세르게이 바실리예비치 라흐마니노프 |

세르게이 라흐마니노프

그리고 나는 고국을 가졌습니다. 그는 훌륭합니다! A. Pleshcheev (G. Heine에서)

Rachmaninov는 강철과 금으로 만들어졌습니다. 그의 손에는 강철, 그의 마음에는 금. I. 호프만

"나는 러시아 작곡가이고 내 조국은 내 성격과 견해에 흔적을 남겼습니다." 이 단어는 위대한 작곡가이자 뛰어난 피아니스트이자 지휘자인 S. Rachmaninov의 것입니다. 러시아 사회 및 예술 생활의 가장 중요한 모든 사건은 그의 창조적 삶에 반영되어 지울 수없는 흔적을 남겼습니다. Rachmaninov 작품의 형성과 번성은 러시아 문화에서 가장 복잡한 과정이 일어나고 영적 맥박이 열렬하고 긴장된 1890-1900 년대에 해당합니다. Rachmaninov에 내재 된 시대의 예리한 서정적 느낌은 그의 사랑하는 조국의 이미지와 변함없이 넓은 공간의 무한함, 원소 세력의 힘과 폭력적인 기량, 꽃이 만발한 봄 자연의 부드러운 취약성과 관련이 있습니다.

Rachmaninov의 재능은 4 살이 될 때까지 체계적인 음악 수업에 대한 열의를 보이지 않았지만 일찍부터 밝게 나타났습니다. 그는 1882살 때 피아노를 배우기 시작했고, 1885년에 상트페테르부르크 음악원에 입학하여 자신의 장치에 맡기고 거의 엉망이 되었고 1885년에 모스크바 음악원으로 편입되었습니다. 여기에서 Rachmaninoff는 N. Zverev와 A. Siloti와 함께 피아노를 공부했습니다. 이론적 주제 및 구성 – S. Taneyev 및 A. Arensky와 함께. Zverev (89-XNUMX)와 함께 하숙집에 살면서 그는 가혹하지만 매우 합리적인 노동 규율 학교를 거쳐 그를 필사적으로 게으르고 장난 꾸러기에서 예외적으로 수집되고 강한 의지를 가진 사람으로 만들었습니다. "내 안에 있는 최고의 것, 나는 그에게 빚지고 있습니다." – 그래서 Rachmaninov는 나중에 Zverev에 대해 말했습니다. 음악원에서 Rachmaninoff는 P. Tchaikovsky의 성격에 강한 영향을 받았으며, 그는 자신이 가장 좋아하는 Seryozha의 개발을 따르고 음악원을 졸업 한 후 볼쇼이 극장에서 오페라 Aleko를 상연하는 데 도움을주었습니다. 초보 뮤지션이 자신의 길을 개척하는 것이 얼마나 어려운지 자신의 슬픈 경험.

라흐마니노프는 음악원에서 피아노(1891)와 작곡(1892)을 그랜드 금메달로 졸업했습니다. 이때까지 그는 이미 유명한 Prelude in C 샤프 단조, 로맨스 "In the Silence of the Secret Night", First Piano Concerto, 오페라 "Aleko"(졸업 작품으로 작성) 등 여러 작곡의 저자였습니다. 단 17일만에! 그 뒤를 이은 환상곡 op. 3(1892), Elegiac Trio “In Memory of a Great Artist”(1893), 두 대의 피아노를 위한 모음곡(1893), Moments of Music op. 16 (1896), 로맨스, 교향곡 – "The Cliff"(1893), Capriccio on Gypsy Themes (1894) - Rachmaninov가 강하고 깊고 독창적 인 재능이라는 의견을 확인했습니다. 라흐마니노프 특유의 이미지와 분위기는 B단조의 "Musical Moment"의 비극적 슬픔에서부터 로맨스 "Spring Waters"의 찬송가적 신격화에 이르기까지 광범위하게 이 작품들에 나타납니다. E단조의 "뮤지컬 모멘트"부터 로망스 "섬"의 최고의 수채화까지.

이 기간 동안의 삶은 어려웠습니다. 연주와 창의성 면에서 결단력 있고 강력한 라흐마니노프는 천성적으로 취약한 사람이었고 종종 자기 의심을 경험했습니다. 물질적 어려움, 세속적 무질서, 낯선 곳에서 방황하는 일에 간섭했습니다. 그리고 그는 가까운 사람들, 주로 Satin 가족의 지원을 받았지만 외로움을 느꼈습니다. 1897년 1897월 상트페테르부르크에서 연주된 교향곡 1899번의 실패로 인한 강한 충격은 창작의 위기로 이어졌다. 몇 년 동안 라흐마니노프는 아무것도 작곡하지 않았지만 피아니스트로서의 연주 활동이 심화되어 모스크바 개인 오페라(1900)에서 지휘자로 데뷔했다. 이 기간 동안 그는 Art Theatre의 예술가 인 A. Chekhov 인 L. Tolstoy를 만났고 Rachmaninov는 "가장 강력하고 깊고 미묘한 예술적 경험"중 하나로 간주 한 Fyodor Chaliapin과 우정을 시작했습니다. 100년 라흐마니노프는 처음으로 해외(런던)에서 공연했고 1900년 이탈리아를 방문하여 미래의 오페라 프란체스카 다 리미니의 스케치가 등장했습니다. 즐거운 행사는 Aleko로 Chaliapin과 함께 A. Pushkin의 XNUMX 주년을 맞아 상트 페테르부르크에서 오페라 Aleko를 상연했습니다. 그리하여 XNUMX년대 초반에 이르러 점차 내부 전환점이 마련되었다. 창의성으로의 복귀가있었습니다. 강력한 경종을 울리는 피아노 협주곡 XNUMX번과 함께 새로운 세기가 시작되었습니다. 동시대인들은 그에게서 긴장과 폭발, 임박한 변화의 감각으로 시간의 목소리를 들었다. 이제 콘서트의 장르가 주도적 인 장르가되고 있으며, 가장 큰 완성도와 포용성으로 주요 아이디어를 구현하는 것입니다. Rachmaninov의 삶에서 새로운 단계가 시작됩니다.

러시아와 해외에서 일반적인 인식은 피아니스트 및 지휘자의 활동을받습니다. 2 년 (1904-06) Rachmaninov는 볼쇼이 극장에서 지휘자로 일하면서 러시아 오페라의 멋진 작품에 대한 기억을 역사에 남겼습니다. 1907년 그는 파리에서 S. Diaghilev가 주최한 러시아 역사 콘서트에 참여했고, 1909년에는 미국에서 처음으로 G. Mahler가 지휘한 피아노 협주곡 1902번을 연주했습니다. 러시아와 해외 도시에서의 집중적인 콘서트 활동은 그다지 강렬한 창의성과 결합되지 않았으며, 이 23년의 음악(칸타타 "봄" – XNUMX, 전주곡 op. XNUMX, 두 번째 교향곡의 피날레 및 세 번째 협주곡) 뜨거운 열정과 열정이 많이 있습니다. 그리고 로맨스 "라일락", "여기가 좋다"와 같은 작곡에서 D 장조와 G 장조의 전주곡에서 "자연의 노래하는 힘의 음악"은 놀라운 침투력으로 들렸습니다.

그러나 같은 해에 다른 분위기도 느껴집니다. 조국과 미래의 운명에 대한 슬픈 생각, 삶과 죽음에 대한 철학적 성찰은 스위스 예술가의 그림을 바탕으로 한 교향시 "죽은 자의 섬"인 괴테의 파우스트에서 영감을 얻은 첫 번째 피아노 소나타의 비극적 이미지를 불러 일으 킵니다. A. Böcklin (1909), 세 번째 협주곡의 여러 페이지, 로맨스 op. 26. 내부 변화는 1910년 이후 특히 눈에 띄게 되었다. 협주곡 1913번에서 비극이 결국 극복되고 기쁨에 찬 신격화로 협주곡이 끝난다면, 그 뒤를 이은 작품에서는 지속적으로 심화되어 공격적이고 적대적인 이미지, 우울한 이미지, 우울한 기분. 음악적 언어는 더 복잡해지고 라흐마니노프의 특징인 넓은 멜로디 호흡이 사라집니다. 성악 교향시 "The Bells"(St. E. Poe, K. Balmont – 34 번역); 로맨스 op. 1912(38) 및 op. 1916(39); 에튀드-회화 op. 1917(1915). 그러나 이때 라흐마니노프는 높은 윤리적 의미로 가득 찬 작품을 만들었고, 이는 지속적인 영적 아름다움의 의인화, 라흐마니노프 멜로디의 정점인 합창 아카펠라를 위한 "Vocalise"와 "All-Night Vigil"(XNUMX)이 되었습니다. “어린 시절부터 옥토이크의 장엄한 선율에 매료되었습니다. 나는 항상 그들의 합창 처리에 특별하고 특별한 스타일이 필요하다고 느꼈고, Vespers에서 그것을 찾은 것 같습니다. 고백하지 않을 수 없습니다. 모스크바 시노달 합창단의 첫 공연이 나에게 가장 행복한 시간을 선사해 주었다”고 라흐마니노프는 회상했다.

24년 1917월 1922일, 라흐마니노프와 그의 가족은 영원히 러시아를 떠났습니다. 1941년 이상 동안 그는 외국 땅인 미국에서 살았고, 이 기간은 음악 사업의 잔인한 법률에 따라 대부분 지친 콘서트 활동으로 가득 차 있었습니다. Rachmaninov는 해외 및 러시아 동포들에게 물질적 지원을 제공하기 위해 비용의 상당 부분을 사용했습니다. 따라서 XNUMX 년 XNUMX 월 공연을위한 전체 컬렉션은 러시아의 굶주림을 위해 이전되었으며 XNUMX 년 가을 Rakhmaninov는 적군 구호 기금에 XNUMX 천 달러 이상을 보냈습니다.

해외에서 Rachmaninoff는 고립되어 살았고 그의 친구 범위는 러시아 이민자로 제한되었습니다. Rachmaninov가 우호적 인 관계를 맺은 피아노 회사의 책임자 인 F. Steinway의 가족에게만 예외가 적용되었습니다.

해외 체류 첫해에 Rachmaninov는 창의적인 영감의 상실에 대한 생각을 남기지 않았습니다. “러시아를 떠나면서 작곡에 대한 의욕을 잃었어요. 고향을 잃은 나는 나 자신을 잃었다.” 해외를 떠난 지 8년 만에 라흐마니노프는 창의성으로 돌아와 피아노 협주곡 1926번(1926), 합창단과 관현악을 위한 러시아 노래 1931곡(1934), 피아노를 위한 코렐리 주제에 따른 변주곡(1936), 파가니니 주제에 관한 랩소디를 작곡합니다. (1940), 교향곡 XNUMX번(XNUMX), "심포닉 댄스"(XNUMX). 이 작품들은 라흐마니노프의 마지막이자 가장 높은 작품입니다. 돌이킬 수 없는 상실감, 러시아에 대한 불타는 갈망은 심포니 댄스에서 절정에 이르는 엄청난 비극적 힘의 예술을 낳습니다. 그리고 화려한 교향곡 XNUMX번에서 라흐마니노프는 마지막으로 그의 작품의 중심 주제인 조국의 이미지를 구현합니다. 엄격하게 집중된 작가의 강렬한 생각은 수세기의 깊이에서 그를 불러 일으키고 무한히 소중한 기억으로 떠오른다. 다양한 주제, 에피소드의 복잡한 짜임새에서 넓은 관점이 나타나고 조국의 운명에 대한 극적인 서사시가 재창조되어 승리의 삶의 긍정으로 끝납니다. 따라서 Rachmaninoff의 모든 작품을 통해 그는 윤리적 원칙의 불가침성, 높은 영성, 충실도 및 조국에 대한 피할 수없는 사랑을 전달하며 그 의인화는 그의 예술이었습니다.

O. 아베야노바

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창의성의 특성

Sergei Vasilyevich Rachmaninoff는 Scriabin과 함께 1900년대 러시아 음악의 중심 인물 중 한 명입니다. 이 두 작곡가의 작품은 특히 동시대 사람들의 세심한 관심을 끌었고 열띤 논쟁을 벌였으며 개별 작품에 대한 날카로운 인쇄 토론이 시작되었습니다. Rachmaninov와 Scriabin의 음악의 개별적인 외모와 비 유적 구조의 모든 차이점에도 불구하고 그들의 이름은 이러한 논쟁에서 종종 나란히 나타나 서로 비교되었습니다. 그러한 비교에 대한 순전히 외부적인 이유가있었습니다. 둘 다 거의 동시에 졸업하고 같은 교사와 함께 공부 한 모스크바 음악원의 학생이었습니다. 둘 다 재능의 힘과 밝기로 동료들 사이에서 즉시 눈에 띄었습니다. 재능이 뛰어난 작곡가일 뿐 아니라 뛰어난 피아니스트이기도 합니다.

그러나 그들을 분리시키고 때로는 음악적 삶의 다른 측면에 두는 많은 것들이 있었습니다. 새로운 음악적 세계를 개척한 대담한 혁신가 스크리아빈은 라흐마니노프가 국가적 고전 유산의 견고한 토대 위에 자신의 작품을 기반으로 하는 보다 전통적으로 사고하는 예술가라는 점에서 반대했습니다. "G. 비평가 중 한 명인 Rachmaninoff는 Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov 및 Tchaikovsky가 놓은 토대를 소중히 여기는 모든 사람들, 실제 방향의 모든 챔피언이 그룹화되는 기둥입니다.

그러나 동시대의 음악적 현실에서 라흐마니노프와 스크리아빈의 위치의 모든 차이에도 불구하고, 그들은 젊은 시절의 창의적인 성격의 양육과 성장을 위한 일반적인 조건뿐만 아니라 공통성의 몇 가지 더 깊은 특징에 의해 모였습니다. . "반항적이고 안절부절 못하는 재능" – 이것이 한때 언론에서 라흐마니노프를 특징지은 방식입니다. 불안한 기대, 열망 및 희망으로 XNUMX 세기 초 러시아 사회의 넓은 범위에 특히 사랑스럽고 가깝게 만든 것은이 불안한 충동, 감정적 어조의 흥분, 두 작곡가의 작품 특징이었습니다. .

"Scriabin과 Rachmaninoff는 현대 러시아 음악계의 두 '음악적 사고의 지배자'입니다. <...> 이제 그들은 음악계에서 서로 헤게모니를 공유하고 있습니다." 똑같이 완고한 상대이자 두 번째 비방 자. 그의 판단에서 더 온건한 또 다른 비평가는 모스크바 음악 학교의 가장 저명한 세 대표자 인 Taneyev, Rachmaninov 및 Scriabin에 대한 비교 설명에 대한 기사에서 썼습니다. 둘 다 현대 러시아의 최고의 희망입니다.”

오랫동안 차이코프스키의 가장 가까운 상속인이자 후계자 중 한 명인 라흐마니노프의 견해가 지배적이었습니다. The Queen of Spades 저자의 영향은 의심 할 여지없이 그의 작품의 형성과 발전에 중요한 역할을했으며 이는 AS Arensky와 SI Taneyev의 학생 인 모스크바 음악원 졸업생에게는 매우 자연스러운 일입니다. 동시에 그는 "Petersburg"작곡가 학교의 일부 기능을 인식했습니다. 차이코프스키의 흥분된 서정은 Rachmaninov에서 Borodin의 가혹한 서사적 웅장 함, Mussorgsky의 고대 러시아 음악적 사고 시스템에 대한 깊은 침투와 결합되었습니다. Rimsky-Korsakov의 본성에 대한 시적 인식. 그러나 교사와 전임자로부터 배운 모든 것은 작곡가에 의해 깊이 재검토되어 그의 강한 창의적 의지에 순종하고 완전히 독립적 인 새로운 개성을 얻었습니다. 라흐마니노프의 매우 독창적인 스타일은 뛰어난 내부 무결성과 유기성을 가지고 있습니다.

세기 전환기의 러시아 예술 문화에서 그와 유사점을 찾으면 이것은 우선 문학의 Chekhov-Bunin 라인, 그림의 Levitan, Nesterov, Ostroukhov의 서정적 풍경입니다. 이러한 유사점은 다양한 저자에 의해 반복적으로 언급되었으며 거의 ​​고정 관념이되었습니다. Rakhmaninov가 Chekhov의 일과 성격을 어떤 열렬한 사랑과 존경으로 대했는지는 알려져 있습니다. 이미 말년에 작가의 편지를 읽으면서 그는 자신의 시대에 더 가깝게 만나지 못한 것을 후회했습니다. 작곡가는 상호 동정과 공통된 예술적 견해로 수년 동안 Bunin과 관련이 있습니다. 그들은 러시아 본성에 대한 열정적 인 사랑, 이미 사람의 바로 근처에서 주변 세계로 떠나는 단순한 삶의 징후, 세계의 시적 태도, 깊은 색으로 채색 된 단순한 삶의 징후로 모이고 관련되었습니다. 관통하는 서정성, 영적 해방에 대한 갈증, 인간의 자유를 제한하는 족쇄로부터의 해방.

Rachmaninov의 영감의 원천은 실생활, 자연의 아름다움, 문학 및 그림의 이미지에서 나오는 다양한 충동이었습니다. "... 음악적 아이디어가 특정 음악 외적인 인상의 영향을 받아 내 안에서 더 쉽게 태어난다는 것을 발견했습니다."라고 그는 말했습니다. 그러나 동시에 Rachmaninov는 음악을 통해 현실의 특정 현상을 직접 반영하기 위해 "소리로 그림 그리기"가 아니라 다양한 영향으로 발생하는 감정적 반응, 감정 및 경험을 표현하기 위해 노력했습니다. 외부에서 받은 노출 수. 이런 의미에서 우리는 그를 VG Korolenko가 성공적으로 공식화 한 주요 추세 인 900 년대 시적 사실주의의 가장 놀랍고 전형적인 대표자 중 한 명이라고 말할 수 있습니다. 존재하지 않는 세계에서 변덕스러운 환상을 만들지 마십시오. 우리는 우리 안에서 태어난 주변 세계에 대한 인간 정신의 새로운 관계를 창조하거나 나타냅니다.

라흐마니노프 음악을 접할 때 가장 먼저 주목받는 특징 중 하나는 가장 표현력이 풍부한 멜로디입니다. 그는 동시대인들 사이에서 드로잉의 아름다움과 가소성을 밝고 강렬한 표현과 결합하여 넓고 길게 펼쳐지는 위대한 호흡의 선율을 만들어내는 능력이 돋보인다. 선율, 선율은 작곡가의 조화로운 사고의 본질과 그의 작품의 질감을 크게 결정하는 Rachmaninov 스타일의 주요 품질이며, 원칙적으로 전면으로 이동하거나 밀도가 높은 밀도로 사라지는 독립적 인 목소리로 포화됩니다. 건강한 직물.

라흐마니노프는 차이콥스키의 특징적인 기법을 결합하여 자신만의 매우 특별한 유형의 멜로디를 만들었습니다. 즉, 집중적이고 역동적인 멜로디 전개와 변형 변형 방법이 더욱 부드럽고 차분하게 진행되었습니다. 빠른 이륙 또는 정상까지의 길고 강렬한 상승 후 멜로디는 그대로 달성 된 수준에서 정지되어 항상 하나의 긴 노래 소리로 돌아가거나 천천히 솟아 오르는 선반과 함께 원래 높이로 돌아갑니다. 역의 관계도 가능합니다. 하나의 제한된 고지대에서 다소 긴 체류가 넓은 간격의 멜로디 과정에 의해 갑자기 끊어져 날카로운 서정적 표현의 그늘을 도입합니다.

이러한 역동성과 정적의 상호 침투에서 LA Mazel은 라흐마니노프 선율의 가장 특징적인 특징 중 하나를 봅니다. 또 다른 연구원은 라흐마니노프의 작업에서 이러한 원칙의 비율에 보다 일반적인 의미를 부여하여 그의 많은 작업에 깔려 있는 "제동"과 "돌파구"의 순간이 번갈아 나타난다고 지적합니다. (VP Bobrovsky는 "Rachmaninoff의 개성의 기적은 반대 방향으로 향하는 두 가지 경향과 그에게만 내재된 합성의 고유한 유기적 통합에 있습니다"라고 유사한 생각을 표현합니다. 달성했다.”). 관조적 인 서정에 대한 성향, 마치 작곡가가 덧없는 시간을 멈추고 싶어하는 것처럼 마음의 한 상태에 오래 몰입하는 그는 거대하고 돌진하는 외부 에너지, 적극적인 자기 확인에 대한 갈증과 결합했습니다. 따라서 그의 음악에서 대조의 강도와 선명도. 그는 모든 감정과 마음의 상태를 극도로 표현하려고 노력했습니다.

자유롭게 펼쳐지는 라흐마니노프의 서정적인 선율에서 길고 중단 없는 호흡으로 러시아 민요의 "피할 수 없는" 폭과 유사한 것을 종종 듣게 됩니다. 그러나 동시에 라흐마니노프의 독창성과 민요 사이의 연관성은 매우 간접적이었습니다. 드물고 고립 된 경우에만 작곡가가 진정한 민속 음악을 사용했습니다. 그는 자신의 멜로디와 포크 멜로디의 직접적인 유사성을 위해 노력하지 않았습니다. 그의 멜로디에 대한 특별 작업의 저자 인 "In Rachmaninov"는 "특정 장르의 민속 예술과 직접적으로 연결되는 경우는 거의 없습니다. 특히, 장르는 종종 민속의 일반적인 "감정"에 용해되는 것처럼 보이며 그의 전임자들과 마찬가지로 음악적 이미지를 형성하고 형성하는 전체 과정의 시작을 확고히 하지 않습니다. 단계적 움직임이 우세한 움직임의 부드러움, 온음계, 풍부한 프리지안 턴 등 러시아 민요에 더 가까워지는 라흐마니노프 멜로디의 특징에 반복해서 주목했다. 작곡가에 의해 이러한 기능은 그의 개별 작가 스타일의 양도할 수 없는 속성이 되어 그에게만 특유의 특별한 표현 색상을 얻습니다.

라흐마니노프 음악의 선율적 풍부함만큼이나 거부할 수 없을 정도로 인상적인 이 스타일의 다른 측면은 비정상적으로 활기차고 위엄 있게 정복하는 동시에 유연하고 때로는 기발한 리듬입니다. 작곡가의 동시대인과 후기 연구원 모두 이 특히 라흐마니노프 리듬에 대해 많은 글을 썼는데, 이는 무의식적으로 청취자의 관심을 끌고 있습니다. 종종 음악의 주요 톤을 결정하는 것은 리듬입니다. AV Ossovsky는 1904년 두 대의 피아노를 위한 두 번째 모음곡의 마지막 악장에 대해 언급했습니다. 라흐마니노프는 “안절부절하고 어두워진 영혼에 대한 타란텔라 형식의 리드미컬한 관심을 심화시키는 것을 두려워하지 않았습니다. 타임스."

리듬은 라흐마니노프에서 음악 구조를 역동적으로 만들고 조화로운 건축학적으로 완전한 전체의 주류에 서정적인 "감정의 홍수"를 도입하는 효과적인 의지 원칙의 전달자로 나타납니다. Rachmaninov와 Tchaikovsky의 작품에서 리듬 원리의 역할을 비교 한 BV Asafiev는 다음과 같이 썼습니다. Rachmaninov의 음악에서 매우 열정적 인 창조적 무결성, 작곡가-연주자의 "I"의 강한 의지의 조직적 창고와 가사-관상적 느낌의 창고의 결합은 개인 묵상의 "개별 영역"으로 밝혀졌습니다. 의지 요인의 의미에서 리듬에 의해 제어되는… 라흐마니노프의 리듬 패턴은 리듬이 단순한지, 심지어 큰 종의 무겁고 측정된 박자인지, 아니면 복잡하고 꽃이 만발한지 여부에 관계없이 항상 매우 명확하게 윤곽이 잡혀 있습니다. 특히 1910년대 작품에서 작곡가가 가장 좋아하는 리드미컬한 오스티나토는 리듬에 형식적일 뿐만 아니라 경우에 따라 주제별 의미도 부여합니다.

하모니 분야에서 라흐마니노프는 유럽의 낭만주의 작곡가인 차이코프스키와 마이티 핸드풀 대표의 작품에서 획득한 형식으로 고전적인 메이저-마이너 시스템을 넘어서지 않았습니다. 그의 음악은 항상 음조가 정의되고 안정적이지만 고전적-낭만적 음조 조화의 수단을 사용할 때 특정 작곡의 저자를 확립하는 것이 어렵지 않은 몇 가지 특징이 특징입니다. 라흐마니노프 화음 언어의 이러한 특별한 개별 기능 중에는 예를 들어 잘 알려진 기능적 움직임의 느림, 오랫동안 하나의 키에 머무르는 경향, 때로는 중력의 약화가 있습니다. 종종 기능적 의미보다 더 다채롭고 음성적인 의미를 갖는 복잡한 다중 삼분법 구성, 십진수가 아닌 화음 및 십진법이 아닌 화음의 행이 풍부하다는 점에 주의를 기울입니다. 이런 종류의 복잡한 화성의 연결은 주로 선율 연결의 도움으로 이루어집니다. 라흐마니노프 음악에서 선율적 요소의 우세는 사운드 구조의 높은 다성적 포화도를 결정합니다. 개별적인 하모닉 컴플렉스는 다소 독립적인 "노래하는" 음성의 자유로운 움직임의 결과로 지속적으로 발생합니다.

라흐마니노프가 가장 좋아하는 하모닉 턴이 하나 있는데, 특히 초기 작곡에서 너무 자주 사용하여 "라흐마니노프의 하모니"라는 이름을 받기도 했습니다. 이 턴오버는 하모닉 마이너의 감소된 입문 XNUMX번째 코드를 기반으로 하며, 일반적으로 II 도 III의 대체 및 멜로디 XNUMX도 위치의 토닉 XNUMX화음으로의 해상도가 있는 terzkvartakkord의 형태로 사용됩니다.

이 경우 선율적인 목소리에서 발생하는 감소된 XNUMX분음표로의 이동은 가슴 아프고 애절한 감정을 불러일으킵니다.

라흐마니노프 음악의 주목할 만한 특징 중 하나로 많은 연구자와 관찰자들은 이 음악이 두드러지는 단조로운 색채에 주목했습니다. 그의 피아노 협주곡 39곡, 교향곡 XNUMX곡, 피아노 소나타 XNUMX곡, 대부분의 에튜드 그림 및 기타 많은 작곡은 단조로 작곡되었습니다. 메이저조차도 변경 감소, 색조 편차 및 마이너 사이드 스텝의 광범위한 사용으로 인해 종종 마이너 착색을 얻습니다. 그러나 단조를 사용하여 다양한 뉘앙스와 표현 집중도를 달성한 작곡가는 거의 없습니다. etudes-paintings op.에서 LE Gakkel의 발언. XNUMX "가장 넓은 범위의 사소한 존재감, 사소한 삶의 느낌"은 라흐마니노프의 모든 작품의 상당 부분으로 확장될 수 있습니다. 라흐마니노프에 대한 편견에 찬 적대감을 품고 있던 Sabaneev와 같은 비평가들은 그를 "의지력이 없는 사람의 비극적 무력감"을 반영하는 음악을 가진 "지적인 투덜이"라고 불렀습니다. 한편, 라흐마니노프의 조밀한 "어두운" 마이너는 종종 용감하고 항의하며 엄청난 의지의 긴장으로 가득 차 있습니다. 그리고 슬픈 음표가 귀에 들리면 이것은 Bunin의 일부 작품에서 M. Gorky가 들었던 "고향에 대한 숨막히는 신음"인 애국 예술가의 "고귀한 슬픔"입니다. 정신적으로 그와 가까운이 작가처럼 Rachmaninov는 Gorky의 말로 "러시아 전체를 생각"하여 그녀의 손실을 후회하고 미래의 운명에 대한 불안을 경험했습니다.

주요 기능에서 Rachmaninov의 창의적인 이미지는 날카로운 골절과 변화를 경험하지 않고 작곡가의 반세기 여정 동안 통합되고 안정적으로 유지되었습니다. 젊었을 때 배운 미학과 문체 원칙은 말년에 충실했습니다. 그럼에도 불구하고 우리는 그의 작업에서 기술의 성장, 사운드 팔레트의 풍부함뿐만 아니라 부분적으로 음악의 비유적이고 표현적인 구조에 영향을 미치는 특정 진화를 관찰할 수 있습니다. 이 경로에는 기간과 생산성 정도면에서 불평등하지만 세 가지 큰 기간이 명확하게 설명되어 있습니다. 그들은 작곡가의 펜에서 완성된 작품이 하나도 나오지 않았을 때 다소 긴 일시적 휴지기, 의심의 띠, 반성 및 망설임으로 서로 구분됩니다. 90 세기 XNUMX 년대에 해당하는 첫 번째 기간은 어린 나이에 자연의 영향을 극복하여 자신의 길을 주장한 재능의 창의적 개발 및 성숙기라고 할 수 있습니다. 이 시기의 작품은 종종 아직 충분히 독립적이지 않고 형태와 질감이 불완전합니다. (그 중 일부(피아노 협주곡 XNUMX번, 애가 XNUMX중주, 피아노 작품: 멜로디, 세레나데, 유머레스크)는 나중에 작곡가가 수정하여 질감이 풍부해지고 발전되었습니다.), 많은 페이지 (젊은 오페라 "Aleko"의 최고의 순간, PI Tchaikovsky를 기념하는 Elegiac Trio, C-sharp 단조의 유명한 전주곡, 일부 음악적 순간과 로맨스), 작곡가의 개성 이미 충분히 확실하게 밝혀졌습니다.

작곡가가 많은 작업과 영적 에너지를 투자 한 작품 인 Rachmaninov의 First Symphony가 실패한 후 1897 년에 예상치 못한 일시 중지가 발생했습니다. 이 작품은 대부분의 음악가가 오해하고 거의 만장일치로 언론 페이지에서 비난을 받았으며 심지어 조롱을 받았습니다. 일부 비평가들에 의해. 교향곡의 실패는 라흐마니노프에게 깊은 정신적 트라우마를 일으켰습니다. 나중에 자신의 고백에 따르면 그는 "뇌졸중을 일으켜 오랫동안 머리와 손을 모두 잃은 사람 같았다"고 합니다. 다음 XNUMX년은 거의 완전한 창의적 침묵의 해였지만 동시에 이전에 수행된 모든 것에 대한 비판적 재평가인 집중된 성찰이었습니다. 작곡가 자신에 대한이 강렬한 내부 작업의 결과는 새로운 세기 초에 비정상적으로 강렬하고 밝은 창조적 급증이었습니다.

23세기의 처음 XNUMX-XNUMX년 동안 Rakhmaninov는 깊은 시, 신선함 및 즉각적인 영감으로 주목할만한 다양한 장르의 많은 작품을 만들었습니다. 높은 마감 장인 정신과 결합됩니다. 그중에는 피아노 협주곡 XNUMX번, 피아노 XNUMX대를 위한 모음곡 XNUMX번, 첼로와 피아노를 위한 소나타, 칸타타 "봄", XNUMX개의 전주곡 op. XNUMX, 오페라 "Francesca da Rimini", Rachmaninov의 성악 가사 ( "Lilac", "A. Musset에서 발췌")의 가장 좋은 예 중 일부,이 일련의 작품은 Rachmaninoff의 가장 크고 흥미로운 러시아 작곡가 중 한 명으로 자리 매김했습니다. 우리 시대의 예술 지식인과 청중들 사이에서 그를 널리 인정했습니다.

1901년부터 1917년까지 비교적 짧은 기간이 그의 작품에서 가장 결실을 맺었습니다. 이 32년 반 동안 대부분의 성숙하고 독립적인 스타일의 라흐마니노프 작품이 작성되었으며, 이는 국가 음악 고전의 필수적인 부분이 되었습니다. 거의 매년 새로운 opuses가 등장했으며 그 모습은 음악 생활에서 주목할만한 사건이되었습니다. Rachmaninoff의 끊임없는 창작 활동으로 그의 작업은이 기간 동안 변경되지 않았습니다. 처음 XNUMX 년이 지나면 양조 변화의 징후가 눈에 띄게 나타납니다. 일반적인 "일반적인"특성을 잃지 않고 음색이 더 심해지고 불안한 분위기가 심해지며 서정적 느낌의 직접적인 분출이 느려지는 것처럼 보이고 음악의 전체 색상 인 작곡가의 사운드 팔레트에 가볍고 투명한 색상이 덜 자주 나타납니다. 어두워지고 두꺼워집니다. 이러한 변화는 피아노 전주곡의 두 번째 시리즈인 op. XNUMX, 에튜드 페인팅의 두 주기, 특히 인간 존재와 인간의 삶의 목적에 대한 깊고 근본적인 질문을 제시하는 "The Bells"와 "All-Night Vigil"과 같은 기념비적 인 대형 작곡.

라흐마니노프가 경험한 진화는 그의 동시대인들의 관심을 피하지 못했습니다. 비평가 중 한 사람은 The Bells에 대해 다음과 같이 썼습니다. ”

1917년 이후 라흐마니노프 작업의 새로운 단절이 시작되는데, 이번에는 이전 작업보다 훨씬 더 깁니다. 30년 만에 작곡가는 합창단과 관현악단을 위한 러시아 민요 XNUMX곡을 편곡하고 제XNUMX차 세계 대전 직전에 시작된 피아노 협주곡 XNUMX번을 완성한 작곡으로 돌아왔습니다. XNUMX년대에 그는 (피아노를 위한 몇몇 콘서트 필사본을 제외하고) 단지 XNUMX개만 썼지만, 주요 작품의 아이디어 측면에서 의미가 있습니다.

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복잡하고 종종 모순되는 검색, 날카 롭고 강렬한 방향 투쟁, XNUMX 세기 전반기 음악 예술의 발전을 특징 짓는 일반적인 형태의 예술적 의식의 붕괴 환경에서 라흐마니노프는 위대한 고전에 충실했습니다. Glinka에서 Borodin, Mussorgsky, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov 및 Taneyev, Glazunov의 가장 가깝고 직접적인 학생 및 추종자에 이르기까지 러시아 음악의 전통. 그러나 그는 이러한 전통의 수호자의 역할에 자신을 제한하지 않고 적극적이고 창의적으로 인식하여 그들의 생생하고 무한한 힘, 추가 개발 및 풍요 로움을 주장했습니다. 감수성이 예민하고 감수성이 예민한 예술가인 라흐마니노프는 고전의 교훈을 고수했음에도 불구하고 근대성의 부름에 귀를 기울이지 않았습니다. XNUMX 세기의 새로운 문체 경향에 대한 그의 태도에는 대결뿐만 아니라 어떤 상호 작용의 순간도 있었다.

반세기에 걸쳐 라흐마니노프의 작품은 상당한 진화를 거쳤으며 1930년대뿐만 아니라 1910년대의 작품도 조형적 구조와 언어, 음악적 표현 수단이 초기와 아직은 크게 다릅니다. 이전 끝의 완전히 독립적 인 opuses. 수세기. 그들 중 일부에서 작곡가는 인상주의, 상징주의, 신고전주의와 접촉하지만 매우 특이한 방식으로 이러한 경향의 요소를 개별적으로 인식합니다. 모든 변화와 회전에도 불구하고 Rachmaninov의 창의적인 이미지는 내부적으로 매우 통합되어 그의 음악이 가장 광범위한 청취자에게 인기를 끌 수 있는 기본적이고 정의적인 특징을 유지했습니다. .

유. 어서 해봐요

라흐마니노프 지휘자

Rachmaninov는 작곡가이자 피아니스트 일뿐만 아니라 우리 시대의 뛰어난 지휘자로 역사에 기록되었지만 그의 활동의 이쪽은 그렇게 길고 강렬하지 않았습니다.

라흐마니노프는 1897년 가을 모스크바의 마몬토프 개인 오페라에서 지휘자로 데뷔했다. 그 전에는 오케스트라를 이끌고 지휘를 공부할 필요가 없었지만 음악가의 뛰어난 재능은 Rachmaninoff가 숙달의 비결을 빠르게 배우는 데 도움이되었습니다. 그가 첫 번째 리허설을 간신히 마칠 수 있었다는 것을 기억하는 것으로 충분합니다. 그는 가수가 소개를 표시해야 한다는 것을 몰랐습니다. 며칠 후 Rachmaninov는 Saint-Saens의 오페라 Samson과 Delilah를 지휘하면서 이미 자신의 일을 완벽하게 수행했습니다.

"마몬토프 오페라에 머물렀던 해는 나에게 매우 중요했습니다."라고 그는 썼습니다. "그곳에서 나는 진정한 지휘자의 기술을 습득했고, 그것은 나중에 나에게 엄청난 도움이 되었습니다." 극장의 두 번째 지휘자로 일하는 시즌 동안 Rachmaninov는 "Samson and Delilah", "Mermaid", "Carmen", Gluck의 "Orpheus", Serov의 "Rogneda", " Mignon”, “Askold's Grave”, “The Enemy strength”, “May night”. 언론은 그의 지휘자 스타일의 명확성, 자연 스러움, 자세 부족, 연주자에게 전달되는 철의 리듬 감각, 섬세한 취향 및 훌륭한 오케스트라 색상 감각에 즉시 주목했습니다. 경험을 쌓으면서 음악가로서의 Rachmaninoff의 이러한 기능은 솔리스트, 합창단 및 오케스트라와의 작업에 대한 자신감과 권위로 보완되어 최대한 드러나기 시작했습니다.

그 후 몇 년 동안 작곡과 피아니스트 활동에 몰두한 라흐마니노프는 가끔씩만 지휘했습니다. 그의 지휘 재능의 전성기는 1904-1915년이다. 두 시즌 동안 그는 볼쇼이 극장에서 일했으며 러시아 오페라에 대한 그의 해석은 특히 성공을 거두었습니다. 극장 생활의 역사적 사건은 비평가들에 의해 Glinka 탄생 XNUMX 주년을 기념하여 지휘 한 Ivan Susanin의 기념일 공연과 Rachmaninov가 The Queen of Spades, Eugene Onegin, Oprichnik을 지휘 한 Tchaikovsky 's Week라고합니다. 그리고 발레.

나중에 Rachmaninov는 St. Petersburg에서 The Queen of Spades의 공연을 감독했습니다. 평론가들은 오페라의 전체 비극적 의미를 이해하고 청중에게 전달한 사람이 바로 그 사람이라는 데 동의했습니다. 볼쇼이 극장에서의 라흐마니노프의 창조적 성공 중에는 림스키-코르사코프의 판 보에보다와 자신의 오페라 The Miserly Knight와 Francesca da Rimini의 제작도 있습니다.

교향곡 무대에서 첫 번째 콘서트의 Rachmaninov는 자신이 거대한 규모의 완전한 마스터임을 입증했습니다. "훌륭한"이라는 수식어는 확실히 지휘자로서의 그의 공연에 대한 평가를 동반했습니다. 대부분의 경우 Rachmaninoff는 Siloti 및 Koussevitzky 오케스트라뿐만 아니라 Moscow Philharmonic Society의 콘서트에서 지휘자 스탠드에 나타났습니다. 1907-1913년에 그는 프랑스, ​​네덜란드, 미국, 영국, 독일 등 해외에서 많은 공연을 했습니다.

지휘자로서 라흐마니노프의 레퍼토리는 그 당시 유난히 다면적이었습니다. 그는 작품의 가장 다양한 스타일과 성격에 침투할 수 있었다. 당연히 러시아 음악이 그에게 가장 가깝습니다. 그는 그 당시 거의 잊혀진 Borodin의 Bogatyr Symphony 무대에서 부활하여 탁월한 광채로 연주 한 Lyadov의 미니어처의 인기에 기여했습니다. 차이코프스키의 음악(특히 교향곡 4번과 5번)에 대한 그의 해석은 특별한 의미와 깊이로 특징지어졌습니다. Rimsky-Korsakov의 작품에서 그는 청중을 위해 가장 밝은 색상 영역을 펼칠 수 있었고 Borodin과 Glazunov의 교향곡에서 그는 서사적 폭과 극적인 해석의 무결성으로 청중을 사로 잡았습니다.

라흐마니노프 지휘 예술의 정점 중 하나는 모차르트 G단조 교향곡의 해석이었습니다. 비평가 Wolfing은 다음과 같이 썼습니다. ... 러시아의 예술적 천재는 두 번째로 이 교향곡 작가의 예술적 본성을 변형시키고 보여주었습니다. 우리는 푸쉬킨의 모차르트뿐만 아니라 라흐마니노프의 모차르트에 대해서도 이야기할 수 있습니다…

이와 함께 우리는 라흐마니노프의 프로그램에서 낭만적인 음악을 많이 발견합니다. 예를 들어 베를리오즈의 판타스틱 교향곡, 멘델스존과 프랑크의 교향곡, 베버의 오베론 서곡과 바그너 오페라의 단편, 리스트의 시와 그리그의 서정 모음곡… 웅장한 공연 현대 작가 – R. Strauss의 교향시, 인상파 작품 : Debussy, Ravel, Roger-Ducasse … 물론 Rachmaninov는 자신의 교향곡 작곡에 대한 탁월한 해석가였습니다. Rachmaninov를 두 번 이상 들었던 유명한 소련 음악 학자 V. Yakovlev는 다음과 같이 회상합니다. 쇼가 아니라 별도의 발언, 비열한 설명으로 축소되었으며 종종 그는 노래를 부르거나 어떤 형태로든 이전에 고려한 것을 설명했습니다. 그의 콘서트에 참석한 모든 사람들은 붓에서만 나오는 것이 아니라 손 전체의 넓고 특징적인 제스처를 기억합니다. 때때로 그의 이러한 몸짓은 오케스트라 단원들에 의해 과도한 것으로 간주되었지만 그에게는 친숙하고 이해되었습니다. 움직임, 포즈, 효과, 손으로 그리는 것에는 인위적이지 않았습니다. 공연자의 스타일에 대한 생각, 분석, 이해 및 통찰력이 선행된 무한한 열정이 있었습니다.

지휘자 라흐마니노프도 탁월한 앙상블 연주자였다는 점을 덧붙이겠습니다. 그의 콘서트의 솔리스트는 Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals와 같은 아티스트였으며 오페라 공연에서는 Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov ...

1913년 이후 라흐마니노프는 다른 작가들의 작품을 연주하는 것을 거부하고 자신의 작품만을 지휘했다. 1915년에야 그는 스크리아빈을 추모하는 콘서트를 진행함으로써 이 규칙에서 벗어났습니다. 그러나 이후에도 지휘자로서의 그의 명성은 전 세계적으로 비정상적으로 높았습니다. 1918년 미국에 도착한 직후 그는 보스턴과 신시내티에서 미국 최대 오케스트라의 지휘권을 제의받았습니다. 그러나 그 당시 그는 더 이상 지휘에 시간을 할애할 수 없었고, 피아니스트로서 치열한 콘서트 활동을 해야만 했다.

1939년 가을, 뉴욕에서 라흐마니노프 작품의 콘서트가 열렸을 때만 작곡가는 그 중 하나를 지휘하기로 동의했습니다. 필라델피아 오케스트라는 교향곡 1941번과 종을 연주했습니다. 그는 XNUMX년 시카고에서 같은 프로그램을 반복했고, XNUMX년 후 Egan Arbor에서 "Isle of the Dead"와 "Symphonic Dances" 공연을 감독했습니다. 비평가 O. Daune은 다음과 같이 썼습니다. 그의 연주의 성격과 스타일, 그리고 그의 지휘는 차분하고 자신감 있게 다가온다. 그것은 과시가 전혀 없고, 똑같은 위엄과 명백한 자제력이며, 똑같은 감탄할 만한 강력한 힘입니다. 그 당시에 만들어진 The Island of the Dead, Vocalise 및 Third Symphony의 녹음은 뛰어난 러시아 음악가의 지휘 예술에 대한 증거를 우리에게 보존했습니다.

L. 그리고리예프, J. 플라텍