바로크 음악 문화: 미학, 예술적 이미지, 장르, 음악 스타일, 작곡가

바흐와 헨델이 탄생한 시대를 '기묘하다'고 불렀다는 사실을 알고 계셨나요? 더욱이 그들은 긍정적인 맥락에서 부름을 받은 것이 아니다. “불규칙한(기괴한) 모양의 진주”는 “바로크”라는 용어의 의미 중 하나입니다. 그럼에도 불구하고 르네상스의 이상의 관점에서 볼 때 새로운 문화는 잘못된 것입니다. 조화, 단순성 및 명확성은 부조화, 복잡한 이미지 및 형태로 대체되었습니다.

바로크 미학

바로크 음악 문화는 아름다움과 추함, 비극과 희극을 결합했습니다. 르네상스의 자연스러움을 대체하는 "불규칙한 아름다움"이 "트렌드"였습니다. 세상은 더 이상 전체론적으로 보이지 않고 대조와 모순의 세계, 비극과 드라마로 가득 찬 세계로 인식되었습니다. 그러나 이에 대한 역사적 설명이 있습니다.

바로크 시대는 150년부터 1600년까지 약 1750년에 걸쳐 진행됩니다. 이때는 위대한 지리적 발견의 시기(콜럼버스의 아메리카 발견과 마젤란의 세계 일주를 기억하세요), 갈릴레오, 코페르니쿠스, 뉴턴의 눈부신 과학적 발견의 시기입니다. 유럽에서 끔찍한 전쟁이 벌어지던 시대. 세상의 조화가 우리 눈앞에서 무너지고 있었고, 우주 자체의 그림이 변하고 있듯이 시간과 공간의 개념도 변하고 있었습니다.

바로크 장르

허세에 대한 새로운 패션은 새로운 형태와 장르를 탄생시켰습니다. 인간이 경험하는 복잡한 세계를 전달할 수 있었다 운영, 주로 생생한 감성 아리아를 통해. 최초의 오페라의 아버지는 야코포 페리(오페라 에우리디케)로 여겨지지만, 오페라가 클라우디오 몬테베르디(오르페우스)의 작품에서 구체화된 장르였습니다. 바로크 오페라 장르의 가장 유명한 이름 중에는 A. Scarlatti(오페라 “카이사르가 된 네로”), GF Telemann(“마리오”), G. 퍼셀(“디도와 아이네아스”), J.-B 등이 있습니다. . Lully(“Armide”), GF Handel(“Julius Caesar”), GB Pergolesi(“The Maid -madam”), A. Vivaldi(“Farnak”).

거의 오페라와 비슷하지만 풍경과 의상만 없고 종교적인 줄거리만 있고, 웅변 바로크 장르의 계층 구조에서 중요한 위치를 차지했습니다. 오라토리오와 같은 높은 정신적 장르는 인간 감정의 깊이도 전달했습니다. 가장 유명한 바로크 오라토리오는 GF Handel(“Messiah”)이 작곡했습니다.

성스러운 음악 장르 중에는 성스러운 음악도 인기가 많았습니다. 칸타타 и 열정 (열정은 "열정"입니다. 요점은 아닐 수도 있지만, 만약을 대비해 러시아어로 "열정적으로"를 의미하는 appassionato라는 뿌리 음악 용어를 기억해 봅시다). 여기 손바닥은 JS Bach(“St. Matthew Passion”)의 것입니다.

이 시대의 또 다른 주요 장르 - 음악회. 날카로운 대조의 연주, 솔리스트와 오케스트라 사이의 경쟁(), 또는 오케스트라의 서로 다른 그룹(장르) 사이의 경쟁은 바로크의 미학과 잘 어울렸습니다. Maestro A. Vivaldi(“The Seasons”)가 이곳을 통치합니다. 바흐 "브라덴부르크 협주곡"), GF Handel 및 A. Corelli(협주곡 그로소).

서로 다른 부분을 번갈아 사용하는 대조 원리는 콘서트 장르에서만 발전한 것이 아닙니다. 기초를 형성했어요 소나타 (D. Scarlatti), 스위트룸과 파르티타스 (JS 바흐). 이 원리는 이전에도 존재했지만 바로크 시대에만 무작위성을 멈추고 질서 있는 형태를 얻었습니다.

바로크 음악 문화의 주요 대조 중 하나는 시간의 상징으로서의 혼돈과 질서입니다. 삶과 죽음의 무작위성, 운명의 통제 불가능성, 그리고 동시에 “합리성”의 승리가 모든 것의 질서입니다. 이 이율배반은 음악 장르에서 가장 명확하게 전달되었습니다. 애무 (토카타, 환상) and 관절. IS 바흐는 이 장르에서 탁월한 걸작을 창조했습니다(평균율 클라비어의 전주곡과 푸가, 토카타 및 푸가 D단조).

우리의 리뷰에서 다음과 같이 바로크 양식의 대조는 장르 규모에서도 나타났습니다. 방대한 구성과 함께 간결한 작품도 만들어졌습니다.

바로크 음악의 언어

바로크 시대는 새로운 글쓰기 스타일의 발전에 기여했습니다. 음악계에 입성하다 동음이의 주성부와 동반성부로 구분됩니다.

특히, 동음이의 인기는 교회가 영적 작곡에 대한 특별한 요구 사항을 가지고 있다는 사실에도 기인합니다. 모든 단어는 읽을 수 있어야 합니다. 따라서 보컬이 전면에 등장하여 수많은 음악적 장식을 얻었습니다. 허세에 대한 바로크 경향은 여기에서도 나타났습니다.

기악도 장식이 풍부했다. 이와 관련해 널리 퍼진 즉흥 연주: 바로크 시대에 발견된 오스티나토(즉, 반복적이고 변하지 않는) 베이스는 주어진 화성 계열에 대한 상상의 여지를 제공했습니다. 성악에서는 긴 종지율과 우아한 음표 및 트릴의 연속이 오페라 아리아를 장식하는 경우가 많습니다.

그와 동시에 꽃피웠어요 다음, 그러나 완전히 다른 방향입니다. 바로크 다성음악은 대위법의 발전인 자유형 다성음악이다.

음악 언어 발전의 중요한 단계는 단련 시스템의 채택과 음조 형성이었습니다. 메이저와 마이너라는 두 가지 주요 모드가 명확하게 정의되었습니다.

이론에 영향을 미침

바로크 시대의 음악은 인간의 열정을 표현하는 역할을 했기 때문에 작곡의 목표가 수정되었습니다. 이제 각 구성은 감정, 즉 특정 정신 상태와 연관되었습니다. 정서 이론은 새로운 것이 아닙니다. 그것은 고대로 거슬러 올라갑니다. 그러나 바로크 시대에는 널리 보급되었습니다.

분노, 슬픔, 환희, 사랑, 겸손 등 이러한 영향은 작곡의 음악적 언어와 관련이 있습니다. 따라서 기쁨과 즐거움의 완벽한 감정은 3도, 4도, 5도의 사용과 유창한 템포, 3분음표를 사용하여 표현되었습니다. 오히려 불협화음, 반음계, 느린 템포 등을 포함시켜 슬픔의 정서를 구현했다.

심술궂은 E플랫 장조와 심술궂은 E플랫 장조가 애처로운 A단조와 온화한 G장조에 반대되는 음조의 정서적 특성화도 있었습니다.

구속 대신…

바로크 시대의 음악 문화는 이후 고전주의 시대의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 그리고 이 시대뿐만이 아닙니다. 오늘날까지도 인기를 끌고 있는 오페라와 콘서트 장르에서는 지금도 바로크 양식의 울림을 들을 수 있다. 바흐 음악의 인용문은 헤비한 록 솔로에서 나타나고, 팝송은 대부분 바로크 "황금 시퀀스"에 기반을 두고 있으며, 재즈는 어느 정도 즉흥 연주 기술을 채택했습니다.

그리고 더 이상 바로크 양식을 "이상한" 스타일로 간주하는 사람이 없으며, 바로크 양식의 정말 귀중한 진주에 감탄합니다. 비록 모양은 이상하지만.