보리스 요페 |

보리스 요페

작곡가, 바이올리니스트, 지휘자 및 교사인 Boris Yoff의 작품은 물론 학문적 음악을 사랑하는 사람들의 특별한 관심을 받을 만하며 현대 작곡가 사상의 가장 좋은 예에 속합니다. 작곡가로서의 Joff의 성공은 누가 그의 음악을 연주하고 녹음했는지에 따라 판단할 수 있습니다. Hilliard Ensemble, Rosamunde Quartet, Patricia Kopachinskaya, Konstantin Lifshits, Ivan Sokolov, Kolya Lessing, Reto Bieri, Augustine Wiedemann 및 기타 많은 사람들과 같이 Yoffe 음악의 잘 알려진 연주자의 불완전한 목록이 있습니다. Manfred Aicher는 그의 ECM 레이블인 Boris Yoffe의 CD Song of Songs를 Hilliard Ensemble와 Rosamunde Quartet이 연주했습니다. Wolfgang Rihm은 Joffe의 작업을 반복적으로 칭찬했으며 Song of Songs 디스크의 소책자에 대한 텍스트의 일부를 썼습니다. 올해 XNUMX월, 볼케 출판사는 보리스 조페(Boris Joffe)의 “음악적 의미”(“Musikalischer Sinn”)의 글과 에세이를 독일어로 출판했습니다.

Joff는 꽤 성공적인 작곡가로 간주될 수 있는 것 같으며, 그의 음악이 종종 많은 사람들에게 들리고 알려져 있다고 생각할 수도 있습니다. 실제 상황을 살펴보자. Yoff의 음악은 현대 음악 페스티벌에서 많이 연주되나요? 아니요, 전혀 들리지 않습니다. 왜, 나는 아래에서 대답하려고 노력할 것입니다. 라디오에서 얼마나 자주 재생됩니까? 예, 때때로 유럽, 특히 "Song of Songs"에서 – Boris Yoff의 작업에 완전히 전념하는 프로그램은 거의 없었습니다(이스라엘 제외). 콘서트가 많나요? 독일, 스위스, 프랑스, ​​오스트리아, 미국, 이스라엘, 러시아 등 다양한 국가에서 요페의 음악을 감상할 수 있었던 음악가들 덕분에 일어나고 있습니다. 하지만 이들 뮤지션들은 스스로 '프로듀서' 역할을 해야 했다.

Boris Yoff의 음악은 아직 잘 알려지지 않았으며 아마도 명성을 얻게 될 것입니다. 동시대 사람들에 의해). Joffe의 음악과 개성을 열정적으로 감상하는 음악가, 특히 바이올리니스트 Patricia Kopatchinskaya, 피아니스트 Konstantin Lifshitz 및 기타리스트 Augustin Wiedenman은 콘서트와 녹음에서 그의 음악을 자신의 예술로 주장하지만 이것은 수천 번의 콘서트 중 한 방울에 불과합니다.

왜 보리스 요페의 음악이 현대 음악 페스티벌에서 특히 드물게 들리는가 하는 질문에 답을 하고자 합니다.

문제는 요페의 작업이 어떤 틀과 방향에도 맞지 않는다는 점이다. 여기서 Boris Yoff의 "사중주 책"의 주요 작업과 창조적 발견에 대해 즉시 말할 필요가 있습니다. 90년대 중반부터 그는 템포, 다이내믹하거나 고고한 표시 없이 한 장의 음악에 맞는 XNUMX중주 곡으로 매일 글을 쓰고 있습니다. 이 연극의 장르는 "시"로 정의할 수 있습니다. 시와 마찬가지로 각 곡은 연주가 아니라 읽어야 합니다(즉, 음악가는 음악에서 템포, 아고직 및 다이내믹스를 결정해야 함). 나는 현대 음악에서 그런 종류의 것을 알지 못하지만(알레토릭은 계산하지 않음), 고대 음악에서는 항상 그렇습니다(바흐의 푸가 예술에는 템포와 다이내믹스는 말할 것도 없고 악기에 대한 기호조차 없습니다) . 더욱이 Yoffe의 음악을 명확한 문체의 틀에 "밀어내기"는 어렵습니다. 일부 비평가들은 Reger와 Schoenberg(영국 작가이자 대본가인 Paul Griffiths)의 전통에 대해 글을 씁니다. 물론 이것은 매우 이상해 보입니다! – 다른 사람들은 Cage와 Feldman을 회상합니다. – 후자는 특히 미국 비평에서 두드러집니다(Stephen Smolyar). 이것은 Yoff에게서 뭔가 가깝고 개인적인 것을 보는 것입니다. 비평가 중 한 명은 다음과 같이 썼습니다. "이 음악은 음조와 무조조입니다." 청취자는 이러한 비정상적이고 비표준적인 감각을 경험합니다. 이 음악은 Lachenman이나 Fernyhow에서와 마찬가지로 Pärt와 Silvestrov의 "새로운 단순함"과 "빈곤함"과는 거리가 멉니다. 미니멀리즘도 마찬가지다. 그럼에도 불구하고 Joffe의 음악에서는 그 단순함, 새로움, 그리고 일종의 "미니멀리즘"까지도 볼 수 있습니다. 이 음악을 한 번 들으면 더 이상 다른 음악과 혼동될 수 없습니다. 그것은 사람의 성격, 목소리, 얼굴만큼이나 독특합니다.

Boris Yoff의 음악에 없는 것은 무엇입니까? 정치도 없고, "주제적 문제"도 없고, 신문도 일시적인 것도 없습니다. 거기에는 소음과 풍부한 트라이어드가 없습니다. 그러한 음악은 형식과 사고 방식을 결정합니다. 반복합니다. Joff의 음악을 연주하는 음악가는 악보를 읽을 수 있어야 합니다. 연주할 수는 없습니다. 그러한 음악에는 공모가 필요하기 때문입니다. 그러나 듣는 사람도 참여해야 합니다. 그것은 그러한 역설로 밝혀졌습니다. 음악이 강요되지 않고 정상적인 음으로 호흡하는 것처럼 보이지만, 적어도 XNUMX분 XNUMX중주 동안 특히 주의를 기울이고 주의가 산만해지지 않도록 음악을 들어야 합니다. 그렇게 어렵지 않습니다. 큰 전문가가 될 필요도 없고, 기술이나 개념에 대해 생각할 필요도 없습니다. 보리스 요프의 음악을 이해하고 사랑하기 위해서는 음악을 직접적으로 민감하게 듣고 그 음악을 따라갈 수 있어야 합니다.

누군가는 Joffe의 음악을 물에, 다른 음악을 빵에 비유했으며 무엇보다도 삶에 필요한 것에 비유했습니다. 지금은 과한 것도 많고 진미도 많은데 왜 목이 마르고 사막의 생텍쥐페리 같은 기분이 들까? 수천 개의 "시"가 포함된 "사중주곡"은 Boris Yoffe 작업의 중심일 뿐만 아니라 오케스트라, 실내악 및 보컬과 같은 그의 다른 많은 작품의 소스이기도 합니다.

이디시어의 랍비 나흐만(유명한 시인이자 번역가인 Anri Volokhonsky가 대본을 집필)을 기반으로 한 "랍비와 그의 아들 이야기"와 위대한 프랑스인의 원본 텍스트를 기반으로 한 "Esther Racine"의 두 오페라도 구별됩니다. 극작가. 두 작품 모두 실내악 앙상블을 위한 오페라. 한 번도 연주된 적이 없는 "Rabbi"(서론 제외)는 현대 악기와 고대 악기를 서로 다른 조율 방식으로 결합합니다. Esther는 네 명의 독주자와 소규모 바로크 앙상블을 위해 작곡되었습니다. 2006년 Basel에서 상연되었으며 별도로 언급해야 합니다.

"Esther Racina"는 Rameau에 대한 찬사(경의)이지만 동시에 오페라는 양식화되지 않고 고유한 방식으로 쓰여집니다. 에스더와 비교할 수 있는 스트라빈스키의 오이디푸스 렉스 이후로 이런 일은 없었던 것 같다. Stravinsky의 오페라-오라토리오처럼 Esther는 한 음악 시대에 국한되지 않습니다. 두 경우 모두, 저자, 그들의 미학과 음악에 대한 아이디어를 완벽하게 인식할 수 있습니다. 그러나 여기서부터 차이점이 시작됩니다. Stravinsky의 오페라는 일반적으로 Stravinsky가 아닌 음악을 거의 고려하지 않습니다. 그 안에서 더 흥미로운 것은 바로크 전통의 장르에 대한 이해보다 그의 하모니와 리듬에서 비롯된 것이다. 오히려 스트라빈스키는 장르와 형식의 "화석"인 진부한 표현을 사용하여 이러한 조각으로 부수고 만들 수 있습니다(피카소가 그림에서 한 것처럼). 보리스 요프는 그 어떤 것도 깨지지 않는데, 왜냐하면 그에게 이러한 장르와 형식의 바로크 음악은 화석이 아니며 그의 음악을 들으면서 우리는 또한 음악적 전통이 살아 있음을 확신할 수 있기 때문입니다. 이것은 당신에게… 죽은 자의 부활의 기적을 생각나게 하지 않습니까? 보시다시피, 기적의 개념(더욱이 느낌)은 현대인의 삶의 영역 밖에 있습니다. Horowitz의 노트에 포착된 기적은 이제 저속한 것으로 판명되었으며 샤갈의 기적은 순진한 도발입니다. 그리고 모든 것에도 불구하고: Schubert는 Horowitz의 저술에서 살아 있고 빛은 Chagall의 스테인드 글라스 창문을 통해 St. Stephen's 교회를 채웁니다. Joffe의 예술에는 모든 것에도 불구하고 유대 정신과 유럽 음악이 존재합니다. "Esther"는 외형적 특성이나 "광택" 아름다움의 영향이 전혀 없습니다. 라신의 시처럼 음악은 소박하고 우아하지만 이 우아한 금욕 속에서 다양한 표현과 등장인물에 자유가 주어진다. 에스더의 보컬 부분의 곡선은 아름다운 황후, 그녀의 부드럽고 장엄한 어깨에만 속할 수 있습니다 ... Mandelstam처럼 : "... 모두가 가파른 어깨를 가진 축복받은 아내를 노래합니다 ..." 동시에이 곡선에서 우리는 고통, 떨림, 모든 소리를들을 수 있습니다. 온유와 믿음과 사랑의 능력과 속임과 교만과 미움이요. 아마도 인생에서는 그렇지 않을 것이지만 적어도 예술에서는 그것을 보고 들을 것입니다. 그리고 이것은 속임수가 아니며 현실로부터의 도피도 아닙니다. 온유, 믿음, 사랑 – 이것이 바로 인간이며 우리, 사람들에게 포함된 최고의 것입니다. 예술을 사랑하는 사람은 누구나 그 안에서 가장 가치 있고 순수한 것만 보고 싶어하며, 어쨌든 세상에는 흙과 신문이 충분합니다. 그리고 이 값진 것을 온유라고 부르든, 강함이라고 부르든, 아니면 둘 다라고 부르든 상관없습니다. 보리스 요페(Boris Yoffe)는 3막부터 에스더의 독백에서 자신의 아름다움에 대한 생각을 직접 표현했다. 독백의 소재와 음악적 미학이 작곡가의 주요 작품인 '사중주곡'에서 나온 것은 우연이 아닙니다. 작곡가는 자신에게 필요하다고 생각하는 것만 하는 것입니다.

보리스 요페는 21년 1968월 9일 레닌그라드에서 엔지니어 가족으로 태어났습니다. 예술은 Yoffe 가족의 삶에서 중요한 위치를 차지했으며 어린 Boris는 아주 일찍 문학과 음악에 합류할 수 있었습니다(녹음을 통해). 11세에 음악 학교에 다니며 스스로 바이올린을 연주하기 시작했고, 40세에 8분 길이의 첫 번째 XNUMX중주를 작곡했는데, 그 음악은 의미심장함으로 청중을 놀라게 했다. XNUMX 학년 후 Boris Yoff는 바이올린 수업 (ped. Zaitsev)의 음악 학교에 입학했습니다. 비슷한 시기에 Joff에게 중요한 회의가 열렸습니다. 그는 Adam Stratievsky로부터 이론에 대한 개인 레슨을 받기 시작했습니다. Stratievsky는 젊은 음악가를 음악에 대한 새로운 수준의 이해로 이끌었고 많은 실용적인 것들을 가르쳤습니다. Joff는 자신의 엄청난 음악성(민감한 절대 귀, 기억력, 그리고 무엇보다 음악에 대한 식지 않는 사랑, 음악으로 생각하는 것)을 통해 이 만남을 준비했습니다.

그 후 1990년 소련군 복무와 이스라엘 이민이 있었습니다. 텔아비브에서 Boris Yoffe는 음악 아카데미에 입학했습니다. Rubin은 A. Stratievsky와 함께 연구를 계속했습니다. 1995년에 Book of Quartets의 첫 번째 곡이 작곡되었습니다. 그들의 미학은 아직 군대에 있을 때 쓰여진 현악 트리오를 위한 짧은 작품으로 정의되었습니다. 몇 년 후, 1997중주로 된 첫 번째 디스크가 녹음되었습니다. XNUMX년 Boris Joff는 아내와 첫째 딸과 함께 Karlsruhe로 이사했습니다. 그곳에서 그는 볼프강 림과 함께 공부했고, 그곳에서 XNUMX개의 오페라가 작곡되었고 XNUMX개의 디스크가 더 발매되었습니다. Joff는 현재까지 카를스루에에서 거주하며 작업하고 있습니다.