전문 분야별 음악 작품 분석

이 기사에서는 음악 학교에서 전문 수업을 준비하는 방법과 교사가 음악 분석을 숙제로 내줄 때 학생에게 무엇을 기대하는지에 대해 이야기하겠습니다.

그렇다면 음악을 분해한다는 것은 무엇을 의미합니까? 이는 주저함 없이 음표에 따라 침착하게 연주하기 시작한다는 의미입니다. 물론 이렇게하려면 연극을 한 번만보고 시력을 읽는 것만으로는 충분하지 않으며 무언가를 해결해야합니다. 모든 것이 어디에서 시작됩니까?

1단계. 예비 지인

우선, 우리가 연주하려는 작곡의 일반적인 용어에 익숙해져야 합니다. 일반적으로 학생들은 페이지 수를 먼저 세는 것이 재미있습니다. 그러나 한편으로는 이것은 업무에 대한 비즈니스 접근 방식입니다. 따라서 페이지 계산에 익숙하다면 페이지를 세어보세요. 그러나 초기 지인은 이에 국한되지 않습니다.

음표를 넘기면서 곡에 반복이 있는지 확인할 수도 있습니다(음악 그래픽은 맨 처음의 그래픽과 유사합니다). 일반적으로 대부분의 연극에는 반복이 있지만 항상 즉시 눈에 띄는 것은 아닙니다. 연극에 반복이 있다는 것을 알면 우리의 삶이 더 편해지고 기분이 눈에 띄게 좋아집니다. 물론 이것은 농담입니다! 항상 기분이 좋아야 해요!

Step 2. 분위기, 이미지, 장르 정하기

다음으로 제목과 저자의성에 특별한주의를 기울여야합니다. 그리고 이제 웃을 필요가 없습니다! 불행하게도 너무 많은 젊은 음악가들이 자신들이 연주하는 곡의 이름을 물어보면 깜짝 놀라곤 합니다. 아니, 이것은 연습곡, 소나타, 희곡이라고 합니다. 그러나 소나타, 연습곡, 희곡은 일부 작곡가에 의해 작곡되었으며, 이러한 소나타, 희곡이 포함된 연습곡에는 제목이 있는 경우도 있습니다.

그리고 제목은 음악가인 우리에게 악보 뒤에 어떤 음악이 숨겨져 있는지 알려줍니다. 예를 들어, 이름으로 주요 분위기, 주제, 비유적이고 예술적인 내용을 결정할 수 있습니다. 예를 들어, 'Autumn Rain'과 'Flowers in the Meadow'라는 제목을 통해 우리는 자연에 관한 작품을 다루고 있음을 이해합니다. 그러나 연극이 "The Horseman"또는 "The Snow Maiden"이라고 불린다면 여기에는 분명히 일종의 음악적 초상화가 있습니다.

때로는 제목에 일부 음악 장르에 대한 표시가 포함되는 경우가 많습니다. "주요 음악 장르" 기사에서 장르에 대해 더 자세히 읽을 수 있지만 이제 대답해 보세요. 군인의 행진곡과 서정적 왈츠는 같은 음악이 아니죠?

행진곡과 왈츠는 그 나름의 특징을 지닌 장르의 예일 뿐입니다(그런데 소나타와 에튀드도 장르입니다). 행진곡이 왈츠 음악과 어떻게 다른지 잘 아실 겁니다. 따라서 한 음을 연주하지 않고도 제목을 제대로 읽는 것만으로도 연주하려는 곡에 대해 이미 말할 수 있습니다.

음악의 성격과 분위기를 보다 정확하게 파악하고, 장르적 특징을 느끼기 위해서는 해당 음악의 녹음본을 찾아 손에 음표를 쥐거나 쥐지 않고 들어보는 것이 좋습니다. 동시에, 주어진 작품이 어떻게 소리를 내야 하는지 배우게 됩니다.

3단계. 음악 텍스트의 기본 분석

여기에서는 모든 것이 간단합니다. 항상 해야 할 세 가지 기본 작업은 다음과 같습니다. 키를 살펴보세요. 주요 기호로 색조를 결정합니다. 템포와 박자표를 보세요.

경험 많은 전문가들 사이에서도 모든 것을 보고 낙서를 하지만 음표 자체만 보고 키나 기호에는 주의를 기울이지 않는 그런 아마추어가 있다는 것입니다… 그리고 그들은 왜 없는지 궁금해합니다. 손가락에서 나오는 것은 아름다운 멜로디가 아니라 일종의 연속적인 불협화음입니다. 그러지 마세요, 알았죠?

그건 그렇고, 첫째, 음악 이론에 대한 자신의 지식과 solfeggio 경험은 주요 기호로 음조를 결정하는 데 도움이 될 수 있으며, 둘째, 5분의 1의 원 또는 음조 온도계와 같은 유용한 치트 시트를 사용할 수 있습니다. 계속 진행합시다.

4단계. 최대한 눈에 보이는 상태에서 곡을 연주합니다.

반복합니다. 악보에서 가능한 한 최선을 다해 양손으로 똑바로 연주하세요(피아니스트인 경우). 가장 중요한 것은 아무것도 놓치지 않고 끝까지 도달하는 것입니다. 실수, 일시정지, 반복 및 기타 장애가 발생하도록 놔두세요. 여러분의 목표는 모든 음을 어리석게 연주하는 것입니다.

이것은 정말 마법 같은 의식입니다! 사건은 확실히 성공할 것이지만, 결과가 좋지 않더라도 전체 연극을 처음부터 끝까지 플레이해야만 성공이 시작됩니다. 괜찮아요 – 두 번째는 더 좋을 거예요!

처음부터 끝까지 지는 것이 필요하지만, 대부분의 학생들처럼 거기서 멈출 필요는 없습니다. 이 "학생들"은 그들이 방금 연극을 마쳤고 그게 전부라고 생각합니다. 이런 건 없어요! 단 한 명의 환자 재생도 유용하지만 여기서부터 주요 작업이 시작된다는 점을 이해해야 합니다.

5단계. 텍스처 유형을 결정하고 조각을 일괄 학습합니다.

질감은 작품을 표현하는 방식이다. 이 질문은 순전히 기술적입니다. 우리가 손으로 작품을 만졌을 때 질감과 관련된 이런저런 어려움이 있다는 것이 분명해졌습니다.

일반적인 유형의 질감: 다성(다성음악은 매우 어렵습니다. 별도의 손으로 연주할 뿐만 아니라 각 음성을 별도로 배워야 합니다.) 화음(화음도 배워야 하며, 특히 빠른 속도로 진행하는 경우) 악절(예를 들어 연습곡에는 빠른 음계나 아르페지오가 있습니다. 각 악절도 별도로 살펴봅니다.) 멜로디 + 반주 (물론 멜로디도 따로 배우고, 반주도 무엇이든 따로 살펴봅니다).

개인의 손으로 노는 것을 결코 게을리하지 마십시오. 오른손과 왼손을 따로 연주하는 것(피아니스트라면 다시 말하지만)은 매우 중요합니다. 세부 사항을 해결해야만 좋은 결과를 얻을 수 있습니다.

6단계. 운지법 및 기술 연습

전문 분야의 음악에 대한 일반적인 "평균" 분석은 운지법 분석 없이는 절대 수행할 수 없습니다. 바로 엄지손가락을 치켜세우세요(유혹에 굴복하지 마세요). 올바른 운지법은 텍스트를 더 빨리 외우고 더 적은 횟수로 연주하는 데 도움이 됩니다.

우리는 모든 어려운 부분, 특히 스케일과 아르페지오 같은 진행이 있는 곳에서 올바른 손가락을 결정합니다. 여기서는 주어진 악절이 어떻게 구성되어 있는지(어떤 음계의 소리나 어떤 코드의 소리, 예를 들어 3화음의 소리로) 원리를 간단히 이해하는 것이 중요합니다. 다음으로, 전체 구절을 세그먼트(각 세그먼트 – 피아노에 대해 이야기하는 경우 첫 번째 손가락을 움직이기 전)로 나누고 키보드에서 이러한 세그먼트 위치를 보는 방법을 배워야 합니다. 그런데 이렇게 하면 텍스트를 기억하기가 더 쉽습니다!

예, 피아니스트에 대해 우리는 모두 무엇입니까? 그리고 다른 음악가들도 비슷한 일을 해야 합니다. 예를 들어, 금관 연주자는 레슨에서 연주를 시뮬레이션하는 기술을 자주 사용합니다. 즉, 운지법을 배우고 적시에 적절한 밸브를 누르지만 악기의 마우스피스에 공기를 불어넣지는 않습니다. 이는 기술적 어려움에 대처하는 데 큰 도움이 됩니다. 그래도 빠르고 깔끔한 플레이는 연습이 필요합니다.

7단계. 리듬 작업

음, 잘못된 리듬으로 곡을 연주하는 것은 불가능합니다. 선생님은 당신이 좋아하든 원하지 않든 올바르게 연주하는 법을 배워야 한다고 여전히 맹세할 것입니다. 우리는 다음과 같은 조언을 드릴 수 있습니다: 클래식 – 카운트를 큰 소리로 연주(1학년처럼 – 항상 도움이 됩니다); 메트로놈으로 연주하십시오(리듬 그리드를 설정하고 그 그리드에서 벗어나지 마십시오). 작은 리듬의 펄스(예를 들어 8분음표 – 타타 또는 16분음표 – 타타타타)를 스스로 선택하고 이 펄스가 어떻게 곡에 스며들고, 어떻게 전체 곡을 채우는지에 대한 느낌으로 전체 곡을 연주합니다. 선택한 단위보다 지속 시간이 긴 음표; 강한 비트에 중점을 두고 연주합니다. 마지막 비트를 신축성 있는 밴드처럼 조금 늘려서 연주하세요. 모든 종류의 삼중음, 점선 리듬 및 당김음을 계산하는 데 게으르지 마십시오.

8단계. 멜로디와 프레이징 작업

멜로디는 표현력 있게 연주되어야 합니다. (20세기 일부 작곡가의 작품에서) 멜로디가 이상해 보인다면 괜찮습니다. 멜로디를 좋아하고 사탕을 만들어 보세요. 그녀는 아름답습니다 – 정말 특이합니다.

멜로디를 일련의 소리로 연주하는 것이 아니라 멜로디, 즉 일련의 의미있는 프레이즈로 연주하는 것이 중요합니다. 텍스트에 구문 라인이 있는지 확인하십시오. 우리는 종종 구문의 시작과 끝을 감지할 수 있습니다. 청력이 괜찮다면 자신의 청각으로 쉽게 식별할 수 있습니다.

여기에 말할 수 있는 것이 더 많이 있지만, 음악의 문구는 사람들이 말하는 것과 같다는 것을 당신도 잘 알고 있습니다. 질문과 대답, 질문과 질문의 반복, 대답 없는 질문, 한 사람의 이야기, 권면과 변명, 짧은 '아니오'와 장황한 '예', 이 모든 것은 많은 음악 작품에서 발견된다( 멜로디가 있는 경우). 당신의 임무는 작곡가가 자신의 작품의 음악 텍스트에 넣은 내용을 풀어내는 것입니다.

9단계. 조각 조립하기

단계도 많고 할 일도 너무 많았습니다. 사실, 물론 여러분도 알고 있듯이 개선에는 한계가 없습니다. 하지만 어느 시점에서는 개선을 중단해야 합니다. 연극을 수업에 가져오기 전에 최소한 조금이라도 연극 작업을 했다면 그것은 좋은 일입니다.

음악을 분석하는 주요 작업은 연속적으로 연주하는 방법을 배우는 것이므로 마지막 단계는 항상 곡을 모아서 처음부터 끝까지 연주하는 것입니다.

그렇기 때문에! 전체 곡을 처음부터 끝까지 여러 번 더 연주합니다! 이제 플레이가 눈에 띄게 쉬워졌다는 사실을 아셨나요? 이는 귀하의 목표가 달성되었음을 의미합니다. 수업에 가져가실 수 있어요!

10단계. 곡예비행

이 작업에는 두 가지 곡예비행 옵션이 있습니다. 첫 번째는 텍스트를 암기하는 것입니다(이것이 실제이기 때문에 실제가 아니라고 생각할 필요는 없습니다). 두 번째는 작업의 형태를 결정하는 것입니다. 형태는 작품의 구조이다. 주요 형식에 대한 별도의 기사인 "가장 일반적인 형식의 음악 작품"이 있습니다.

소나타를 연주하는 경우 형식 작업에 특히 유용합니다. 왜? 소나타 형식에는 주요 부분과 보조 부분, 즉 한 작품에 두 개의 비유적 영역이 있기 때문입니다. 당신은 그것들을 찾고, 그것들의 시작과 끝을 결정하고, 전시와 재현에서 그것들 각각의 행동을 연관시키는 법을 배워야 합니다.

작품의 전개 부분이나 중간 부분을 여러 부분으로 나누는 것도 항상 유용합니다. 예를 들어, 두 개 또는 세 개의 섹션으로 구성될 수 있으며 서로 다른 원리에 따라 구성될 수 있습니다. 하나에는 새로운 멜로디가 있을 수 있고 다른 하나에는 이미 들었던 멜로디의 전개가 있을 수 있으며 세 번째에는 전적으로 음계와 아르페지오로 구성될 수 있습니다. 등.

그래서 우리는 연주의 관점에서 음악을 분석하는 것과 같은 문제를 고려했습니다. 편의상 우리는 전체 과정을 목표를 향한 10단계로 상상했습니다. 다음 기사에서는 음악 작품을 분석하는 주제도 다룰 것입니다. 그러나 음악 문학에 대한 수업을 준비하는 방식은 다릅니다.