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오케스트라 또는 기악 앙상블의 일부가 연주하기 위한 음악 발표. 오케스트라를 위한 음악 발표는 종종 오케스트레이션이라고도 합니다. 과거에는 pl. 저자는 "나"라는 용어를 사용했습니다. 그리고 "오케스트레이션" XNUMX월 의미. 예를 들어 F. Gewart는 I.를 기술 교리로 정의했습니다. 그리고 표현합니다. 기회 악기 및 오케스트레이션 – 공동 응용 프로그램의 예술로서 F. Busoni는 오케스트레이션에 기인하여 처음부터 저자가 오케스트라로 생각한 음악 오케스트라를위한 프리젠 테이션과 I. – 오케스트라를위한 프리젠 테이션 k.- l에 의존하지 않고 쓰여진 작품의 수. 특정 구성 또는 다른 구성에 대해. 시간이 지남에 따라 이러한 용어는 거의 동일해졌습니다. 보다 보편적인 의미를 지닌 "I."라는 용어는 창의성의 본질 자체를 더 많이 표현합니다. 많은 (여러) 연주자를 위해 음악을 작곡하는 과정. 따라서 다성 합창 음악 분야에서 특히 다양한 편곡의 경우에 점점 더 많이 사용되고 있다.
I. 는 작품의 외부 "복장"이 아니라 본질의 측면 중 하나입니다. 왜냐하면 구체적인 사운드 외부, 즉 정의된 것 외부에서 어떤 종류의 음악도 상상할 수 없기 때문입니다. 음색과 그 조합. I. 의 과정은 주어진 작품의 연주에 참여하는 모든 악기와 목소리의 부분을 통합하는 악보 작성에서 최종 표현을 찾습니다. (이 구성에 대해 작가가 제공한 비음악적 효과와 노이즈도 악보에 기록됩니다.)
I.에 대한 초기 아이디어는 뮤즈 간의 차이가 처음 실현되었을 때 이미 발생했을 수 있습니다. 문구, 노래 인간. 목소리와 그녀가 c.-l에서 연주했습니다. 도구. 그러나 다골의 전성기를 포함하여 오랫동안. 대위법 문자, 음색, 대비 및 역학. 의미있는 방식으로 음악에서 기회가 재생되지 않았습니다. 역할. 작곡가는 멜로디 라인의 대략적인 균형으로 자신을 제한했으며 악기 선택은 종종 결정되지 않았으며 임의적일 수 있습니다.
I. 가 조형적 요소로 발전하는 과정은 동음이의 음악 작문의 승인을 시작으로 추적할 수 있습니다. 반주 환경에서 주요 멜로디를 분리하려면 특별한 수단이 필요했습니다. 그들의 사용은 더 큰 표현력, 긴장 및 소리의 특이성을 이끌어 냈습니다.
드라마투르기의 이해에 중요한 역할. 오케스트라 악기의 역할은 16세기 말에서 17세기 초에 시작된 오페라 하우스에서 이루어졌습니다. XNUMX 세기 C. Monteverdi의 오페라에서 처음으로 불안한 트레몰로와 활줄의 경고 피치카토가 발견됩니다. KV Gluck과 나중에 WA Mozart는 강력하고 무서운 상황을 묘사하기 위해 트롬본을 성공적으로 사용했습니다 ( "Orpheus and Eurydice", "Don Juan"). Mozart는 Papageno("The Magic Flute")를 특징짓기 위해 당시 원시적인 작은 플루트의 순진한 소리를 성공적으로 사용했습니다. 오페라 작곡에서 작곡가는 성례전에 의지했습니다. 닫힌 금관 악기의 소리와 유럽에 온 타악기의 울림도 사용했습니다. 소위 오케스트라. "예니체리 음악". 그러나 I. 분야의 검색은 평균에 머물렀다. (악기의 선택과 개선으로 인해, 그리고 음악 작품의 인쇄된 선전에 대한 긴급한 필요성의 영향으로) 교향곡이 되는 과정이 완료될 때까지 가장 무질서했습니다. 현악기, 목관악기, 금관악기, 타악기 등 XNUMX개의 악기군으로 구성된 오케스트라. 오케스트라 구성의 유형화는 이전 뮤즈 개발의 전체 과정에서 준비되었습니다. 문화.
가장 이른 시기는 17세기였다. – 바이올린, 비올라, 첼로 및 더블베이스가 비올라를 대체하여 실내 음향 악기와 제한된 기술 능력을 대체하는 바이올린, 비올라, 첼로 및 더블베이스와 같이 직전에 형성된 바이올린 가족의 다양한 현악기로 구성된 현악기 그룹이 안정화되었습니다.
고대 플루트, 오보에, 바순도 이때까지 크게 개선되어 조율과 이동성 측면에서 앙상블 연주의 요구 사항을 충족하기 시작했고 곧 전체 음역이 상대적으로 제한되었음에도 불구하고 2악장을 형성할 수 있었습니다. 오케스트라 그룹. 언제 Ser. 18세기에 클라리넷도 합류했고(그 디자인은 다른 목관 악기의 디자인보다 다소 늦게 개선되었습니다), 이 그룹은 거의 현악기와 같이 단일체가 되어 균일하게 양보했지만 다양한 면에서 이를 능가했습니다. 음색의.
동등한 오크로 형성되는 데 훨씬 더 오래 걸렸습니다. 구리 정신 그룹. 도구. JS Bach 시대에 작은 챔버 형식의 오케스트라에는 종종 자연 트럼펫이 포함되어 주로 사용되었습니다. 스케일이 온음계 추출을 허용하는 상위 레지스터에서. 두 번째 시퀀스. 이 멜로디를 대체하기 위해 2층에서 파이프(소위 "Clarino" 스타일)를 사용합니다. 18세기에는 구리에 대한 새로운 해석이 등장했습니다. 작곡가들은 점점 더 하모니카를 위해 천연 파이프와 호른에 의존하기 시작했습니다. 채우는 오크. 직물뿐만 아니라 악센트를 강화하고 분해를 강조합니다. 리듬 공식. 제한된 기회로 인해 금관 악기는 DOS를 위해 음악이 작곡되는 경우에만 동등한 그룹으로 작용했습니다. 자연에. 군용 팡파르, 사냥용 호른, 우편 호른 및 특수 목적을 위한 기타 신호 악기의 특징인 비늘 – 오케스트라 브라스 그룹의 창시자.
마지막으로 쳤다. 17~18세기 오케스트라의 악기들. 가장 자주 그들은 일반적으로 금관 악기 그룹과 함께 사용되는 강장제와 지배적으로 조정 된 두 개의 팀파니로 대표되었습니다.
18 말 – 초기. 19세기는 "고전"을 형성했습니다. 오케스트라. 작곡을 확립하는 데 가장 중요한 역할은 J. Haydn에 속하지만 L. Beethoven에서 완전히 완성 된 형식을 취했습니다 (때때로 "Beethovenian"이라고도 함). 그것은 8-10개의 제4 바이올린, 6-2개의 제4 바이올린, 3-4개의 비올라, 2-3개의 첼로 및 1-2개의 더블 베이스를 포함했습니다(베토벤 이전에는 주로 첼로와 함께 한 옥타브에서 연주했습니다). 이 현의 구성은 2-2개의 플루트, 2개의 오보에, 2개의 클라리넷, 3개의 바순, 4개의 호른(서로 다른 조율의 호른이 필요할 때 때때로 2개 또는 2개), XNUMX개의 트럼펫 및 XNUMX개의 팀파니에 해당합니다. 그러한 관현악단은 뮤즈를 활용하여 대단한 기교를 이룬 작곡가들의 사상을 실현할 수 있는 충분한 기회를 제공하였다. 도구, 특히 구리의 디자인은 여전히 매우 원시적이었습니다. 따라서 J. Haydn, WA Mozart, 특히 L. Beethoven의 작품에는 동시대 악기의 한계를 독창적으로 극복한 예가 종종 있으며 당시의 심포니 오케스트라를 확장하고 개선하려는 열망은 끊임없이 짐작했다.
교향곡 3번에서 베토벤은 영웅적 원리를 완벽하게 구현하는 동시에 자연 뿔의 본성에 이상적으로 부합하는 주제를 만들었습니다.
그의 교향곡 5번의 느린 악장에서 호른과 트럼펫은 의기양양한 외침을 맡습니다.
이 교향곡 피날레의 환희에 찬 주제에는 트롬본의 참여도 필요했습니다.
교향곡 9번의 마지막 주제를 작업할 때 베토벤은 의심할 여지없이 천연 금관 악기로 연주할 수 있도록 노력했습니다.
같은 교향곡의 스케르초에서 팀파니를 사용하는 것은 의심할 여지없이 박자를 극적으로 반대하려는 의도를 증언한다. 악기 – 나머지 오케스트라를 위한 팀파니:
베토벤의 생애 동안에도 황동 영혼의 디자인에 진정한 혁명이 있었습니다. 밸브 메커니즘의 발명과 관련된 도구.
작곡가들은 더 이상 자연의 제한된 가능성에 제약을 받지 않았습니다. 더 넓은 범위의 음조를 안전하게 처리할 수 있는 기회를 얻었습니다. 그러나 새로운 "반음계" 파이프와 혼은 즉시 보편적인 인식을 얻지 못했습니다. 처음에는 자연적인 것보다 소리가 더 나빴고 종종 필요한 순도의 시스템을 제공하지 못했습니다. 그리고 나중에 일부 작곡가 (R. Wagner, I. Brahms, NA Rimsky-Korsakov)는 때때로 뿔과 트럼펫을 본성으로 해석했습니다. 밸브를 사용하지 않고 연주하도록 규정한 악기. 일반적으로 밸브 악기의 출현은 뮤즈의 발전에 대한 폭 넓은 전망을 열었습니다. 가능한 가장 짧은 시간에 구리 그룹이 현과 나무를 완전히 따라 잡았고 가장 복잡한 음악을 독립적으로 발표할 수 있는 기회를 얻었기 때문입니다.
중요한 사건은 브라스 그룹뿐만 아니라 전체 오케스트라 전체의 안정적인 기반이 된 베이스 튜바의 발명이었습니다.
구리 그룹의 독립 획득으로 마침내 뿔의 위치가 결정되었으며, 이전에는 (상황에 따라) 구리 또는 나무 뿔이 인접했습니다. 관악기로서 호른은 일반적으로 트럼펫(때로는 팀파니의 지원을 받음)과 함께, 즉 정확히 하나의 그룹으로 연주됩니다.
다른 경우에는 나무 악기, 특히 바순과 완벽하게 합쳐져 하모니카 페달을 형성했습니다 (고대 악보에서 나중에 R. Wagner, G. Spontini, 때로는 G. Berlioz와 함께 뿔이 바순 위에 배치, 즉 나무 사이). 이 이중성의 흔적은 오늘날에도 볼 수 있습니다. 테시 투라의 순서가 아니라 나무와 금관 악기 사이의 "연결 고리"로서 악보에서 자리를 차지하는 유일한 악기이기 때문입니다.
다른 많은 현대 작곡가 (예 : SS Prokofiev, DD Shostakovich). 점수는 트럼펫과 트롬본 사이의 호른 부분을 녹음했습니다. 그러나 테시투라에 따라 호른을 녹음하는 방법은 악보에서 트롬본과 파이프를 나란히 배치하는 편의성으로 인해 널리 퍼지지 않았으며 종종 "무거운"("단단한") 구리의 대표자로 함께 작용했습니다.
나무 영혼의 그룹입니다. 디자인이 계속 개선되는 악기는 소형 및 알토 플루트, eng와 같은 품종으로 인해 집중적으로 풍부해지기 시작했습니다. 호른, 스몰 및 베이스 클라리넷, 콘트라바순. 2층. 19 세기 점차적으로 다채로운 나무 그룹이 현보다 열등하지 않고 능가하는 볼륨 측면에서 형성되었습니다.
타악기의 수도 증가하고 있습니다. 3-4 팀파니는 크고 작은 드럼, 심벌즈, 삼각형, 탬버린으로 연결됩니다. 점점 더 벨, 실로폰, fp., 나중에 celesta가 오케스트라에 나타납니다. 새로운 색상은 19세기 초에 발명되었고 나중에 S. Erar에 의해 이중 튜닝 메커니즘으로 개선된 XNUMX페달 하프에 의해 도입되었습니다.
문자열은 차례로 이웃 그룹의 성장에 무관심하지 않습니다. 정확한 음향 비율을 유지하기 위해 이 악기의 연주자 수를 제14바이올린 16-12개, 제14바이올린 10-12개, 비올라 8-12개, 첼로 6-8개, 더블베이스 XNUMX-XNUMX개, 분해의 폭 넓은 사용 가능성을 만들었습니다. 분할.
19세기의 고전적인 오케스트라를 바탕으로 뮤즈들의 발상으로 점차 발전해가는 오케스트라. 낭만주의 (따라서 새로운 색상과 밝은 대조, 속성, 프로그램 심포닉 및 연극 음악 검색) G. Berlioz 및 R. Wagner, KM Weber 및 G. Verdi, PI Tchaikovsky 및 NA Rimsky-Korsakov의 오케스트라.
2층에 완전히 형성되어 있습니다. 19세기, 거의 XNUMX년 동안 변함없이 존재하는, (작은 변형을 제외하고) 여전히 예술을 만족시킨다. 그림 같은, 다채로움, 뮤즈에 끌리는 다양한 방향과 개성의 작곡가의 요구. 사운드 라이팅, 그리고 음악적 이미지의 심리적 깊이를 위해 노력하는 사람들.
오케스트라의 안정화와 병행하여 새로운 오크 기술에 대한 집중 검색이 수행되었습니다. 쓰기, 오케스트라 악기의 새로운 해석. 고전적인 음향 이론. 큰 교향곡과 관련하여 공식화 된 균형. NA Rimsky-Korsakov의 오케스트라는 하나의 트럼펫(또는 트롬본 또는 튜바)이 가장 표현력 있게 포르테를 연주한다는 사실에서 출발했습니다. 소리 강도 측면에서 두 개의 뿔과 같고 각각은 두 개의 나무 정령과 같습니다. 악기 또는 문자열 하위 그룹의 조화.
PI 차이코프스키. 교향곡 6, 악장 I. 플루트와 클라리넷은 이전에 디비시 비올라와 첼로가 연주한 문장을 반복합니다.
동시에 레지스터의 강도와 다이내믹의 차이에 대해 특정 수정이 이루어졌습니다. 오크 내에서 비율을 변경할 수 있는 음영. 직물. 클래식 I. 의 중요한 기술은 동음이의 음악의 특징인 하모닉 또는 멜로디(반문점) 페달이었습니다.
주요 음향 평형에 따라 I.는 보편적이지 않을 수 있습니다. 그녀는 엄격한 비율, 생각의 균형에 대한 요구 사항을 잘 충족했지만 강한 표현을 전달하는 데는 적합하지 않았습니다. 이 경우 I., osn. 음색과 역학의 지속적인 변화에 대해 다른 목소리에 비해 일부 목소리의 강력한 두 배(트리플, 네 배)에 대해.
이러한 기법은 19세기 말과 20세기 초 여러 작곡가들의 작품의 특징입니다. (예: AN Scriabin).
"순수한"(솔로) 음색의 사용과 함께 작곡가들은 복잡한 혼합을 사용하여 서로 다른 색상을 대담하게 혼합하고 2, 3 또는 그 이상의 옥타브를 통해 목소리를 두 배로 늘리는 특수 효과를 달성하기 시작했습니다.
PI 차이코프스키. 교향곡 6번, XNUMX악장. 금관 악기의 외침은 매번 현악기와 나무 악기의 조화로 응답됩니다.
순수한 음색 자체에는 추가 사항이 많았습니다. 극 법. 기회, 예. 목제 악기의 높은 음역과 낮은 음역의 비교, 음소거 디컴프 사용. 금관악기 할당, 현악기에 대한 높은 저음 위치 사용 등. 이전에는 리듬을 치거나 하모니를 채우고 색칠하는 데에만 사용되었던 악기가 점점 더 주제의 전달자로 사용되고 있습니다.
확장을 찾아서 표현할 것입니다. 묘사하고. 기회는 20세기의 오케스트라를 형성했습니다. – G. Mahler와 R. Strauss, C. Debussy와 M. Ravel, IF Stravinsky와 V. Britten, SS Prokofiev와 DD Shostakovich의 오케스트라. 이들의 다양한 창작 방향과 개성, 그리고 다른 뛰어난 오케스트라 작문의 거장들과 함께 dec. 세계 각국은 I., osn의 다양한 기술의 기교로 관련되어 있습니다. 발달된 청각적 상상력, 악기의 본질에 대한 진정한 감각 및 기술에 대한 탁월한 지식을 바탕으로 합니다. 기회.
수단. 각 악기가 말하자면 연주되는 악기의 특성이 되는 때인 20세기 음악에서 leittimbres에 할당되었습니다. 성능. 따라서 Wagner가 발명한 라이트모티프 시스템은 새로운 형태를 취합니다. 따라서 새로운 음색을 집중적으로 검색합니다. 현악 연주자들은 점점 더 하모닉스와 함께 sul ponticello, col legno를 연주합니다. 관악기는 frullato 기술을 사용합니다. 하프 연주는 복잡한 고조파 조합, 손바닥으로 현을 치는 것으로 풍부해집니다. 특이한 효과를 얻을 수 있는 새로운 악기 디자인이 나타납니다(예: 페달 팀파니의 글리산도). 완전히 새로운 악기(특히 타악기)가 발명되었습니다. 그리고 전자. 마지막으로 Symph. 오케스트라는 점점 더 다른 구성의 악기(색소폰, 국악기 뽑기)를 도입하고 있습니다.
친숙한 도구 사용에 대한 새로운 요구 사항은 현대 아방가르드 운동의 대표자들에 의해 제시됩니다. 음악. 그들의 점수는 비트에 의해 지배됩니다. 특정 피치의 악기(실로폰, 벨, 비브라폰, 다양한 피치의 드럼, 팀파니, 관형 벨), 셀레스타, fp. 그리고 각종 전동공구. 구부러진 악기도 의미합니다. 뽑기와 타악기를 위해이 작곡가들이 가장 적게 사용했습니다. 악기 데크에서 활을 두드리는 것까지 사운드 생성. 하프 공진기의 공명판에 못을 박거나 나무 공진기에 밸브를 두드리는 것과 같은 효과도 보편화되고 있습니다. 점점 더 극단적이고 강렬한 악기 레지스터가 사용됩니다. 또한 아방가르드 아티스트의 창의성은 오케스트라 프리미어를 해석하려는 욕구가 특징입니다. 독주자 모임으로; 주로 그룹 악기 수의 감소로 인해 오케스트라 자체의 구성이 감소하는 경향이 있습니다.
NA 림스키코르사코프. "셰헤라자드". 파트 II. XNUMX음표와 XNUMX성부 및 XNUMX성부 화음을 사용하여 비분할로 연주하는 현악기는 매우 충만한 선율과 화성을 표현합니다. 질감, 관악기에 의해 약간만 지원됩니다.
20세기에 많은 작품이 쓰여졌지만. symph의 특수(변형) 작곡용. 오케스트라, 그들 중 어느 것도 폭 넓은 인기를 얻은 많은 작품 (예 : PI 차이코프스키의 "현악 오케스트라를위한 세레나데")이 제작 된 현악 오케스트라 이전처럼 일반적이지 않았습니다.
오크 개발. 음악은 창의성과 그 물질적 기반의 상호 의존성을 분명히 보여줍니다. 알아채다. 목제 정령의 복잡한 역학 설계를 발전시켰습니다. 도구 또는 제조 분야에서 가장 정확하게 보정된 구리 도구 및 기타 많은 도구를 제공합니다. 악기의 다른 개선은 궁극적으로 이데올로기 예술의 절박한 요구의 결과였습니다. 주문하다. 차례로 예술의 물질적 기반의 개선은 작곡가와 연주자에게 새로운 지평을 열어 창의력을 일깨웠습니다. 판타지는 음악 예술의 발전을 위한 전제 조건을 만들었습니다.
작곡가가 오케스트라 작품을 작업하는 경우 오케스트라를 위해 직접 작성되거나 작성되어야 합니다. 이 경우 처음에는 스케치 형태로 여러 줄에 기록됩니다. 이는 향후 악보의 원형입니다. 스케치에 포함된 오케스트라 텍스처의 세부 사항이 적을수록 일반적인 두 줄 FP에 더 가깝습니다. 프리젠테이션일수록 악보를 작성하는 과정에서 실제 I에 더 많은 작업을 수행해야 합니다.
M. 라벨. "볼레로". 기기화만으로도 엄청난 성장이 이루어집니다. 간신히 들리는 반주를 배경으로 한 플루트 독주부터 목관악기의 합주를 거쳐 관악기에 의해 두 배가 된 현의 혼합을 통해…
본질적으로 fp. 본인 또는 다른 작가의 희곡에는 창의성이 필요합니다. 접근하다. 이 경우의 작품은 항상 미래 오케스트라 작품의 프로토타입일 뿐입니다. 악기 연주자는 끊임없이 텍스처를 변경해야 하고 종종 그는 또한 레지스터를 변경하고, 목소리를 두 배로 늘리고, 페달을 추가하고, 형상을 재구성하고, 어쿠스틱을 채워야 하기 때문입니다. . 보이드, 타이트한 코드를 와이드로 변환 등. 네트워크. 전송 fp. 오케스트라에 대한 프리젠테이션(때때로 음악 연습에서 접함)은 일반적으로 예술적으로 만족스럽지 못한 결과를 초래합니다. 결과 – 그러한 I.는 소리가 좋지 않고 바람직하지 않은 인상을 줍니다.
가장 중요한 예술. 계측기의 임무는 디컴프를 적용하는 것입니다. 음색의 특성과 텐션에 따라 오크의 드라마투르기를 가장 강력하게 드러낼 것이다. 음악; 주요 기술 동시에 임무는 오크의 안도감과 깊이를 보장하는 첫 번째와 두 번째 (세 번째) 평면 사이의 올바른 비율과 목소리를 잘 듣는 것입니다. 소리.
예를 들어 I.와 함께 fp. 연극이 발생할 수 있으며 숫자가 보완됩니다. 작업, 특히 열린 현의 밝은 사운드 또는 금관 악기의 화려한 밸브리스 사운드를 사용해야 하는 경우 원본의 키와 항상 일치하지 않는 키 선택부터 시작합니다. 모든 뮤즈 이전 사례의 문제를 올바르게 해결하는 것도 매우 중요합니다. 원본과 비교하여 다른 음역에 구문을 추가하고 마지막으로 일반 개발 계획에 따라 계측된 프로덕션의 한 섹션 또는 다른 섹션을 지정해야 하는 "레이어" 수를 표시합니다.
아마도 몇 가지. I. 거의 모든 제품의 솔루션. (물론 오케스트라로 구체적으로 구상되지 않고 악보 스케치 형식으로 적지 않은 경우). 이러한 각 결정은 고유한 방식으로 예술적으로 정당화될 수 있습니다. 그러나 이들은 이미 어느 정도 다른 오크가 될 것입니다. 색상, 장력, 섹션 간 대비 정도가 다른 제품. 이것은 I.가 작업의 본질과 분리할 수 없는 창의적인 과정임을 확인시켜줍니다.
Modern I.의 주장에는 정확한 표현 지침이 필요합니다. 의미 있는 프레이징은 규정된 템포를 따르고 다이내믹의 일반적인 지정을 따르는 것만이 아닙니다. 그리고 고뇌. 주문뿐만 아니라 각 악기의 특정 성능 특성을 사용합니다. 그래서 현악기를 연주할 때. 현을 세게 누르거나 활을 튕기게 하거나 각 활에 대해 하나의 음을 연주하거나 여러 음을 연주하는 등 활을 위아래로 움직일 수 있습니다.
영혼 수행자. 도구는 diff를 사용할 수 있습니다. 노력에서 공기 제트를 날리는 방법. XNUMX중 및 XNUMX중 "언어"를 폭넓은 선율의 레가토에 연결하여 표현적인 표현을 위해 사용합니다. 다른 현대 악기에도 동일하게 적용됩니다. 오케스트라. 악기 연주자는 자신의 의도를 최대한 완벽하게 연주자의 주의를 끌 수 있도록 이러한 모든 미묘함을 철저히 알아야 합니다. 따라서 현대 악보(일반적으로 받아들여지는 연주 기법의 재고가 매우 제한적이고 많은 것이 당연한 것으로 여겨졌던 당시의 악보와 달리)는 일반적으로 문자 그대로 수많은 가장 정확한 표시가 점재되어 있습니다. 음악은 특징이 없어지고 생생하고 떨리는 숨결을 잃습니다.
드라마투르기에서 음색을 사용하는 잘 알려진 예. 묘사하고. 목적: Debussy의 전주곡 "목신의 오후"에서 플루트 연주; 오페라 Eugene Onegin (The Shepherd Plays)의 두 번째 장면 끝에서 오보에와 바순 연주; R. Strauss의 시 "Til Ulenspiegel"에서 전 음역에 걸쳐 떨어지는 호른 프레이즈와 작은 클라리넷의 외침; 오페라 The Queen of Spades (In the Countess 's Bedroom)의 2 번째 장면에서베이스 클라리넷의 우울한 소리; Desdemona의 죽음 장면 이전의 더블 베이스 솔로(G. Verdi의 Otello); 프룰라토 정신. 교향곡에서 숫양의 울음소리를 묘사한 악기. R. Strauss의 시 "Don Quixote"; 술 폰티첼로 현. Peipsi 호수 전투의 시작을 묘사하는 악기 (Prokofiev의 Alexander Nevsky 칸타타).
베를리오즈의 교향곡 "이탈리아의 해롤드"의 비올라 독주와 교향곡의 바이올린 카덴자인 슈트라우스의 "돈키호테"의 첼로 독주도 주목할 만하다. 림스키코르사코프의 모음곡 '세헤라자데'. 이들은 의인화되어 있습니다. Leittimbres는 모든 차이점에도 불구하고 중요한 프로그래밍 방식의 드라마투르기를 수행합니다. 기능.
교향곡 연극을 만들 때 개발 된 I.의 원칙. 오케스트라, 주로 다른 많은 오크에게 유효합니다. 궁극적으로 심포니의 이미지와 유사성으로 생성되는 작곡. 그리고 항상 XNUMX~XNUMX개의 동종 기기 그룹을 포함합니다. 그 영혼은 우연이 아닙니다. 오케스트라뿐만 아니라 XNUMX월. 나르. 냇. 오케스트라는 종종 교향곡을 위해 쓰여진 작품의 필사본을 연주합니다. 오케스트라. 이러한 배치는 배치 유형 중 하나입니다. 원칙 I. to. – 엘. 존재하지 않고 작동합니다. 변경 사항은 오케스트라의 한 구성에서 다른 구성으로 전송됩니다. 널리 퍼진 XNUMX월 소규모 앙상블이 대규모 오케스트라를 위해 작곡된 작품을 연주할 수 있도록 하는 오케스트라 라이브러리.
저자의 I., 우선 fi가 특별한 장소를 차지합니다. 에세이. 일부 제품은 오크 형태의 두 가지 동일한 버전으로 존재합니다. 점수와 fp. 프리젠 테이션 (F. Liszt의 일부 랩소디, 음악에서 E. Grieg의 "Peer Gynt" 모음곡, AK Lyadov, I. Brahms, C. Debussy의 개별 연극, IF Stravinsky의 "Petrushka" 모음곡, 발레 모음곡 "Romeo" and Juliet”, SS Prokofiev 등). 잘 알려진 FP를 기반으로 만든 점수 중. 거장 I. 의 작품, Mussorgsky-Ravel의 전시회에서의 그림이 눈에 띄고 그들의 fp만큼 자주 공연됩니다. 원기. I. 분야에서 가장 중요한 작품 중에는 Mussorgsky의 오페라 Boris Godunov와 Khovanshchina의 에디션과 NA Rimsky-Korsakov가 수행한 Dargomyzhsky의 The Stone Guest, 그리고 오페라 Boris Godunov와 Khovanshchina의 새로운 I.가 있습니다. DD Shostakovich가 수행한 Mussorgsky.
심포니 음악의 풍부한 경험을 요약한 심포니 오케스트라를 위한 I.에 대한 광범위한 문헌이 있습니다. 재단에. 작품에는 베를리오즈의 "현대 악기와 오케스트레이션에 관한 위대한 논문"과 림스키-코르사코프의 "자기 작곡의 악보 샘플을 사용한 오케스트레이션의 기초"가 포함됩니다. 이 작품의 저자는 음악가의 긴급한 요구에 철저하게 대응하고 가장 중요한 중요성을 잃지 않은 책을 만든 뛰어난 실용 작곡가였습니다. 수많은 판본이 이를 증언합니다. 40년대에 쓰여진 Berlioz의 논문. 19세기, Orc에 따라 R. Strauss가 수정하고 보완했습니다. 연습 시작. 20 세기
음악에서 uch. 기관은 일반적으로 두 가지 주요 과정으로 구성된 특별 과정 I.을 거칩니다. 섹션: 계측 및 실제로 I. 첫 번째(입문)에서는 계측기, 구조, 속성, 각 개발의 역사를 소개합니다. I. 과정은 악기 결합, I.를 통해 긴장의 상승 및 하강, 개인 (그룹) 및 오케스트라 투티 작성 규칙에 전념합니다. 예술의 방법을 고찰할 때, 우리는 궁극적으로 예술의 관념에서 출발한다. 생성된(오케스트레이션된) 전체 제품.
기술 I.는 실습 과정에서 습득됩니다. 학생들이 교사의 지도하에 오케스트라를 위해 프리미어를 필사하는 수업입니다. fp. 작품, 오케스트라의 역사에 대해 알아보십시오. 점수의 가장 좋은 예를 스타일 지정하고 분석합니다. 또한 지휘자, 작곡가 및 음악학자는 악보 읽기를 연습하고 일반적으로 피아노로 재생합니다. 그러나 초보 연주자에게 가장 좋은 방법은 오케스트라에서 자신의 작품을 듣고 리허설 중에 숙련된 음악가로부터 조언을 받는 것입니다.
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MI 출라키
