Ludwig (루이스) Spohr |

루이스 스포어

Spohr는 뛰어난 바이올리니스트이자 오페라, 교향곡, 협주곡, 실내악 및 기악 작품을 작곡한 주요 작곡가로 음악사에 입문했습니다. 특히 그의 바이올린 협주곡은 고전 예술과 낭만주의 예술을 연결하는 장르의 발전에 기여했습니다. 오페라 장르에서 Spohr는 Weber, Marschner 및 Lortzing과 함께 독일 국가 전통을 발전시켰습니다.

Spohr의 작업 방향은 낭만적이고 감상적이었습니다. 사실, 그의 첫 번째 바이올린 협주곡은 스타일 면에서 Viotti와 Rode의 클래식 협주곡과 여전히 비슷했지만, XNUMX번으로 시작하는 후속 작품은 점점 더 낭만적이 되었습니다. 오페라에서도 똑같은 일이 일어났습니다. 그들 중 최고인 "Faust"(민속 전설의 음모)와 "Jessonde"는 어떤 면에서 R. Wagner의 "Lohengrin"과 F. Liszt의 낭만적인 시를 예상했습니다.

그러나 정확히 "무언가". 작곡가로서의 Spohr의 재능은 강하지도 않고 독창적이지도 않고 견고하지도 않았습니다. 음악에서 그의 감상적인 로맨스는 고전적인 스타일의 규범성과 지성주의를 보존하면서 현학적이고 순전히 독일적인 사려 깊음과 충돌합니다. Schiller의 "감정 투쟁"은 Spohr에게 외계인이었습니다. Stendhal은 그의 낭만주의가 "Werther의 열정적 인 영혼이 아니라 독일인 burgher의 순수한 영혼"을 표현한다고 썼습니다.

R. Wagner는 Stendhal을 반향합니다. 바그너는 베버와 슈포어를 독일의 뛰어난 오페라 작곡가라고 부르며 그들이 인간의 목소리를 다루는 능력을 부인하고 그들의 재능이 드라마의 영역을 정복하기에는 너무 깊지 않다고 생각합니다. 그의 의견으로는 Weber의 재능의 본질은 순전히 서정적인 반면 Spohr의 재능은 elegiac입니다. 그러나 그들의 주요 단점은 학습입니다. "오, 우리의 이 저주받은 학습은 독일의 모든 악의 근원입니다!" 한때 M. Glinka가 아이러니하게도 Spohr를 "강력한 독일 작업의 역마차"라고 부르게 만든 것은 장학금, 현학 및 시민의 존경심이었습니다.

그러나 Spohr에서 burghers의 특징이 아무리 강하더라도 그를 일종의 속물주의와 음악 속물주의의 기둥으로 간주하는 것은 잘못된 것입니다. Spohr의 성격과 그의 작품에는 속물주의에 반대하는 것이 있습니다. 박차는 고귀함, 영적 순결 및 숭고함을 부인할 수 없으며 특히 기교에 대한 열정이 넘치는 시대에 매력적입니다. Spohr는 자신이 사랑하는 예술을 모독하지 않았으며 그에게 사소하고 저속한 것으로 보이는 것에 열정적으로 반항하고 저속한 취향을 제공했습니다. 동시대 사람들은 그의 입장을 높이 평가했습니다. Weber는 Spohr의 오페라에 대한 동정적인 기사를 씁니다. VF Odoevsky는 Spohr의 교향곡 "The Blessing of Sounds"를 주목할만한 것으로 불렀습니다. 24년 1852월 XNUMX일 바이마르에서 스포어의 파우스트를 지휘하는 리스트. "G. 모저에 따르면 젊은 슈만의 노래는 스포어의 영향을 드러낸다." Spohr는 Schumann과 오랜 우호 관계를 유지했습니다.

Spohr는 5년 1784월 XNUMX일에 태어났습니다. 그의 아버지는 의사였으며 열정적으로 음악을 사랑했습니다. 그는 플루트를 잘 연주했고 그의 어머니는 하프시코드를 연주했습니다.

아들의 음악적 재능은 일찌감치 나타났다. Spohr는 자서전에서 “선명한 소프라노 목소리를 가지고 처음으로 노래를 부르기 시작했고 XNUMX~XNUMX년 동안 가족 파티에서 어머니와 듀엣을 부를 수 있었습니다. 이 무렵 아버지는 간절한 욕망에 굴복하여 박람회에서 바이올린을 사 주셨고 계속해서 연주하기 시작했습니다.

소년의 재능을 알아 차린 그의 부모는 그를 프랑스 이민자 인 아마추어 바이올리니스트 Dufour와 함께 공부하도록 보냈지 만 곧 Brunswick 공작 오케스트라의 콘서트 마스터 인 전문 교사 Mokur에게 전학했습니다.

젊은 바이올리니스트의 연주는 너무도 밝았기 때문에 부모와 교사는 운을 시험해 보고 그가 함부르크에서 연주할 기회를 찾기로 결정했습니다. 그러나 13 세의 바이올리니스트가 "강력한 사람들"의 지원과 후원 없이는 자신의 관심을 끌지 못했기 때문에 함부르크에서의 콘서트는 열리지 않았습니다. 브라운슈바이크로 돌아온 그는 공작의 관현악단에 합류했고, 15세 때 이미 궁정 실내악 연주자 자리를 차지했습니다.

Spohr의 음악적 재능은 공작의 관심을 끌었고 그는 바이올리니스트가 교육을 계속할 것을 제안했습니다. Vyboo는 Viotti와 유명한 바이올리니스트 Friedrich Eck의 두 교사에게 떨어졌습니다. 둘 다에게 요청을 보냈고 둘 다 거부했습니다. Viotti는 자신이 음악 활동에서 은퇴하고 와인 무역에 종사했다는 사실을 언급했습니다. 에크는 체계적인 공부에 걸림돌로 지속적인 콘서트 활동을 꼽았다. 그러나 자신 대신 Eck는 콘서트 거장이기도 한 그의 형제 Franz를 제안했습니다. Spohr는 1802년 동안(1804-XNUMX) 그와 함께 일했습니다.

그의 선생님과 함께 Spohr는 러시아로 여행했습니다. 그 당시 그들은 수업에 사용했던 긴 정류장과 함께 천천히 운전했습니다. Spur는 오른손의 위치를 ​​완전히 바꾸는 것으로 시작하는 엄격하고 까다로운 교사를 얻었습니다. “오늘 아침” Spohr는 일기에 이렇게 썼습니다. 그러나 아아, 얼마나 많은 굴욕입니까! 나 자신을 독일 최초의 거장 중 한 명이라고 생각했던 나는 그의 승인을 불러일으킬 단 하나의 소절도 그에게 연주할 수 없었습니다. 반대로 어떤 식으로든 마침내 그를 만족시키려면 각 소절을 적어도 열 번 이상 반복해야 했습니다. 그는 특히 내 활을 좋아하지 않았으며 지금은 재배치가 필요하다고 생각합니다. 물론 처음에는 힘들겠지만 재작업이 나에게 큰 도움이 될 것이라고 확신하기 때문에 이에 대처하기를 바랍니다.

집중적인 연습 시간을 통해 게임 기술을 개발할 수 있다고 믿었습니다. Spohr는 하루에 10시간씩 운동했습니다. "그래서 나는 당시 알려진 콘서트 음악에서 나에게 어려운 것이 없을 정도로 기술에 대한 기술과 자신감을 단기간에 달성했습니다." 나중에 교사가 된 Spohr는 학생들의 건강과 지구력을 매우 중요하게 생각했습니다.

러시아에서 Eck는 중병에 걸렸고 Spohr는 수업을 중단하고 독일로 돌아 왔습니다. 수년간의 연구가 끝났습니다. 1805년에 Spohr는 Gotha에 정착하여 오페라 오케스트라의 악장 자리를 제의 받았습니다. 그는 곧 연극 가수이자 고딕 오케스트라에서 일했던 음악가의 딸인 Dorothy Scheidler와 결혼했습니다. 그의 아내는 하프를 아주 잘 소유했고 독일 최고의 하프 연주자로 여겨졌다. 결혼 생활은 매우 행복했습니다.

1812년 Spohr는 경이로운 성공을 거두며 비엔나에서 공연을 했고 안 데어 빈 극장의 밴드 리더 자리를 제의 받았습니다. 비엔나에서 Spohr는 그의 가장 유명한 오페라 중 하나인 Faust를 썼습니다. 1818년 프랑크푸르트에서 초연되었습니다. Spohr는 1816년까지 비엔나에 거주한 후 프랑크푸르트로 이주하여 1816년 동안(1817-1821) 밴드 마스터로 일했습니다. 그는 1822년을 드레스덴에서 보냈고 XNUMX년부터 카셀에 정착하여 총감독직을 맡았다.

그의 생애 동안 Spohr는 여러 번의 긴 콘서트 투어를했습니다. 오스트리아(1813), 이탈리아(1816-1817), 런던, 파리(1820), 네덜란드(1835), 다시 런던, 파리, 지휘자로만(1843) – 여기 그의 콘서트 투어 목록이 있습니다 – 이것은 추가 사항입니다 독일 여행에.

1847년 카셀 오케스트라에서의 그의 작업 25주년을 기념하는 저녁 만찬이 열렸습니다. 1852년 은퇴하여 전적으로 교육학에 몰두했습니다. 1857년에 그에게 불행이 일어났습니다. 그는 팔이 부러졌습니다. 이로 인해 그는 가르치는 활동을 중단했습니다. 그에게 닥친 슬픔은 그의 예술에 무한히 헌신했던 Spohr의 의지와 건강을 깨뜨렸고 분명히 그의 죽음을 앞당겼습니다. 그는 22년 1859월 XNUMX일에 사망했습니다.

Spohr는 자랑스러운 사람이었습니다. 그는 예술가로서의 존엄이 어떤 식으로든 침해당하면 특히 속상했다. 일단 그는 Württemberg 왕의 궁정에서 콘서트에 초대되었습니다. 이러한 콘서트는 종종 카드 게임이나 법정 잔치 중에 열렸습니다. "Whist"와 "I go with trump cards", 나이프와 포크의 덜거덕 거리는 소리는 일부 주요 음악가의 게임에 일종의 "반주" 역할을했습니다. 음악은 귀족들의 소화를 돕는 즐거운 오락으로 여겨졌다. Spohr는 올바른 환경이 만들어지지 않으면 게임을 거부했습니다.

Spohr는 예술인에 대한 귀족의 겸손하고 겸손한 태도를 참을 수 없었습니다. 그는 자서전에서 “귀족 폭도”에게 말하면서 일류 예술가들조차 얼마나 자주 굴욕감을 느꼈는지 씁쓸하게 말한다. 그는 위대한 애국자였으며 조국의 번영을 간절히 원했습니다. 1848년, 혁명적 사건이 절정에 달했을 때 그는 "독일의 통합과 자유를 회복하기 위해 쓰여졌다"는 헌사를 담은 XNUMX중주를 만들었습니다.

Spohr의 진술은 그의 원칙 준수와 미적 이상의 주관성을 증언합니다. 기교에 반대하는 그는 파가니니와 그의 경향을 받아들이지 않지만 위대한 제노바의 바이올린 예술에 경의를 표합니다. 그의 자서전에서 그는 다음과 같이 썼습니다. 그의 왼손과 G현이 눈에 띈다. 그러나 그의 작곡과 공연 스타일은 천재성과 유치하고 순진하고 맛없는 것이 이상하게 혼합되어있어 포착하고 격퇴합니다.

"스칸디나비아 파가니니"인 Ole Buhl이 Spohr에 왔을 때 그는 그를 학생으로 받아들이지 않았습니다. 왜냐하면 그는 자신의 재능의 기교적 성격에 너무 이질적인 학교를 그에게 주입할 수 없다고 믿었기 때문입니다. 그리고 1838년 카셀에서 Ole Buhl의 연주를 들은 후 그는 이렇게 썼습니다. 고귀한 악기로.”

Spohr가 가장 좋아하는 작곡가는 Mozart였습니다. 그는 베토벤의 작품에 거의 열광했지만, 그가 이해하지 못하고 인식하지 못한 마지막 시대의 작품을 제외하고는 거의 열광했습니다.

바이올리니스트로서 Spohr는 훌륭했습니다. Schleterer는 자신의 공연에 대해 다음과 같은 그림을 그립니다. 마우스 아래 바이올린. 그는 콘솔에 접근합니다. Spohr는 아티스트의 제목과 양립할 수 없다고 생각한 음악을 노예처럼 암기하는 힌트를 만들고 싶지 않았기 때문에 결코 마음으로 연주하지 않았습니다. 무대에 들어서자 객석에 고개를 숙이면서도 당당한 기품과 담담한 푸른 눈동자로 모인 관중들을 살폈다. 그는 거의 기울지 않고 바이올린을 절대적으로 자유롭게 잡았고, 이로 인해 오른손이 상대적으로 높게 들렸습니다. 첫 번째 소리에서 그는 모든 청취자를 정복했습니다. 그의 손에 들린 작은 도구는 거인의 손에 들린 장난감 같았습니다. 그가 소유 한 자유, 우아함 및 기술을 설명하기는 어렵습니다. 마치 강철로 주조된 것처럼 침착하게 그는 무대에 섰다. 그의 움직임의 부드러움과 우아함은 흉내낼 수 없었습니다. 박차는 큰 손을 가졌지 만 유연성, 탄력성 및 강도를 결합했습니다. 손가락은 강철의 경도로 현에 가라앉을 수 있었고 동시에 필요할 때 너무 움직여서 가장 가벼운 악절에서 단 하나의 트릴도 잃지 않았습니다. 그가 완벽하게 마스터하지 않은 스트로크는 없었습니다. 그의 와이드 스타카토는 예외적이었습니다. 훨씬 더 인상적인 것은 요새에서 부드러우면서도 부드러운 노래의 큰 힘의 소리였습니다. 게임을 마친 Spohr는 얼굴에 미소를 지으며 침착하게 몸을 숙이고 끊임없는 열광적 인 박수 속에서 무대를 떠났습니다. Spohr 연주의 주요 품질은 모든 세부 사항에서 사려 깊고 완벽한 전달이며 경박함과 사소한 기교가 없습니다. 고귀함과 예술적 완성도가 그의 처형을 특징지었습니다. 그는 항상 가장 순수한 인간의 가슴에서 태어난 정신 상태를 전달하려고 노력했습니다.

Schleterer에 대한 설명은 다른 리뷰에서 확인되었습니다. 선생님의 전기를 쓴 Spohr의 학생 A. Malibran은 Spohr의 웅장한 스트로크, 손가락 기술의 선명도, 최고의 사운드 팔레트를 언급하고 Schleterer와 마찬가지로 그의 연주의 고귀함과 단순함을 강조합니다. Spohr는 "입구", 글리산도, coloratura를 용납하지 않았으며 점프, 점프 스트로크를 피했습니다. 그의 공연은 최고의 의미에서 진정으로 학문적이었습니다.

그는 결코 마음으로 연주하지 않았습니다. 그런 다음 규칙의 예외는 아닙니다. 많은 연주자들이 콘솔 앞에 있는 음표를 가지고 콘서트에서 공연했습니다. 그러나 Spohr의 경우 이 규칙은 특정 미적 원칙에 의해 발생했습니다. 그는 또한 바이올리니스트가 마음으로 연주하는 것은 배운 교훈에 대답하는 앵무새를 연상시킨다고 주장하면서 학생들에게 음표로만 연주하도록 강요했습니다.

Spohr의 레퍼토리에 대해서는 알려진 바가 거의 없습니다. 초기에는 그의 작품 외에도 Rode의 Kreutzer 협주곡을 연주했으며 나중에는 주로 자신의 작곡으로 제한했습니다.

XNUMX 세기 초 가장 저명한 바이올리니스트들은 바이올린을 다른 방식으로 잡았습니다. 예를 들어, Ignaz Frenzel은 턱을 테일 피스 왼쪽에, Viotti를 오른쪽에, 즉 지금 관례적인대로 바이올린을 어깨에 눌렀습니다. Spohr는 다리 자체에 턱을 대었습니다.

Spohr라는 이름은 바이올린 연주 및 지휘 분야의 일부 혁신과 관련이 있습니다. 그래서 그는 턱받침의 발명가입니다. 더욱 중요한 것은 지휘 기술에 대한 그의 혁신입니다. 그는 지팡이를 사용한 것으로 알려져 있습니다. 어쨌든 그는 배턴을 사용한 최초의 지휘자 중 한 명이었습니다. 1810년 프랑켄하우젠 음악제에서 그는 종이를 말아 만든 막대기를 지휘했고 지금까지 알려지지 않은 오케스트라를 이끄는 이 방식은 모두를 놀라게 했습니다. 1817년 프랑크푸르트와 1820년대 런던의 음악가들은 당황하지 않고 새로운 스타일을 만났지만 곧 그들은 그 장점을 이해하기 시작했습니다.

Spohr는 유럽에서 유명한 교사였습니다. 전 세계에서 학생들이 그에게 왔습니다. 그는 일종의 가정 온실을 만들었습니다. 러시아에서도 Encke라는 농노가 그에게 보내졌습니다. Spohr는 140명 이상의 주요 바이올린 솔리스트와 오케스트라 악장을 교육했습니다.

Spohr의 교육학은 매우 독특했습니다. 학생들에게 큰 사랑을 받았습니다. 교실에서 엄격하고 까다롭던 그는 교실 밖에서는 사교적이고 다정해졌습니다. 도시 주변의 공동 산책, 시골 여행, 피크닉이 일반적이었습니다. Spohr는 그의 애완 동물 무리에 둘러싸여 걸었고, 그들과 함께 운동을 했고, 그들에게 수영을 가르쳤고, 단순함을 유지했습니다. 재학생.

그는 수업에 대한 예외적으로 책임감있는 태도를 학생에게 개발했습니다. 나는 2일마다 초보자와 함께 일한 다음 주 3회 수업으로 옮겼습니다. 마지막 규범에서 학생은 수업이 끝날 때까지 남아있었습니다. 모든 학생들에게 필수는 앙상블과 오케스트라에서 연주하는 것이 었습니다. Spohr는 “오케스트라 연주 실력을 갖추지 못한 바이올리니스트는 배운 것을 듣고 쉰 목소리로 비명을 지르는 훈련된 카나리아와 같다”고 썼습니다. 그는 개인적으로 오케스트라 연주를 감독하고 오케스트라 기술, 스트로크 및 기술을 연습했습니다.

Schleterer는 Spohr의 교훈에 대한 설명을 남겼습니다. 그는 항상 손에 바이올린을 들고 학생을 볼 수 있도록 방 한가운데 안락 의자에 앉았습니다. 수업 중에 그는 종종 두 번째 목소리와 함께 연주하거나 학생이 어떤 곳에서 성공하지 못하면 악기로 연주하는 방법을 보여주었습니다. 학생들은 토트넘과 함께 뛰는 것이 정말 즐거웠다고 주장했습니다.

Spohr는 특히 억양에 대해 까다로웠습니다. 단 하나의 모호한 음도 그의 민감한 귀에서 빠져나가지 않았습니다. 수업에서 바로 거기에서 그것을 듣고 침착하고 체계적으로 맑은 선명도를 얻었습니다.

Spohr는 "학교"에서 교육학 원칙을 수정했습니다. 점진적인 실력 축적이라는 목표를 추구하지 않는 실용적인 학습 가이드였습니다. 그것은 미적 견해, 바이올린 교육학에 대한 저자의 견해를 포함하여 저자가 학생의 예술 교육 위치에 있음을 알 수 있습니다. 그는 자신의 "학교"에서 "기술"과 "음악"을 "분리할 수 없었다"는 사실에 대해 반복적으로 비난을 받았습니다. 사실 토트넘은 그런 과제를 설정하지 않았고 설정할 수도 없었다. Spohr의 현대 바이올린 기술은 아직 예술적 원칙과 기술적 원칙을 결합하는 지점에 도달하지 못했습니다. 추상적 인 기술 훈련을 옹호했던 XNUMX 세기 규범 교육학의 대표자들에게는 예술적 순간과 기술적 순간의 합성이 부자연스러워 보였습니다.

Spohr의 "학교"는 이미 구식이지만 역사적으로 XNUMX 세기에 Joachim과 Auer의 작업에서 가장 높은 표현을 찾은 예술적 교육학의 길을 설명했기 때문에 역사적으로 이정표였습니다.

L. 라벤