음악문학을 기반으로 한 작품 분석

지난 기사에서 우리는 연극을 전문 수업에 가져오기 전에 분해하는 방법에 대해 이야기했습니다. 해당 자료의 링크는 포스팅 마지막 부분에 있습니다. 오늘 우리의 초점은 음악 분석에도 있지만 음악 문학 수업만 준비할 것입니다.

먼저 몇 가지 일반적인 기본 사항을 강조한 다음 특정 유형의 음악 작품(예: 오페라, 교향곡, 성악 사이클 등)을 분석하는 기능을 고려해 보겠습니다.

따라서 우리는 음악을 분석할 때마다 최소한 다음 사항에 대한 답을 준비해야 합니다.

• 음악 작품의 정확한 전체 제목(또한 여기에: 제목이나 문학적 설명 형식의 프로그램이 있습니까?)
• 음악 작가의 이름(작곡가가 한 명일 수도 있고, 작곡이 집단적인 경우 여러 명이 있을 수도 있음)
• 텍스트 저자의 이름(오페라에서는 여러 사람이 동시에 대본을 작업하는 경우가 많으며 때로는 작곡가 자신이 텍스트의 저자가 될 수도 있음)
• 작품은 어떤 음악 장르로 쓰여졌나요(오페라인가요, 발레인가요, 교향곡인가요, 아니면 무엇인가요?);
• 작곡가의 전체 작품 규모에서 이 작품의 위치(작가가 동일한 장르의 다른 작품을 가지고 있는지, 문제의 작품이 다른 작품과 어떤 관련이 있는지 - 혁신적일 수도 있고 창의성의 정점일 수도 있음) ;
• 이 작품이 음악이 아닌 주요 소스에 기반을 두고 있는지 여부(예: 책, 시, 그림의 줄거리를 기반으로 작성되었거나 역사적 사건 등에서 영감을 받아 작성되었음)
• 작품에 포함된 부분의 수와 각 부분이 어떻게 구성되어 있는지;
• 작곡(오케스트라, 앙상블, 클라리넷 솔로, 성악 및 피아노 등을 위해 작성된 악기 또는 성악) 연주
• 주요 음악 이미지(또는 캐릭터, 영웅)와 테마(물론 뮤지컬)입니다.

 이제 특정 유형의 음악 작품 분석과 관련된 기능으로 넘어 갑시다. 너무 얕게 퍼지지 않기 위해 오페라와 교향곡이라는 두 가지 경우에 집중하겠습니다.

오페라 분석의 특징

오페라는 연극 작품이므로 연극 무대의 법칙을 크게 따릅니다. 오페라에는 거의 항상 줄거리가 있고 최소한의 극적인 액션이 포함됩니다(때때로 최소한은 아니지만 매우 괜찮은 수준). 오페라는 등장인물이 등장하는 공연으로 상연된다. 공연 자체는 액션, 사진, 장면으로 구분됩니다.

따라서 오페라 작곡을 분석할 때 고려해야 할 몇 가지 사항은 다음과 같습니다.

1. 오페라 대본과 문학적 출처(있는 경우) 사이의 연결 – 때로는 서로 다르고 매우 강력하며 때로는 출처의 텍스트가 전체 또는 단편적으로 변경되지 않고 오페라에 포함됩니다.
2. 행동과 그림으로의 분할 (둘 다의 수), 프롤로그 또는 에필로그와 같은 부분의 존재;
3. 각 막의 구조 – 숫자가 서로 이어지는 전통적인 오페라 형식(아리아, 이중창, 합창 등)이 우세하거나, 막과 장면이 원칙적으로 별도의 숫자로 나눌 수 없는 엔드투엔드 장면을 나타냅니다. ;
4. 캐릭터와 그들의 노래하는 목소리 – 이것만 알면 됩니다.
5. 주인공의 이미지가 어떻게 드러나는가 – 그들이 어떤 행동과 그림에 참여하고, 무엇을 노래하는지, 음악적으로 어떻게 묘사되는지;
6. 오페라의 극적인 기초 - 줄거리가 어디서 어떻게 시작되는지, 발전 단계는 무엇인지, 어떤 행동에서 그리고 어떻게 결말이 발생하는지;
7. 오페라의 관현악 번호 – 서곡이나 도입부, 휴식 시간, 인터메조 및 기타 관현악의 순수 악기 에피소드가 있는지 – 어떤 역할을 하는지(종종 액션을 소개하는 음악 그림입니다. 예를 들어 음악적 풍경, 명절 사진, 군인 행진곡 또는 장례식 행진곡 등);
8. 오페라에서 합창단은 어떤 역할을 하는가(예를 들어, 합창단이 동작에 대해 논평하는가, 아니면 일상 생활 방식을 보여주는 수단으로만 나타나는가, 또는 합창단 예술가들이 동작의 전반적인 결과에 큰 영향을 미치는 중요한 대사를 발음하는가) , 또는 합창단이 끊임없이 무언가를 칭찬하거나 일반적으로 오페라가 없는 합창 장면 등);
9. 오페라에 댄스 번호가 있는지 여부 – 오페라에 발레를 도입한 이유와 동작은 무엇입니까?
10. 오페라에는 라이트모티프가 있습니까? 그것은 무엇이며 무엇을 특징짓는가(어떤 영웅, 어떤 대상, 어떤 감정이나 상태, 어떤 자연 현상 또는 다른 것?).

 이는 이 경우 음악 작품 분석을 완료하기 위해 알아내야 할 사항의 전체 목록이 아닙니다. 이 모든 질문에 대한 답을 어디서 얻을 수 있나요? 우선, 오페라의 클라비어, 즉 음악 텍스트에서. 둘째, 오페라 대본의 간략한 요약을 읽을 수 있고, 셋째, 책에서 많은 것을 배울 수 있습니다. 음악 문학에 관한 교과서를 읽어보세요!

교향곡 분석의 특징

어떤 면에서는 교향곡이 오페라보다 이해하기 더 쉽습니다. 여기에는 음악 자료가 훨씬 적고(오페라는 2~3시간, 교향곡은 20~50분), 서로 구별해야 하는 수많은 라이트모티프를 가진 캐릭터도 없습니다. 그러나 교향악 작품의 분석에는 여전히 고유한 특성이 있습니다.

일반적으로 교향곡은 4악장으로 구성됩니다. 교향곡의 부분 순서에는 두 가지 옵션이 있습니다. 즉, 클래식 유형과 낭만주의 유형이 있습니다. 느린 부분과 소위 장르 부분의 위치가 다릅니다 (클래식 교향곡에는 미뉴에트 또는 스케르초가 있고, 낭만적인 교향곡에는 스케르초, ​​때로는 왈츠가 있습니다). 다이어그램을보십시오 :

각 부분의 일반적인 음악 형식은 다이어그램의 괄호 안에 표시되어 있습니다. 음악 작품을 완전히 분석하려면 형식을 결정해야 하므로 이 문제에 도움이 될 정보가 있는 "음악 작품의 기본 형식" 기사를 읽어보세요.

때때로 파트 수가 다를 수 있습니다(예를 들어 베를리오즈의 "환상적인" 교향곡은 5개 파트, 스크리아빈의 "신성한 시"는 3개 파트, 슈베르트의 "미완성" 교향곡은 2개, 21악장 교향곡도 있습니다. 예를 들어, Myaskovsky의 XNUMX번째 교향곡) . 물론 이는 비표준 주기이며 부품 수의 변경은 작곡가의 예술적 의도의 일부 특징(예: 프로그램 콘텐츠)으로 인해 발생합니다.

교향곡을 분석하는 데 중요한 것은 무엇입니까?

1. 교향악 주기의 유형(클래식, 낭만주의 또는 독특한 것)을 결정합니다.
2. 교향곡의 주요 음조(첫 번째 악장의 경우)와 각 악장의 음조를 개별적으로 결정합니다.
3. 작품의 각 주요 주제에 대한 비유적이고 음악적인 내용을 특성화합니다.
4. 각 부분의 모양을 결정합니다.
5. 소나타 형식에서는 제시부와 재현부에서 주요 부분과 보조 부분의 조성을 결정하고 동일한 부분에서 이들 부분의 소리 차이를 찾습니다(예를 들어 주요 부분은 사용자가 인식할 수 없을 정도로 모양이 바뀔 수 있습니다). 재생 시간 또는 전혀 변경되지 않을 수 있음)
6. 부분들 사이에 주제별 연결이 있는 경우 이를 찾아 보여줄 수 있습니다(한 부분에서 다른 부분으로 이동하는 주제가 있습니까? 어떻게 변경됩니까?).
7. 오케스트레이션을 분석합니다(현악기, 목관악기 또는 금관악기 중 어떤 음색이 주요 음색입니까?).
8. 전체 사이클의 전개에서 각 부분의 역할을 결정합니다(어떤 부분이 가장 극적인지, 어떤 부분이 가사나 반성으로 제시되는지, 어떤 부분에서 다른 주제에 주의가 산만해지는지, 마지막에 어떤 결론이 요약됩니까? );
9. 작품에 음악적 인용문이 포함되어 있으면 어떤 종류의 인용문인지 확인합니다. 등.

 물론 이 목록은 무한정 계속될 수 있습니다. 최소한 가장 단순하고 기본적인 정보를 가지고 작품에 관해 이야기할 수 있어야 합니다. 아무것도 없는 것보다는 낫습니다. 그리고 음악에 대한 자세한 분석 여부에 관계없이 스스로 설정해야 할 가장 중요한 작업은 음악을 직접 아는 것입니다.

결론적으로, 약속한 대로 성능 분석에 관해 이야기했던 이전 자료에 대한 링크를 제공합니다. 이번 글은 “전문분야별 음악작품 분석” 입니다.