양식화 |

양식화 (독일어 Stilisierung, 프랑스어 양식화, 라틴어 스타일러스, 그리스어 stulos – 왁스 칠한 정제에 쓰기 위한 막대기, 쓰기, 음절) – 특정 항목을 의도적으로 재현한 것입니다. 음악의 특징 k.-l. 사람, 창조의 시대, 예술. 방향, 덜 자주 개별 작곡가의 작품 스타일, 다른 국가 또는 임시 레이어에 속하며 크리에이티브에 속합니다. 다른 예술과 성격. 설정. S. 전통에 대한 호소력은 기존 예술과 동일하지 않습니다. 규범은 관련되고 자연적인 조건(예: I. Brahms의 작업에서 베토벤 전통의 지속)과 새로운 품질이 없는 복사인 모방(예: 고전의 ​​작곡 F. Lachner의 유형) 및 쉽게 모방으로 변합니다. 그들과 대조적으로 S.는 선택된 모델에서 제거하고 이 샘플을 이미지의 대상, 모방의 대상으로 변환한다고 가정합니다(예: 구식 "Holberg의 시대에서" op. 40의 모음). 그리그). S.의 저자는 그를 외부에 있는 어떤 것으로 취급하는 경향이 있으며, 그 독특함으로 끌리지만 여전히 멀리 떨어져 있는 임시적, 국가적, 개별적 문체입니다. S.는 사용하지 않고 이전에 발견된 것을 유기적으로 재생산하는 것이 아니라 재생산함으로써 전통을 따르는 것과 다릅니다. 그것과 연결되지만 그것을 낳은 자연 밖에서 그것을 재창조하는 것입니다. 환경; S.의 본질은 이차적 성격에 있습니다(S.는 이미 존재하는 패턴에 대한 지향 없이는 불가능하기 때문입니다). S. 양식화 현상의 과정에서 무기한됩니다. 조건부, 즉 그 자체로는 그다지 중요하지 않지만 우화적 의미의 전달자로서 가치가 있습니다. 이러한 예술적 효과의 출현을 위해서는 "소외"의 순간이 필요하며(VB Shklovsky의 용어는 "지각의 자동성"을 위반하고 비정상적인 관점에서 무언가를 보게 만드는 조건을 나타냄) C의 재구성, XNUMX차 특성.

이러한 쇠약해지는 순간은 원작의 특징을 과장한 것일 수 있다(예를 들어, 라벨의 노블과 센티멘탈 왈츠의 4번과 7번은 비엔나 원곡보다 비엔나의 매력이 더 많고, 드뷔시의 그레나다의 저녁은 진짜 스페인어를 능가한다. 스페인 색상의 집중 .. 음악), 그들에게 특이한 문체의 도입. 요소(예: 스트라빈스키 피아노 소나타 2부의 부활하는 오래된 아리아의 현대 불협화음 화음) 및 컨텍스트 자체(예: 타네예프의 미뉴에트에서 양식화된 춤의 극적인 역할만 드러남) , 그리고 매우 정확한 재생산의 경우 - 제목(Fp. of the way of ... Borodin, Chabrier Ravel, "Tribute to Ravel" by Honegger). 낯익은 것 외에 S.는 특이성을 잃습니다. 품질 및 - 숙련된 연주에 따라 - 원본에 접근 림스키-코르사코프의 "차르의 신부").

S.는 전체 음악 시스템에서 중요한 위치를 차지합니다. 자금. 그녀는 뮤즈로 그녀의 시대와 국가의 예술을 풍요롭게 합니다. 다른 시대와 국가의 발견. 의미론의 소급적 성격과 독창적인 신선도의 부족은 연관성이 풍부한 확립된 의미론에 의해 보상됩니다. 또한 S.는 창작자(그렇지 않으면 S.는 절충주의의 수준 이상으로 올라가지 않음)와 청취자 모두에게 높은 문화를 요구합니다. 청취자는 "음악에 대한 음악"을 감상할 준비가 되어 있어야 합니다. 문화적 축적에 대한 의존은 S.의 강점이자 약점입니다. 지성과 발달된 취향에 대한 S.는 항상 지식에서 비롯되지만, 필연적으로 감정적 즉각성을 희생하고 합리적이 될 위험이 있습니다.

S.의 대상은 사실상 음악의 모든 측면이 될 수 있습니다. 더 자주 전체 음악 역사의 가장 주목할만한 속성이 양식화됩니다. 시대 또는 국가 음악 문화(바그너의 파르지팔에 있는 엄격한 쓰기의 합창 폴리포니의 성격에서 객관적으로 균형 잡힌 소리; 바이올린과 오케스트라를 위한 랄로의 러시아 협주곡). 과거로 간 뮤즈도 종종 양식화됩니다. 장르(프로코피예프의 피아노를 위한 12편의 가보트와 리가우돈, op. 1; 힌데미트의 합창 아카펠라를 위한 마드리갈), 때로는 형식(프로코피예프의 고전 교향곡에서 거의 하이든식 소나타 형식) 및 작곡. 기법(바로크 시대의 다성음악 주제의 특징, 주제의 핵심, 스트라빈스키의 시편 교향곡에서 푸가의 제19주제에서 순차적으로 전개되고 끝나는 부분). 개별 작곡가 스타일의 특징은 덜 자주 재생됩니다(림스키-코르사코프의 오페라 모차르트와 살리에리에서 모차르트의 즉흥 연주, 라흐마니노프의 파가니니 주제에 관한 랩소디에서 24번 변주에 있는 파가니니의 "악마 같은 피치카토", 전자 음악에서 널리 퍼졌습니다). 많은 경우 k.-l. 양식화되어 있습니다. 음악 요소입니다. 언어: 프렛 하모닉. 규범(Ravel의 모달 온음계 곡 "Ronsard – to his soul"을 연상시킴), 리드미컬함. 질감 있는 디자인 세부 정보(스트라빈스키의 Apollo Musagete의 프롤로그에 있는 "1 Violins of the King"에 대한 JB Lully의 서곡 정신에 따른 엄숙한 점선 보행; 첫 번째 장면에서 나타샤와 소냐의 듀엣에 있는 아르페지오 "로맨스" 반주 프로코피예프의 오페라 "전쟁과 세계"), 공연 직원(스트라빈스키의 발레 "아곤" 악보에 있는 고대 악기) 및 공연 스타일(오페라 "알마스트"의 즉흥 무검 스타일의 "아슈그의 노래") "(Spendiarov), 악기의 음색(오페라 "루슬란과 류드밀라" 도입부에서 하프와 피아노의 조합으로 재현된 시편의 소리, 기타 - 하프와 제XNUMX바이올린을 메인으로 결합하여 Glinka의 "Aragon의 Jota"의 일부). 마지막으로, S.는 훨씬 더 일반적인 것, 즉 실제 원형을 갖는 것보다 낭만적인 표현에 더 많이 존재하는 색 또는 마음의 상태에 굴복합니다(발레 차이코프스키의 호두까기 인형; 올드 캐슬의 중국 및 아랍 무용의 조건부 동양 스타일). 무소르그스키를 위한 "전람회의 그림", 피아노 목소리를 위한 "돈키호테에서 둘치네아까지의 세 노래" 중 "서사시 노래"에서 금욕적인 중세의 본질에 대한 경건하게 황홀한 명상. 따라서 용어 "S." 많은 음영이 있으며 의미 론적 범위가 너무 넓어 S. 개념의 정확한 경계가 지워집니다. 극단적 인 표현에서 S.는 양식화 된 것과 구별 할 수 없게 되거나 그 작업은 모든 음악의 작업과 구별할 수 없게 됩니다.

S.는 역사적으로 조건화되어 있습니다. 그것은 프리클래식에 없었고 그럴 수도 없었습니다. 음악사 시대: 중세와 부분적으로 르네상스 시대의 음악가들은 연주 기술과 전례에 대한 음악의 대응에 주된 중요성을 부여하여 작가의 개성을 알지 못하거나 감상하지 않았습니다. 약속. 또한, 일반 음악. 이러한 문화의 기초는 Ch. 아. 그레고리오 성가에 따라 눈에 띄는 "문체"의 가능성을 배제했습니다. 액." 예를 들어 강력한 개성이 특징인 JS 바흐의 작업에서도 푸가는 엄격한 스타일의 음악에 가깝습니다. "Durch Adams Fall ist ganz verderbt"의 합창 각색은 S.가 아니라 고풍이지만 죽은 전통은 아닙니다(프로테스탄트 성가). 비엔나 고전, 개인 문체의 역할을 크게 강화합니다. 시작, 동시에 너무 적극적인 창의성을 차지했습니다. C를 가두는 위치: 양식화되지 않았지만 나르를 창의적으로 재검토했습니다. J. Haydn의 장르 모티브, 이탈리아 기법. 위대한 프랑스 음악의 억양인 WA 모차르트의 벨 칸토. L. 베토벤의 혁명. S.의 몫에서 그들은 외부를 재창조해야합니다. 동쪽 속성. 음악(당시 외국 정치 사건의 영향으로 동양에 대한 관심으로 인해), 종종 장난이 심함(피아노 소나타에서 "Turkish drum" in rondo alla turca from a-dur, K.-V. 331, Mozart) ; 모차르트의 오페라 '세라글리오로부터의 납치'의 '예니체리 합창', 하이든의 오페라 '약사'의 '콘스탄티노플에서 온 손님'의 코믹한 인물 등). 유럽에서는 거의 볼 수 없습니다. 음악 이전(라모의 "Gallant India"), 동쪽. 이국적인 오랫동안 전통을 유지했습니다. 오페라 음악에서 조건부 S.의 대상(CM Weber, J. Wiese, G. Verdi, L. Delibes, G. Puccini). 개인의 스타일, 지역적 색채, 시대적 분위기에 대한 관심이 높아진 낭만주의는 S의 확산을 위한 길을 닦았지만, 개인적인 문제로 눈을 돌린 낭만주의 작곡가들은 S의 뛰어난 예에도 불구하고 상대적으로 소수를 남겼습니다. (예: 쇼팽) , "파가니니", "카니발"의 "독일 왈츠", 피아노포르테 슈만). 얇은 S.는 러시아어에서 발견됩니다. 저자(예: Lisa와 Polina의 듀엣, 차이코프스키의 오페라 "스페이드의 여왕"의 "Sincerity of the Shepherdess", Rimsky-Korsakov의 오페라 "Sadko"의 외국 손님 노래: 노래에서 VA Tsukkerman에 따르면 Vedenets 손님의 엄격한 스타일의 S. polyphony는 시간과 barcarolle의 장르를 나타냅니다. 루스. 대부분의 경우 동양에 관한 음악은 S.라고 부를 수 없기 때문에 지리적으로나 역사적으로 가까운 동양의 정신에 대한 러시아의 이해가 깊었습니다(민족지학, 정확성을 갖추지 못한 채 다소 관습적으로 이해되었음에도 불구하고). 그러나 역설적이게도 Rimsky-Korsakov의 오페라 Golden Cockerel에서 "지나치게 동양적인"페이지는 S..

에스.는 20세기 들어 현대의 네크리 일반 경향에 기인하여 특히 폭넓은 발전을 이루었다. 음악. 그것의 가장 중요한 자질(그리고 일반적으로 현대 미술의 자질) 중 하나는 보편주의, 즉 거의 모든 시대와 민족의 음악 문화에 대한 관심입니다. 중세의 영적 발견에 대한 관심은 G. de Machaux의 로빈과 마리옹의 희곡 연주뿐만 아니라 Respighi의 그레고리안 바이올린 협주곡의 창작에도 반영됩니다. 상업적인 저속함을 제거했습니다. 재즈는 C. Negro를 대표합니다. fp의 음악. 드뷔시 전주곡 Op. 엠 라벨. 마찬가지로 현대 지식주의 음악은 신고전주의 음악에서 특히 중요한 문체 경향의 발전을 위한 온상입니다. 신고전주의는 현대의 전반적인 불안정 속에서 지원을 찾고 있습니다. 시간의 시험을 견뎌낸 이야기, 형식, 기술의 재생산에 생명을 불어넣고 S.(모든 단계에서)를 이 차갑고 객관적인 예술의 속성으로 만듭니다. 마지막으로 현대 코믹스의 가치가 급상승했다. 예술은 만화의 가장 중요한 특성, 즉 과장된 형태로 양식화된 현상의 특징을 표현하는 능력을 자연스럽게 부여받은 S.에 대한 절실한 요구를 만듭니다. 따라서 범위가 코믹하게 표현됩니다. 음악적 가능성. S.는 매우 광범위합니다. FP에 대한 약간 지나치게 무더운 "Albeniz를 모방하여"에서 미묘한 유머. Shchedrin, 교활한 FP. 쿠바 A. Taño의 전주곡("For Impressionist Composers", "National Composers", "Expressionist Composers", "Pointillist Composers")은 프로코피예프의 세 개의 오렌지에 대한 사랑에 있는 오페라 템플릿의 유쾌한 패러디입니다. 양식적으로 흠잡을 데 없는 스트라빈스키의 "Mavra", 피아노를 위한 Slonimsky의 "Three Graces"를 희화화한 것입니다. ("보티첼리"는 "르네상스 댄스 음악"으로 대표되는 테마, "로댕"은 라벨 스타일의 두 번째 변주, "피카소"는 "스트라빈스키 아래"의 두 번째 변주). 현대 S.의 음악은 계속해서 중요한 창작 활동을 하고 있습니다. 리셉션. 따라서 S.(종종 고대 협주곡의 성격에서)는 콜라주에 포함됩니다(예를 들어, A. Schnittke 교향곡의 2악장에서 "비발디 이후" 양식화된 주제는 음악에 도입된 인용문과 동일한 의미론적 부하를 전달합니다) . 2년대. "레트로" 문체 경향이 형성되었습니다. 이전의 연속적인 복잡성과 달리 가장 단순한 패턴으로 돌아가는 것처럼 보입니다. S. 여기에서 뮤즈의 기본 원칙에 대한 호소로 분해됩니다. 언어 - "순수한 음조", 1화음.

참조 : Troitsky V. Yu., Stylization, 책에서: Word and Image, M., 1964; Savenko S., Stravinsky 스타일의 통일성에 관한 질문, 컬렉션: IF Stravinsky, M., 1973; Kon Yu., I. Stravinsky의 두 푸가에 대해, 컬렉션: Polyphony, M., 1975.

TS 큐레얀