 장르보다 훨씬 더 이동성 있고 변경 가능합니다. 장르 카테고리가 뮤즈의 공통점을 반영한다면. 다른 스타일과 시대에 속하는 같은 유형의 작품, 그 다음에는 스타일 범주에 속합니다. 같은 시대에 속하는 다른 장르의 작품 커뮤니티입니다. 즉, 장르는 음악-역사의 일반화를 제공합니다. 순서, 통시 및 스타일의 프로세스 – 동시성, 동시성.

공연은 독창성과 마찬가지로 성악과 기악으로 구분되며, 더 나아가 악기에 따라 그리고 앙상블이나 오케스트라의 구성에 따라 구분됩니다. 장르 그룹(연극, 콘서트 등), 때로는 하위 그룹(교향악, 실내악, 팝) 및 otd. 장르(오페라, 발레, 노래 등); 스타일별로.

지각은 집중 정도에 따라 다양하게 나뉜다(자신의 수행에 포함되는 '자기지각', 다른 활동을 동반하지 않고 지각된 매체에만 온전히 집중하는 '집중' 지각, CL 활동을 동반하는 '동반') ); 하나 또는 다른 유형의 M. 콘텐츠(심각한 M. 또는 가벼운), 특정 장르 그룹 또는 별도의 그룹에 대한 청취자의 방향에 따라. 장르(예: 노래), 특정 스타일 주어진 장르와 스타일(숙련, 아마추어, 무능)의 M.을 이해하고 적절하게 평가하는 능력. 이에 따라 청취자는 계층과 그룹으로 나뉘며 궁극적으로 사회적 요인인 음악에 의해 결정됩니다. 특정 사회에서의 양육. 환경, 그녀의 요구와 취향의 동화, M.에 대한 그녀의 일반적인 인식 상황 등(음악 교육, 음악 교육 참조). 심리학에 따른 지각의 분화도 일정한 역할을 한다. 기호(분석성 또는 종합성, 합리적 또는 감정적 시작의 우세, 하나 또는 다른 태도, M. 및 일반 예술과 관련된 기대 시스템).

M.은 중요한 사회적 기능을 수행합니다. 사회의 다양한 요구에 부응하여 dec.와 접촉하게 됩니다. 사람들의 유형. 활동 – 물질적(노동 과정 및 관련 의식 참여), 인지적 및 평가적(개인 및 사회 집단의 심리 반영, 그들의 이데올로기 표현), 영적 및 변형적(이념적, 윤리적, 미적 영향), 의사소통적(커뮤니케이션) 사람들 사이). 특히 큰 사회. 사람의 영적 교육 수단으로서의 M.의 역할, 신념 형성, 도덕. 자질, 미적 취향과 이상, 감정의 발달. 반응성, 감수성, 친절, 미적 감각, 창의성 자극. 삶의 모든 영역에서 능력. M.의 이러한 모든 사회적 기능은 사회-역사에 따라 변화하는 시스템을 형성합니다. 정황.

음악의 역사. 19세기 M.의 기원에 관하여. 그리고 20세기 초 가설이 제시되었는데, 이에 따르면 M.의 기원은 감정적으로 흥분된 말의 억양(G. Spencer), 새의 노래와 동물의 사랑의 부름(C. Darwin), 원시인(K. Bucher)의 작업, 소리 신호(K. Stumpf), 마술. 주문 (J. Combarier). 고고학에 기초한 현대 유물론에 따르면. 그리고 민족지학적 데이터, 원시 사회에서는 실용 내부에서 M.의 점진적인 "성숙"의 긴 과정이 있었습니다. 사람들의 활동과 그것에서 아직 나오지 않은 원시적인 혼합. Complex — M., 춤, 시 및 기타 유형의 예술의 배아를 품고 의사 소통, 공동 노동 및 의식 과정의 조직 및 영적 자질을 교육하기 위해 참가자에 대한 정서적 영향을 목적으로 한 사전 예술 팀에 필요합니다. 처음에는 무질서하고 조직화되지 않은 무한한 높이의 다수의 소리(새의 노래, 동물의 울부짖는 소리 등)의 광범위한 연속을 포함하는 곡조와 곡조로 대체되었으며 몇 개만 구성되었습니다. 톤은 논리적으로 구별됩니다. 값을 기준(안정)과 측면(불안정)으로 나눕니다. 멜로디와 리듬의 다중 반복. 사회에 확립된 공식. 논리의 가능성에 대한 점진적인 인식과 동화로 이어졌습니다. 소리의 조직화. 가장 단순한 음악 사운드 시스템(악기는 통합에 중요한 역할을 함), 기본 유형의 미터 및 모드가 형성되었습니다. 이것은 잠재적 표현의 초기 인식에 기여했습니다. 톤과 그 조합의 가능성.

원시적 인 공동체 (부족) 시스템이 분해되는 기간 동안 예술. 활동은 점차 실용적이고 혼합적으로 분리됩니다. 미술전복합체는 점차 해체되고 있으며, 미술도 하나의 독립된 실체로 탄생한다. 청구 유형. 이 시대와 관련된 다른 민족의 신화에서 M. 자연에 영향을 미치는 강력한 힘으로 야생 동물을 길들이고 사람을 질병에서 치료하는 등의 기록이 있습니다. 분업의 성장과 계급의 출현으로 처음에는 단일하고 동질적인 음악. 사회 전체에 속하는 문화는 지배계급의 문화와 피억압의 문화(인민), 전문인과 비전문인(아마추어)의 문화로 나뉜다. 이때부터 독립을 시작합니다. 음악의 존재. 민속 비전문 소송으로서의 민속. 뮤즈. 인민대중의 창의성은 미래에 뮤즈의 기초가 됩니다. 사회 전체의 문화, 이미지와 표현의 가장 풍부한 소스. 교수 자금. 작곡가.

뮤즈. 노예 소유와 초기 불화의 문화. 고대 세계의 국가(이집트, 수메르, 아시리아, 바빌론, 시리아, 팔레스타인, 인도, 중국, 그리스, 로마, Transcaucasia 및 중앙 아시아 국가)는 이미 교수의 광범위한 활동이 특징입니다. 사원, 통치자와 귀족의 법원에서 봉사 한 음악가 (일반적으로 작곡가와 연주자를 결합한)는 대중 의식 활동, 사회에 참여했습니다. M.은 Ch.를 유지합니다. 아. 원시사회로부터 물려받아 직접적으로 관련된 물질적, 정신적 기능을 말한다. 일, 일상 생활, 군대 생활, 시민 및 종교 의식, 청소년 교육 등에 참여. 그러나 처음으로 미학의 분리가 설명됩니다. 기능을 사용하면 듣기 전용의 첫 번째 음악 샘플이 나타납니다(예: 음악가 대회에서 그리스에서 연주되는 성가 및 악기 연주). 다양하게 발전하고 있습니다. 노래(서사시와 가사)와 춤. 많은 장르에서 시, 노래, 춤이 원래의 통일성을 유지합니다. M.은 극장에서 큰 역할을합니다. 특히 그리스어로 된 표현. 비극(아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스는 극작가일 뿐만 아니라 음악가이기도 했다). 다양한 뮤즈들이 개선되어 안정적인 형태와 구축을 얻고 있습니다. 악기(하프, 거문고, 오래된 관악기 및 타악기 포함). M.을 쓰는 첫 번째 체계는 비록 우세하긴 하지만(설형 문자, 상형 문자 또는 알파벳 문자) 나타납니다. 보존 및 보급의 형태는 구두로 남아 있습니다. 최초의 음악적 미학이 등장합니다. 이론적인 가르침과 체계. 고대의 많은 철학자들은 M에 대해 씁니다(중국에서는 공자, 그리스에서는 피타고라스, 헤라클레이토스, 데모크리토스, 플라톤, 아리스토텔레스, 아리스토세누스, 로마에서는 루크레티우스 카루스). M.은 실제 및 이론상 과학, 공예 및 종교에 가까운 활동으로 간주됩니다. 컬트를 세계의 "모델"로, 법에 대한 지식에 기여하고, 자연(마법)과 인간(시민적 자질 형성, 도덕 교육, 치유 등)에 영향을 미치는 가장 강력한 수단으로 사용합니다. 이와 관련하여 다양한 유형(개별 모드까지)의 M. 사용에 대한 엄격한 공개(일부 국가에서는 심지어 주에서도) 규정이 수립되었습니다.

중세 유럽에는 뮤즈가 있다. 새로운 유형의 문화 - 봉건, 통합 교수. 예술, 아마추어 음악 및 민속. 교회는 영적인 삶의 모든 영역에서 지배적이기 때문에 교수의 기초입니다. 음악 예술은 사원과 수도원에서 음악가의 활동입니다. 세속적인 교수 예술은 처음에는 서사시를 만들고 공연하는 가수들에 의해서만 표현됩니다. 법원, 귀족의 집, 전사 등 (음유 시인, 스칼드 등)의 전설. 시간이 지남에 따라 아마추어 및 세미 프로 형식의 기사도 음악 제작이 발전했습니다. 프랑스 - 트루바두르 및 트루뵈르(Adam de la Halle, 13세기), 독일 - 미네싱거(Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, 12) -13세기) 뿐만 아니라 산. 장인. 불화에서. 성과 도시는 모든 종류의 장르, 장르 및 형태의 노래(서사시, "새벽", 론도, 르, 비레레, 발라드, 칸초네, 라우다 등)를 발전시켰습니다. 새로운 뮤즈가 탄생합니다. 도구, 포함 동양에서 온 사람들(비올라, 류트 등), 앙상블(불안정한 작곡)이 일어난다. 민속은 농민들 사이에서 번성합니다. 이야기꾼, 떠돌아 다니는 합성과 같은 "민간 전문가"도 있습니다. 예술가(요술쟁이, 마임, 음유시인, shpilmans, 부푼). M.은 다시 Ch를 수행합니다. 아. 적용되고 영적-실용적입니다. 기능. 창의성은 성과(원칙적으로 – 한 사람) 및 지각과 일치하여 작용합니다. 집단성은 질량의 내용과 형태 모두에서 지배적이다. 개인의 시작은 눈에 띄지 않고 장군에게 복종합니다(뮤지션 마스터는 커뮤니티의 가장 좋은 대표자입니다). 엄격한 전통주의와 정경이 전체를 지배합니다. 전통과 표준의 통합, 보존 및 보급(또한 점진적인 갱신)은 선율의 본질을 대략적으로만 나타내는 네메(neume)에서 전환함으로써 촉진되었습니다. 움직임, 선형 표기법(Guido d'Arezzo, 10세기)에 이르기까지 음조와 지속 시간을 정확하게 고정할 수 있습니다.

느리지만 점차 음악의 내용과 장르, 형식, 표현수단이 풍부해진다. 잽에서. 6~7세기 유럽. 모노포닉(모노딕, 모노포닉, 모노디 참조) 교회의 엄격하게 규제된 시스템이 형성되고 있습니다. M. 온음계 기준. 프렛(그레고리오 성가), 암송(시편)과 노래(찬송)를 결합한 것입니다. 1천년과 2천년의 전환기에 폴리포니가 탄생합니다. 새로운 웍이 형성되고 있습니다. (합창) 및 wok.-instr. (합창 및 오르간) 장르: 오르가눔, 모테트, 지휘, 미사. 12세기 프랑스에서. 최초의 작곡가(창의적) 학교는 노트르담 대성당(Leonin, Perotin)에 설립되었습니다. 르네상스 시대(프랑스와 이탈리아의 아르스 노바 양식, 14세기)에서 교수. M. monophony는 polyphony로 대체되고 M.은 순전히 실용적인 것에서 점차적으로 벗어나기 시작합니다. 기능(교회 예식 제공)을 포함하여 세속 장르의 중요성을 높입니다. 노래(기욤 드 마쇼).

보스에서. 유럽과 Transcaucasia(아르메니아, 조지아)는 자체 뮤즈를 개발합니다. 양식, 장르 및 형식의 독립적 시스템을 가진 문화. 불가리아의 비잔티움에서는 나중에 노브고로드가 된 Kievan Rus에서 컬트 znamenny 노래가 번성했습니다(Znamenny chant 참조), osn. 다이어토닉 시스템에. 순수한 웍에만 국한된 목소리. 장르(트로파리아, 스티케라, 찬송가 등) 및 특수 표기법(후크) 사용.

동시에 동양(아랍 칼리프, 중앙 아시아 국가, 이란, 인도, 중국, 일본)에서 봉건 뮤즈가 형성되고 있었습니다. 특별한 유형의 문화. 그 징후는 세속적 전문성(궁정 및 민속 모두)의 광범위한 보급, 거장 성격 획득, 구전 전통 및 일문일제에 대한 제한입니다. 그러나 멜로디와 리듬과 관련하여 고도의 정교함에 도달하여 매우 안정적인 국내 및 국제 뮤즈 시스템을 구축합니다. 엄격하게 정의된 결합된 사고. 모드 유형, 장르, 억양 및 구성 구조(무감, 마캄, 라기 등).

서구의 르네상스(14-16세기) 동안. 그리고 센터, 유럽 봉건 음악. 문화가 부르주아 문화로 변하기 시작합니다. 세속 예술은 인본주의 사상을 바탕으로 번성합니다. M.에서 수단. 학위는 필수 실습에서 면제됩니다. 목적지. 그 미학이 점점 더 부각되고 있습니다. 그리고 알아. 기능, 사람들의 행동을 관리할 뿐만 아니라 내부를 반영하는 수단으로 기능하는 능력. 인간 세계와 주변 현실. M.에서는 개별 시작이 할당됩니다. 그녀는 전통적인 대포의 힘에서 더 큰 자유를 얻습니다. 시설. 지각은 점차 창의성과 성과로부터 분리되고, 관객은 독립적으로 형성된다. 음악 구성 요소. 문화. 블루밍 인스트럭터 아마추어성(류트). 가정용 냄비는 가장 넓은 개발을받습니다. 음악 재생(시민의 집, 음악 애호가의 서클에서). 그를 위해 간단한 폴리 목표가 생성됩니다. 노래 – 빌라넬라와 프로톨라(이탈리아), 샹송(프랑스), 연주하기가 더 어렵고 종종 세련된 스타일(반음계 기능 포함) 4 또는 5골. 마드리갈(Luca Marenzio, Carlo Gesualdo di Venosa), incl. Petrarch, Ariosto, Tasso의 구절에. 독일에서 활동하는 세미 프로 뮤지션. 마을 사람들-장인들의 협회 – 마스터 싱어들의 워크샵, 수많은 곳. 노래(한스 삭스). 대중 사회의 찬가, 냇. 종교 운동: Hussite hymn(체코 공화국), Lutheran chant(독일의 16세기 종교 개혁과 농민 전쟁), Huguenot psalm(프랑스).

프로에서 M.은 절정의 합창단에 도달합니다. polyphony a cappella("strict style"의 polyphony)는 순전히 온음계입니다. 매스, 모테 또는 세속 폴리곤 장르의 창고. 복잡한 모방의 거장을 사용하는 노래. 형식(캐논). 주요 작곡가 학교: 프랑코-플랑드르 또는 네덜란드 학교(Guillaume Dufay, Johayanes Okeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando di Lasso), 로마 학교(Palestrina), 베네치아 학교(Andrea 및 Giovanni Gabrieli). 합창단의 메이저 마스터들이 전진하고 있다. 폴란드의 창의성(Shamotul, Mikolaj Gomulka의 Vaclav), 체코. 동시에 처음으로 독립 instr을 얻습니다. M., 무리에서 모방도 개발합니다. 폴리포니(오르간 전주곡, 라이서카, 베네치아 A.와 G. 가브리엘리의 칸초네, 스페인 작곡가 안토니오 카베존의 변주곡). 과학이 부활합니다. M.에 대해 생각하면 새로운 수단이 만들어집니다. 음악 이론. 논문(스위스의 Glarean, 이탈리아의 G. Tsarlino 및 V. Galilei 등).

러시아에서는 Mong.-Tat에서 해방된 후. 멍에 꽃 M., 교수. M. Znamenny 노래의 높은 발전에 도달, 창의력을 펼칩니다. 뛰어난 작곡가들의 활동 - "가수"(Fyodor Krestyanin), 오리지널 폴리포니("three line") 탄생, 주요 뮤즈 활동. 집단 (16 세기 "주권 노래 사무원"합창단).

뮤즈에서 유럽으로의 전환 과정. 부르주아에 대한 봉건적 문화는 17세기에도 계속된다. 그리고 1층. 18세기에 세속적인 M.의 일반적인 지배가 마침내 결정되었습니다(독일과 일부 다른 국가에서는 M. 교회가 여전히 큰 중요성을 유지하지만). 그 내용은 다음을 포함하여 광범위한 주제와 이미지를 다룹니다. 철학적, 역사적, 현대적, 시민적. 귀족에서 음악을 연주하는 것과 함께. 살롱과 귀족 재산, "제 1709 재산"대표의 집과 계정. 기관(대학)이 집중적으로 배포됩니다. 음악 생활. 그 난로는 영원한 뮤즈입니다. 열린 자연의 기관: 오페라 하우스, 필하모닉. (콘서트) about-va. 비올라는 현대로 대체되고 있습니다. 활을 휘감은 현악기(바이올린, 첼로 등, 뛰어난 제작 대가 – A. and N. Amati, G. Guarneri, A. Stradivari from Cremona, Italy), 최초의 피아노포르테가 만들어짐(15, B. Cristofori, Italy) ). 인쇄 음악(18세기 말부터 시작됨)이 발전하고 있습니다. 음악이 확장되고 있습니다. 교육 (이탈리아의 음악원). 뮤즈에서. 과학은 비판적이다(I. Matson, Germany, XNUMX세기 초).

작곡가 창의성의 발전에서 이 시기는 그러한 예술의 교차적인 영향으로 특징지어졌습니다. 바로크(이탈리아 및 독일 악기 및 합창 M.), 고전주의(이탈리아 및 프랑스 오페라), 로코코(프랑스 악기 M.) 및 이전에 확립된 장르, 스타일 및 형식에서 새로운 지배력을 유지하는 점진적인 전환과 같은 스타일 . 현재까지 유럽 M.에서의 위치. 기념비적인 장르 중 종교에 대한 '열정'(passions)의 존재 옆에. 주제와 미사, 오페라와 오라토리오가 빠르게 전면에 등장합니다. 칸타타(독주와 합창), instr. 콘서트(솔로 및 오케스트라), chamber-instr. 앙상블(트리오 등), instr이 있는 솔로곡. 호위; 스위트룸은 일상적인 춤을 결합한 새로운 모습(다양한 부분은 파르티타입니다)을 취합니다. 기간이 끝나면 현대가 형성됩니다. 교향곡과 소나타, 발레뿐만 아니라 독립. 장르. 같은 모드(장조 및 단조)를 기반으로 크로마티즘의 광범위한 사용과 함께 절정에 도달하는 "자유 스타일"의 모방 다성음과 병행하여 더 일찍 성숙된 다성음 내부 및 일상의 춤이 긍정된다. M., 호모포닉-하모닉. 창고(상위 음색이 주요 음색이고 나머지는 화음 반주, 동음이의어 참조), 하모닉이 결정화됩니다. 기능 및 이를 기반으로 한 새로운 유형의 멜로디, 디지털 베이스 또는 일반 베이스의 연습이 널리 보급됨 작곡가에 의한 아웃 - 조건부 하모니의 디지털 표기법이 있는 베이스) . 다성 형식(파사칼리아, 샤콘느, 푸가)과 동시에 론도, 오래된 소나타와 같은 동음이성 형식을 추가합니다.

현재 통일 국가 (이탈리아, 프랑스, ​​​​영국, 부분적으로 독일)의 형성 과정이 일어나는 (또는 종료) 국가에서 고도로 발달 된 국가. 음악 문화. 그 중에는 지배력이 있습니다. 역할은 이탈리아 사람이 유지합니다. 오페라가 탄생하고(16세기와 17세기 전환기에 피렌체) 최초의 고전 오페라가 탄생한 곳은 이탈리아입니다. 이 새로운 장르의 예(1세기 전반기, 베네치아 학교, C. 몬테베르디), 그 안정적인 품종이 형성되어 유럽 전역에 퍼졌습니다: 진지한 오페라 또는 오페라 세리아, 영웅. 그리고 비극적이다. 캐릭터, 신화. 그리고 역사적 플롯(17세기 후반, 나폴리 학파, A. Scarlatti), 일상적인 주제에 관한 희극 또는 오페라 부파(2세기 전반, 나폴리 학파, G. Pergolesi). 같은 나라에서 오라토리오(17)와 칸타타가 등장했다(두 장르의 뛰어난 예는 G. Carissimi와 A. Stradella). 마지막으로, 전성기의 기저에는 사랑이 있습니다. 그리고 농축 연주(가장 큰 바이올린 거장 – J. Vitali, A. Corelli, J. Tartini)는 instr을 집중적으로 개발하고 업데이트하고 있습니다. M .: 오르간(1세기 전반기, G. Frescobaldi), 오케스트라, 앙상블, 현악을 위한 솔로. 도구. 18층에서. 1600 – 구걸. 1세기 그로소 협주곡(코렐리, 비발디)과 독주 인스트루먼트의 장르. 협주곡(비발디, 타르티니), 변종("교회" 및 "실") 트리오 소나타(17현 또는 관악기 및 클라비에 또는 오르간용 – Vitali) 및 독주 소나타(바이올린 또는 솔로 바이올린 및 클라비에용 – Corelli, D. Scarlatti의 클라비에를 위한 Tartini).

프랑스에는 특별한 국가가 있습니다. 장르 op. for music t-ra: “가사. 비극”(기념비적 인 유형의 오페라)과 오페라 발레 (J. B. 룰리, J. F. Rameau), 코미디 발레(Moliere와 공동 작업한 Lully). 뛰어난 하프시코드 연주자(작곡가와 연주자)의 은하계(17세기 말~18세기 초, F. Couperin, Rameau) - 론도 형식(종종 프로그램적 성격의 희곡에서)과 변주를 발전시켰습니다. 영국에서는 16세기와 17세기 전환기인 셰익스피어 시대에 유럽 최초의 피아노 음악 작곡가 학교인 Virginalists(W. 새와 J. 황소). M. 셰익스피어 극장에서 큰 자리를 차지합니다. 2층에서. nat의 17세기 뛰어난 예. 오페라, 합창, 오르간, 실내악 그리고 클라비에 M. (G. 퍼셀). 1층에서. 18세기 창의성이 영국에서 펼쳐지고 있습니다. G의 활동 F. 동시에 헨델(오라토리오, 오페라 세리아). 국민 만화 장르의 탄생. 오페라 - 발라드 오페라. 17세기 독일에서는 독창적인 오라토리오 작품("열정" 등)과 조국의 첫 사례가 나타납니다. 오페라와 발레(G. Schutz), flourish org. 예술(D. 북스테후데, I. 프로베르거, I. 파헬벨). 1층에서. 18세기를 의미합니다. 찌르다. 많은 장르("열정", 기타 오라토리오 장르, 칸타타, 환상, 전주곡, 푸가, 오르간과 클라비에를 위한 소나타, 클라비에 모음곡, 오케스트라와 개별 악기를 위한 협주곡 등)에서 J. S. 바흐의 작품은 유럽의 모든 이전 발전의 결과이자 정점이었습니다. 폴리포니와 모든 M. 바로크. 스페인에서는 오리지널 뮤직 극장이 탄생합니다. 구어체 대화가 있는 오페라 유형 장르: zarzuela(극적인 내용), tonadilla(만화). 러시아에서는 컬트 음악의 동시성(polyphony)이 증가하고 있습니다(17세기 후반과 18세기 초의 부분 노래 - V. 티토프와 N. 칼라치니코프). 동시에 표트르 XNUMX세의 개혁 시대에 세속적 전문 음악이 탄생하고(파네기릭 칸떼), 도시적인 일상 음악의 발전이 활성화되었다(가사 칸트, 시편). 유럽 ​​M.의 발전 2 층. 18세기와 19세기 초는 계몽사상, 그 다음에는 대프랑스의 영향으로 진행된다. 혁명은 새로운 대중적 일상 음악(행진, 마르세예즈를 포함한 영웅적 노래, 대중 축제 및 혁명 의식)을 일으켰을 뿐만 아니라 다른 음악에서도 직간접적인 반응을 발견했습니다. 장르. 바로크, "용감한 스타일"(로코코) 및 고귀한 고전주의는 부르주아의 지배적 인 위치에 자리를 내줍니다. (계몽) 이성, 사람들의 평등, 사회에 대한 봉사, 높은 윤리적 이상을 긍정하는 고전주의. 프랑스에서 이러한 열망을 가장 잘 표현한 것은 K. 오스트리아-독일어의 글룩 – 비엔나 고전 학교 대표의 교향곡, 오페라 및 실내악 작품 J. 하이든, W. A. ​​모차르트와 L.

일어난다는 뜻입니다. 모든 분야의 발전 prof. M. 글룩과 모차르트는 각각 고유의 방식으로 오페라 장르를 개혁하고 있으며, 귀족의 고정된 관습을 극복하기 위해 노력하고 있다. "진지한" 오페라. 다른 국가에서 서로 가까운 민주주의 국가가 빠르게 발전하고 있습니다. 장르: 오페라 부파(이탈리아 – D. 시마로사), 코믹. 오페라(프랑스 – JJ Rousseau, P. Monsigny, A. Gretry, 러시아 – VA Pashkevich, EI Fomin), Singspiel(오스트리아 – Haydn, Mozart, K. Dittersdorf). 위대한 프랑스 혁명 동안 영웅에게 "구원의 오페라"가 나타납니다. 그리고 멜로드라마. 줄거리(프랑스 – L. Cherubini, JF Lesueur; 오스트리아 – 베토벤의 Fidelio). 독립으로 분리됩니다. 발레 장르(Gluck, Beethoven). 하이든, 모차르트, 베토벤의 작품으로, 정평을 받고 있습니다. 현대 교향곡 장르의 구현. 이해(4부분 주기). 그 이전에 교향곡의 창설(현대 형식의 교향악 오케스트라의 최종 결성에서도)에서 체코어(J. Stamitz)와 독일어가 중요한 역할을 했습니다. 만하임(독일)에서 활동한 음악가. 이와 병행하여 고전적인 빅 소나타 형식과 챔버-인스트르. 앙상블(트리오, XNUMX중주, XNUMX중주). 소나타 알레그로의 형식이 발전되고 있고 새로운 변증법적인 형식이 형성되고 있다. 음악적 사고의 방식은 베토벤의 작품에서 절정에 달한 교향곡이다.

M. Slavic 민족 (러시아, 폴란드, 체코)에서는 wok의 개발이 계속됩니다. 장르 (합창단. 러시아 콘서트 – MS Berezovsky, DS Bortnyansky, 일상 로맨스), 첫 번째 조국이 나타납니다. 오페라, nat의 생성을 위한 기반이 준비되고 있습니다. 음악 클래식. 유럽 ​​전역. 교수 M. 폴리포닉. 스타일은 대부분 호모포닉-하모닉 스타일로 대체됩니다. 조화의 기능적 체계가 마침내 형성되고 공고화된다.

대부분의 유럽 국가와 북부에서 19세기. 미국은 뮤즈 교육을 완료합니다. 문화 "클래식". 부르주아 유형. 이 과정은 모든 사회의 적극적인 민주화를 배경으로 그리고 그 영향 아래에서 발생합니다. 그리고 음악. 봉건제로부터 물려받은 계급장벽의 극복과 삶. 귀족 살롱, 법원 극장 및 예배당에서 소규모 conc. 특권을 가진 대중의 폐쇄된 원을 위해 의도된 홀, M.은 민주적인 접근이 가능한 광대한 건물(그리고 심지어 광장에서도)으로 들어갑니다. 청취자. 새로운 뮤즈가 많다. 극장, conc. 기관, 계몽하다. 조직, 음악 출판사, 음악. 으. (프라하, 바르샤바, 비엔나, 런던, 마드리드, 부다페스트, 라이프치히, 상트페테르부르크, 모스크바 등의 음악원 포함; 다소 이른 18세기 말 파리에 음악원 설립) 뮤즈가 나타납니다. 잡지와 신문. 수행의 과정은 마침내 독창성과 독립적으로 분리된다. 수많은 앙상블과 독주자(19세기와 20세기 초의 가장 뛰어난 연주자: 피아니스트 – F. Liszt, X. Bulow, AG 및 NG Rubinstein, SV Rachmaninov, 바이올리니스트)로 대표되는 음악 활동 유형 – N. Paganini, A. Vieton, J. Joachim, F. Kreisler, 가수 – G. Rubini, E. Caruso, FI Chaliapin, 첼리스트 P. Casals, 지휘자 – A. Nikish, A. Toscanini). 경계선 교수 공연을 통한 창의성과 대중에 대한 호소력은 그들의 빠른 발전에 기여합니다. 동시에, 각 nat의 계층화. 문화를 적절한 부르주아와 민주주의로. 음악의 상업화가 증가하고 있다. 진보적인 뮤지션들이 맞서 싸우는 삶. M.은 사회 및 정치 분야에서 점점 더 중요한 위치를 차지합니다. 삶. 일반 민주주의 이후 노동자 혁명이 전개된다. 노래. 최고의 샘플("International", "Red Banner", "Varshavyanka")은 International에서 인수합니다. 의미. 이전에 형성된 nat 옆. 러시아(MI Glinka가 설립), 폴란드어(F. 쇼팽, S. Moniuszko), 체코어(B. Smetana, A. Dvorak), 헝가리어(F. Erkel, F. Liszt)와 같은 새로운 유형의 젊은 작곡가 학교가 번성하고 있습니다. , 노르웨이어(E. Grieg), 스페인어(I. Albeniz, E. Granados).

유럽의 여러 작곡가의 작품에서. 상반기 국가. 1세기 낭만주의가 확인됨(독일 및 오스트리아 M. – ETA Hoffmann, KM Weber, F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann, 프랑스어 – G. Berlioz, 헝가리 – Liszt, 폴란드어 – 쇼팽, 러시아어 – AA Alyabiev, AN 베르스토프스키). M.의 특징(고전주의에 비해) : 개인의 감정세계에 대한 관심 고조, 가사의 개별화와 극화, 개인과 사회, 이상과 현실의 불협화음의 주제 촉진, 호소력 역사적으로. (세기 중반), 민속 전설 및 민속 일상 장면과 자연의 그림, 국가, 역사에 대한 관심. 반영된 현실의 지리적 독창성, 다른 민족의 노래를 기반으로 한 국가의 보다 구체적인 구현, 보컬의 역할 강화, 노래 시작 및 다채로움(하모니와 오케스트라), 보다 자유로운 해석 전통의. 장르와 형식, 새로운 창작(교향시), M.과 다른 예술의 다양한 합성에 대한 열망. 프로그램된 음악이 개발되고 있습니다(민간 에포스, 문학, 그림 등의 줄거리와 주제를 기반으로 함), instr. 미니어처(전주곡, 음악적 순간, 즉석 등) 및 프로그램 미니어처, 로맨스 및 챔버 웍의 순환. 주기, 전설과 역사에 대한 장식 유형의 "그랜드 오페라". 테마(프랑스 – J. Meyerbeer). 이탈리아에서는 오페라 부파(G. Rossini)가 정상에 도달합니다. 다양한 낭만적 인 오페라 (서정적 – V. Bellini, G. Donizeti, 영웅적 – 초기 G. Verdi). 러시아는 자신의 민족 음악 고전을 형성하고 세계의 중요성을 획득하고 민속 역사의 독창적 인 유형이 형성됩니다. 그리고 서사시. 오페라뿐만 아니라 교향곡. M. 이층에. 테마 (Glinka), 로맨스 장르는 심리적 기능이 점차 성숙하는 높은 수준의 발달에 도달합니다. 일상적 사실주의(AS Dargomyzhsky).

모든 R. 및 2층. 19세기에 일부 서유럽 작곡가들은 낭만주의를 계속합니다. 오페라(R. Wagner), 교향곡(A. Bruckner, Dvorak), 소프트웨어 instr. M.(List, Grieg), 노래(X. Wolf) 또는 낭만주의와 고전주의(I. Brahms)의 문체 원리를 결합하려고 합니다. 낭만적인 전통을 이어가며 독창적인 방식은 이탈리아식입니다. 오페라(그 절정은 베르디의 작품임), 프랑스어. 오페라(Ch. Gounod, J. Wiese, J. Massenet) 및 발레(L. Delibes), 폴란드 및 체코 오페라(Moniuszko, Smetana). 많은 서유럽의 작품에서. 작곡가(Verdi, Bizet, Wolf 등)의 경우 리얼리즘 경향이 강화되고 있다. 그들은 이념적으로 민주주의와 연결된이시기의 러시아 M.에서 특히 명확하고 널리 나타납니다. 사회. 운동 및 고급 문학(후기 Dargomyzhsky, Mighty Handful의 작곡가는 MA Balakirev, AP Borodin, MP Mussorgsky, NA Rimsky-Korsakov 및 Ts. A. Cui, PI Tchaikovsky임). 러시아어 나르를 기반으로합니다. 노래뿐만 아니라 M. East rus. 작곡가(Mussorgsky, Borodin 및 Rimsky-Korsakov)는 새로운 멜로디와 리듬을 개발하고 있습니다. 고조파. 유럽을 크게 풍요롭게 하는 기금. 프렛 시스템.

서에서. Zap에서 19세기. 유럽, 새로운 뮤지컬 극장이 형성되고 있습니다. 장르 – 오페레타 (프랑스 – F. Herve, J. Offenbach, Ch. Lecoq, R. Plunket; 오스트리아 – F. Suppe, K. Millöker, J. Strauss-son, 나중에 Hung. 작곡가, “neo-Viennese의 대표 " F. Legar 및 I. Kalman 학교). 프로에서 창의력이 저절로 나옵니다. "빛"(일상 춤)의 라인 M. (왈츠, 폴카, 갤럽 by I. Strauss-son, E. Waldteuffel). 연예계가 탄생했습니다. M. 독립으로. 음악 산업. 삶.

콘. 유럽의 19세기와 20세기 초 모스크바에서는 자본주의의 최고이자 마지막 단계인 제국주의의 시작에 해당하는 전환기가 시작됩니다. 이 기간은 많은 전임자들의 위기로 표시됩니다. 이데올로기 및 문체 경향.

확립된 전통은 크게 수정되고 자주 업데이트됩니다. 일반적인 "영적 분위기"의 변화와 관련하여 새로운 방법과 스타일이 등장하고 있습니다. 음악 자원이 확장되고 있습니다. 표현력, 현실에 대한 예리하고 세련된 인식을 전달할 수있는 수단에 대한 집중적 인 검색이 있습니다. 동시에 개인주의와 미학의 경향이 커지고 있으며 많은 경우 큰 사회적 주제 (모더니즘)를 잃을 위험이 있습니다. 독일과 오스트리아에서는 로맨틱 라인이 끝납니다. 교향곡(G. Mahler, R. Strauss)과 음악이 탄생했습니다. 표현주의 (A. Schoenberg). 다른 새로운 경향도 발전했습니다. 프랑스에서는 인상주의(C. Debussy, M. Ravel), 이탈리아에서는 verismo(P. Mascagni, R. Leoncavallo 및 어느 정도 G. Puccini의 오페라). 러시아에서는 "Kuchkists"와 Tchaikovsky (SI Taneev, AK Glazunov, AK Lyadov, SV Rakhmaninov)에서 나온 라인이 계속 진행되고 동시에 부분적으로 발전합니다. 새로운 현상도 발생합니다. 일종의 음악입니다. 상징주의(AN Skryabin), 나르의 현대화. 화려함과 "야만인"고대 (초기 IF Stravinsky 및 SS Prokofiev). 우크라이나(NV Lysenko, ND Leontovich), 조지아(ZP Paliashvili), 아르메니아(Komitas, AA Spdiarov), 아제르바이잔(U. Gadzhibekov), 에스토니아(A. Kapp), 라트비아(J. Vitol), 리투아니아(M. Čiurlionis), 핀란드(J. Sibelius).

고전적인 유럽 음악 시스템. 장조-단조 기능적 조화에 기반한 사고는 많은 작곡가들의 작업에서 심오한 변화를 겪고 있습니다. 출발 저자는 음조 원칙을 유지하면서 자연(온음계) 및 인공 모드(Debussy, Stravinsky)를 사용하여 기반을 확장하고 풍부한 변경(Scriabin)으로 채도를 높입니다. 다른 사람들은 일반적으로 이 원칙을 포기하고 무조 음악으로 넘어갑니다(Schoenberg, American C. Ive). 고조파 연결의 약화는 이론의 부활을 자극했습니다. 다성음악에 대한 창의적인 관심(러시아 – Taneyev, 독일 – M. Reger).

1917-18년 부르주아 음악. 문화는 역사의 새로운 시기에 들어섰습니다. 그 발전은 수백만 명의 사람들이 정치에 참여하는 것과 같은 사회적 요인에 의해 크게 영향을 받습니다. 그리고 사회. 삶, 대중의 강력한 성장은 해방될 것이다. 운동, 부르주아와 대조적으로 여러 국가에서 새로운 사회의 출현. 시스템 - 사회주의자. 수단. 현대에서 M.의 운명에 영향. 부르주아 사회는 또한 급속한 과학 기술을 가졌다. 영화, 라디오, 텔레비전, 녹음과 같은 새로운 대중 매체의 출현으로 이어진 진보. 그 결과 형이상학은 전 세계적으로 퍼져 사회의 모든 "구멍"에 침투했습니다. 매스미디어의 도움으로 수억 명의 삶에 뿌리를 둔 삶. 엄청난 수의 새로운 청중이 여기에 합류했습니다. 사회 구성원의 의식, 모든 행동에 영향을 미치는 능력이 크게 향상되었습니다. 뮤즈. 선진 자본주의의 삶. 국가는 외적으로 폭풍우가 많고 종종 열렬한 성격을 얻었습니다. 그 징후는 광고 과대 광고, 패션의 급격한 변화, 인위적으로 야기된 감각의 만화경을 동반한 축제와 경쟁의 풍부함이었습니다.

자본주의 국가에서는 이념적으로 대립하는 두 문화가 더욱 뚜렷하게 드러난다. 부르주아와 민주주의(사회주의적 요소 포함). 버즈. 문화는 엘리트와 "대중"의 두 가지 형태로 나타납니다. 첫 번째는 반민주적입니다. 종종 그것은 자본가를 부정합니다. 삶의 방식과 부르주아를 비판한다. 그러나 도덕은 소부르주아의 입장에서만 가능하다. 개인주의. 버즈. "대중" 문화는 사이비 민주적이며 실제로 지배, 계급의 이익에 봉사하여 대중이 권리를 위한 투쟁에서 주의를 분산시킵니다. 그것의 발전은 자본주의의 법칙에 따릅니다. 상품 생산. 경량의 전체 "산업"이 만들어졌으며 소유자에게 막대한 이익을 가져다줍니다. M.은 새로운 광고 기능에 널리 사용됩니다. 민주적인 음악 문화는 억제를 위해 싸우는 많은 진보적인 음악가들의 활동으로 대표됩니다. 인본주의와 민족의 사상을 긍정하는 소송. 그러한 문화의 예로는 뮤지컬 극장 작품 외에도 있습니다. 그리고 농축 장르, 많은 혁명적인 노래. 1920-40년대의 운동과 반파시스트 투쟁. (독일 -X. Eisler), 현대. 정치적인 항의 노래. 그것의 개발에서 교수와 함께. 폭넓은 세미 프로와 아마추어가 연주했고, 지금도 뮤지션으로서 큰 역할을 하고 있습니다.

20세기 작곡가는 자본가의 창의성. 국가는 전례없는 다양성과 문체 경향의 다양성으로 구별됩니다. 표현주의는 현실에 대한 날카로운 거부, 고조된 주관성, 감정의 강렬함을 특징으로 하는 절정에 달합니다(Schoenberg와 그의 제자 A. Berg와 A. Webern, 이탈리아 작곡가 L. Dallapiccola) 무조 멜로디 십이음 체계). 신고전주의는 현대의 화해할 수 없는 모순에서 벗어나고자 하는 열망이 특징인 널리 퍼졌습니다. 사회. 이미지와 뮤즈의 세계에서의 삶. 16-18세기의 형태, 강하게 발음된 합리주의(20-50년대의 Stravinsky, 독일 – P. Hindemith, 이탈리아 – O. Respighi, F. Malipiero, A. Casella). 이러한 경향의 영향은 다른 주요 작곡가들도 어느 정도 경험했지만, 전체적으로 민주주의와의 연결로 인해 흐름의 한계를 극복했습니다. 그리고 현실적이다. 시대의 흐름과 나르. 창의성(헝가리 – B. Bartok, Z. Kodai, 프랑스 – A. Honegger, F. Poulenc, D. Millau, 독일 – K. Orff, 폴란드 – K. Shimanovsky, 체코슬로바키아 – L. Janacek, B. Martinu, 루마니아 – J. Enescu, 대 브리튼 – B. Britten).

50년대. 음악의 다른 흐름이 있습니다. 아방가르드(독일 – K. 스톡하우젠, 프랑스 – P. Boulez, J. Xenakis, 미국 – J. Cage, 이탈리아 – L. Berio, 부분적으로 L. Nono, 앞선 정치적 위치로 인해 눈에 띄지 않음), 완전히 파괴 클래식과 함께. 특정 음악의 전통과 육성(소음의 몽타주), 전자 음악(예술로 얻은 소리의 몽타주), 소노리즘(특이한 음색의 이질적인 음악적 소리의 몽타주), 알레토릭(우연의 원리에 따른 개별 소리 또는 음악 형식 섹션의 조합) ). 전위주의는 원칙적으로 작품에서 쁘띠 부르주아의 분위기를 표현합니다. 개인주의, 무정부주의 또는 정교한 미학.

M. 20세기 세계의 특징. – 새로운 삶에 대한 각성과 뮤즈의 집중적인 성장. 아시아, 아프리카, 위도의 개발 도상국의 문화. 미국, 유럽 문화와의 상호 작용 및 화해. 유형. 이러한 과정에는 한편으로 서유럽의 평준화 영향에 대항하는 진보적인 음악가들의 날카로운 투쟁이 수반됩니다. 그리고 북미. 엘리트주의와 사이비 대중 M.은 코스모폴리타니즘에 감염되고 다른 한편으로는 반동에 대항합니다. 보전 경향 nat. 흔들리지 않는 형태의 문화. 이러한 문화의 경우 사회주의 국가는 몰도바에서 국가 및 국제 문제를 해결하는 예입니다.

위대한 2월 사회주의자의 승리 이후. 소비에트 국가의 혁명(1939-1945년의 XNUMX차 세계 대전 이후 및 사회주의의 길에 착수한 다른 여러 국가에서), 음악 음악이 형성되었습니다. 근본적으로 새로운 유형의 문화인 사회주의. 그것은 일관되게 민주적이고 전국적인 성격으로 구별됩니다. 사회주의 국가들에는 광범위하고 파급된 대중 음악 네트워크가 형성되었습니다. 기관(극장, 필하모닉 협회, 교육 기관 등), 뮤지컬 및 미학을 공연하는 오페라 및 콘서트 그룹. 전 국민의 계몽과 교육. 교수와 협력하여. 소송은 대중 음악을 개발합니다. 아마추어 공연 및 민속 형태의 창의성과 공연. 모든 국가와 국적을 포함합니다. 이전에 작곡한 적이 없습니다. 문화를 통해 사람들의 원래 특징을 완전히 드러내고 개발할 기회를 얻었습니다. M. 동시에 세계 최고 수준의 교수에 합류하십시오. 예술, 오페라, 발레, 교향곡, 오라토리오와 같은 장르를 마스터합니다. 국가 음악 문화는 인력, 창의적인 아이디어 및 성과를 교환하여 서로 적극적으로 상호 작용하여 긴밀한 결집으로 이어집니다.

월드뮤직의 주역. 20세기 주장. 올빼미에 속합니다. M. 많은 뛰어난 작곡가들이 등장했습니다(러시아인 포함 - N. Ya. Myaskovsky, Yu. A. Shaporin, SS Prokofiev, DD Shostakovich, V. Ya. Shebalin, DB Kabalevsky, TN Khrennikov, GV Sviridov, RK Shchedrin, Tatar) – N. Zhiganov, Dagestan – G. Gasanov, Sh. Chalaev, 우크라이나어 – LN Revutsky, BN Lyatoshinsky, 벨로루시 – EK Tikotsky, AV Bogatyrev, Georgian – Sh. Harutyunyan, AA Babadzhanyan, EM Mirzoyan, 아제르바이잔 – K. Karaev, F Amirov, 카자흐스탄어 – EG Brusilovsky, M. Tulebaev, 우즈벡어 – M. Burkhanov, 투르크멘 – V. Mukhatov, 에스토니아어 – E. Kapp, G. Ernesaks, E. Tamberg, 라트비아어 – J. Ivanov, M. Zarin, 리투아니아어 – B. Dvarionas, E. Balsis) 및 연주자(EA Mravinsky, EP Svetlanov, GN Rozhdestvensky, KN Igumnov, VV Sofronitsky, ST Richter, EG Gilels, DF Oistrakh, LB Kogan, LV Sobinov, AV Nezhdan ova, IS Kozlovsky , S. Ya. Lemeshev, ZA Dolukhanova), 음악학자(BV Asafiev) 및 기타 음악. 수치.

이념적이고 미학적입니다. 올빼미의 기초. 수학은 다양한 장르, 양식 및 개인 매너를 제공하는 사회주의 리얼리즘의 방법인 예술에서의 당파와 국적의 원리로 구성됩니다. 올빼미 M.에서 새로운 삶, 많은 전통을 찾았습니다. 음악 장르. 오페라, 발레, 교향곡, 고전을 유지합니다. 크고 기념비적 인 형태 (대부분 서양에서 잃어버린)는 혁명과 근대성의 주제의 영향으로 내부에서 업데이트되었습니다. 역사적 혁명을 기반으로. 그리고 사람들 - 애국심. 테마 꽃이 만발한 합창단. 그리고 wok.-symp. M. (오라토리오, 칸타타, 시). 올빼미. 시(고전 및 민속과 함께)는 로맨스 장르의 발전을 자극했습니다. 새로운 장르의 프로. 작곡의 창의성은 대중적이고 일상적인 노래였습니다(AV Aleksandrov, AG Novikov, AA Davidenko, Dm. Ya. 및 Dan. Ya. Pokrassy, ​​IO Dunaevsky, VG Zakharov, MI Blanter, VP Solovyov-Sedoy, VI Muradeli, BA Mokrousov, AI Ostrovsky, AN Pakhmutova, AP Petrov). 올빼미. 이 노래는 나르의 삶과 투쟁에서 큰 역할을 했습니다. 대중과 다른 뮤즈들에게 강한 영향을 미쳤다. 장르. 모든 뮤즈에서. 소련 사람들의 문화는 현대를 받았습니다. 민속 전통의 굴절과 발전, 동시에 사회주의를 기반으로합니다. 콘텐츠가 풍부해지고 변형되었습니다. 많은 새로운 억양과 기타 표현 수단을 흡수한 스타일.

수단. 음악 구성의 성공. 다른 사회주의 국가에서도 문화가 이루어졌으며, 많은 뛰어난 작곡가들이 작업하고 계속 작업하고 있습니다(GDR-H. Eisler 및 P. Dessau, 폴란드-V. Lutoslawski, 불가리아-P. Vladigerov 및 L. Pipkov, 헝가리-Z). Kodály, F. Sabo, 체코슬로바키아 – V. Dobiash, E. Suchon).

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